La hora del cambio, el 11 de agosto: un enemigo del pueblo

¿Queremos de verdad lo decente y bueno?

Los cómicos Ficarra y Picone se han puesto delante y detrás de la cámara para imaginar cómo reaccionaría un pueblo ante algo tan insólito como esperado: un alcalde honesto. Mediante esta commedia all'italiana muestran lo que pasaría si por fin sus sueños de honestidad se cumplieran.

 

Los vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, y... ¡están hartos! Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro. Tampoco les falta un gran puerto... sin barcos, y una fábrica propia... altamente contaminante.

Pero… ¡ha llegado la hora del cambio! En las elecciones, un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir todo su programa electoral. Ahora bien, ¿está el pueblo preparado para que su alcalde cumpla TODAS sus promesas?

Es una crítica hilarante de la corrupción y de quien la permite. El dúo cómico pone ante un espejo a la sociedad e ironiza sobre las leyes y el decoro que nadie está dispuesto a aceptar para uno mismo pero sí exigir para el resto. 

La tradición académica. San Petersburgo-Madrid, por Valery Katsuba

Organizada por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, el Instituto Cervantes de Moscú y la Frolov Gallery, la exposición titulada La tradición académica. San Petersburgo-Madrid  reúne fotografías contemporáneas del artista Valery Katsuba y dibujos de los siglos XVIII al XXI realizados por estudiantes de ambas Academias.

La tradición académica. San Petersburgo-Madrid está formada por cincuenta fotografías (cuarenta y cuatro de ellas realizadas por el fotógrafo ruso Valery Katsuba y seis procedentes del archivo de la Academia y del archivo CGAKFFD de San Petersburgo), así como veintitrés dibujos (dieciséis pertenecientes a los alumnos de la Academia de San Petersburgo y siete a la colección de dibujos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando).

Desde su observadora mirada, el artista Valery Katsuba genera con sus imágenes una reflexión en torno a la idea del modelo, de la proporción, del orden y de la percepción de la belleza, así como de la evolución de estos conceptos desde la Antigüedad hasta nuestros días. Para ello sitúa a atletas, gimnastas y bailarines junto a las esculturas que recorren las salas de las Academias, produciendo una confrontación entre dos épocas separadas por siglos de historia y pensamiento artístico. Los protagonistas de estas fotografías son campeones de lucha grecorromana, participantes de los Juegos Olímpicos, solistas del emblemático teatro Mariinsky de San Petersburgo o de la Compañía Nacional de Danza en España. Personas de espíritu elevado, héroes de su tiempo que posan junto a dioses y titanes griegos y romanos inmortalizados en escultura. En la imagen de sus cuerpos contemporáneos y llenos de vida muestran que hay una esencia perdurable en aquel orden primigenio, que transciende el paso del tiempo y que en la actualidad se manifiesta en múltiples imágenes vivas y llenas de la misma intensa belleza. En palabras de la crítica de arte Carmen Sánchez, el fotógrafo pone a sus modelos al lado de las esculturas que representan “a criaturas excelentes, virtuosas y hasta cierto punto, inmortales”. Así mismo el fotógrafo compara a héroes de distintas épocas, su voluntad y su espíritu, en un intento de encontrar ciertos valores eternos.

Las imágenes de Valery Katsuba recorren la tradición académica a lo largo de los siglos, tanto en San Petersburgo como en Madrid. Desde una época en que los profesores elegían a modelos para sus clases midiendo sus proporciones y comparándolas con las esculturas de la Antigüedad, hasta el proceso educativo de hoy día en San Petersburgo y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Aparecen artistas impartiendo clases, modelos que posan para alumnos. Es decir, los creadores del arte contemporáneo que siguen guardando la tradición académica a través de la eternidad del tiempo y la infinidad del espacio, los herederos de los maestros de la Antigüedad.

En el texto del catálogo de la exposición, el académico Antonio Bonet Correa, escribe: “Nada es más atractivo que el sueño de la perfección y de la verdad [...]. Valery Katsuba, cuando capta la instantánea de los bailarines y las bailarinas que danzan delante de los cuadros de Goya o de los yesos clásicos, expuestos en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, nos proporciona directamente la imagen del nexo que une el arte con la vida”. A juicio de José María Luzón, académico delegado del Museo de la Academia de San Fernando: “Bailarinas, atletas, cuerpos perfectamente cuidados por el ejercicio de la danza o del deporte, en paralelo con otros que también alcanzaron ese grado de perfección en los ejercicios de la palestra. La exposición no es, por consiguiente, una exposición fotográfica, sino una manera de presentar dos instituciones que fueron esenciales en la formación del gusto artístico en Europa, que tienen una historia en muchos aspectos común y que nos permiten ver la permanencia y los cambios del gusto a lo largo de más de doscientos cincuenta años”.

Ciclo ópera y cine, dirigido por Fernando Fraga en LQM:
 

 

1. Adaptación cinematográfica de la ópera Aida, de Giussepe Verdi, rodada en Cinecittà, fue dirigida por Clementi Fracassi en 1953, una época en la que el cine italiano realizó varias adaptaciones del repertorio operístico más popular, con actores muy conocidos que ponían su imagen y grandes cantantes que aportaban su voz. 

Es el caso de la película que presentamos: las voces de Renata Tebaldi para Aida, Ebe Stignani para Amneris, Giuseppe Campora para Ramadès, Gino Bechi para Amonasro y Giulio Neri para Ramfis sustituyen las de Sophia Loren, Lois Maxwell, Luciano Della Marra, Afro Poli y Antonio Cassinelli, respectivamente.

Un espectáculo con una estética que en la actualidad se nos presenta completamente kitsch y pasada de moda, pero que tiene el encanto de un tiempo pasado y la profesionalidad de los participantes.

2. El director italiano Marco Bellocchio dirigió en 2010 esta grabación en vivo de la ópera Rigoletto, de G. Verdi, en escenarios naturales de la ciudad de Mantua, lugar en el que Verdi hace discurrir la acción de su obra.

Rigoletto está interpretado por Plácido Domingo, un tenor que presta cada vez en más ocasiones su voz a los roles de barítono. La soprano rusa Julia Novikova es Gilda, la hija del bufón, Vittorio Grigolo el Duque de Mantua, y Ruggiero Raimondi da vida a Sparafucile. Zubin Mehta dirige a la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI.

Cincuenta cámaras digitales grabaron la representación en vivo en Mantua. La fotografía es de Vittorio Storaro, ganador de un Oscar.

3. Suor Angelica. Cuando la soprano albanesa Ermonela Jaho aceptó el papel de Suor Angelica en 2011, para una producción de la Royal Opera House de Londres, no estaba demasiado familiarizada con esta sentimental ópera de un sólo acto. Pero logró ser aclamada por público y crítica en su debut. Su carrera desde entonces transcurre por la senda del éxito.

La dirección musical de esta representación corre a cargo de Antonio Pappano y firma la dirección de escena Richard Jones. En el reparto acompañan a Jaho Anna Larsson y Anna Devin.

Con esta proyección queremos homenajear a la soprano que está triunfando estos días en Madrid con Madame Butterfly, en el Teatro Real

4. Platée, de Rameau. Esta producción de la Ópera de París se estrenó en 1999 y se grabó en 2002. Encabeza el reparto Paul Agnew, interpretando a Platée, la ninfa acuática que aspira a casarse con Jupiter. Le acompañan en el reparto Valerie Gabail, Mireille Delunsch,  Yann Beuron, Vincent Le Texier, Doris Lamprecht,  Laurent Naouri, Franck Leguérinel, dirigidos por Marc Minkowski, con Les Musiciens du Louvre.

El hilarante montaje de Laurent Pelly saca todo el partido a una obra con la que Rameau pretendió (y consiguió) burlarse de las convenciones de la ópera seria que triunfaba en su época en los escenarios de París. Una obra larga, que se pasa en un soplo entre risas y buenos ratos.

Die nibelungen, 1ª parte: 'La muerte de Sigfrido'

 

Die Nibelungen, en 2 partes, presenta Juan Lucas: Tanto gustó la peli a los nazis que Goebbels llamó a Fritz Lang para nombrarle director de la cinematografía alemana. Él hizo las maletas y aquellal noche se largó a París, donde lo persiguieron, así que se largó a L.A.

 

La muerte de Sigfrido es la primera parte de Die nibelungen, de Fritz Lang, película rodada en 1924. El cineasta adaptó, junto con su esposa Thea von Harbou, una serie de leyendas alemanas sobre los nibelungos, y lo hizo a una escala tan colosal que se hizo necesario la división de la obra en dos jornadas.

Espadas mágicas, amuletos, dragones, enanos...mucho antes de que la fantasía heroica fuera un género literario y cinematográfico, Lang rodó esta obra maestra del cine épico, un paréntesis en su producción de tintes expresionistas.

La música de Die nibelungen fue escrita por Gottfried Huppertz, en su primera incursión como músico de cine. Colaborador habitual de Lang, escribió para este también la banda sonora de Metropolis, su música más conocida.

 

 

Die Nibelungen 2ª parte:

En La venganza de Krimilda, Lang cuenta el matrimonio de Krimilda con Atila el Rey de los Hunos, y sus manejos para vengar la muerte de Sigfrido.

Tanto esta jornada, como la precedente, que se estrenaron en Berlín en febrero y abril de 1924, fueron recortadas hasta reducir su duración en más  de dos horas. Han sido restauradas por la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung y les ha devuelto todo su metraje, incorporado la banda sonora original compuesta por Gottfried Huppertz, reconstruida por Bernd Heller.

   

Raíces palentinas del libertador San Martín

En el corazón de la Tierra de Campos castellana se sitúan los orígenes familiares del héroe argentino el General José de San Martín, que tiene estatua en el parque del Oeste. En la pequeña localidad de Cervatos de la Cueza, en la provincia de Palencia, se conservan unas casas que la tradición identifica como las de su familia y donde, tras su adquisición por el Instituto Español Sanmartiniano y una posterior restauración, se habilitaron como casa-museo. La República Argentina costeó la nueva iglesia de la localidad y su embajador, acompañado de otras autoridades, inauguró en su día sendos monumentos a los padres del Libertador.

 

(en la imagen, San Martín por el burgalés Vela Zanetti)

La exposición pretende ubicar en el contexto de la Tierra de Campos y del antiguo Virreinato de la Plata los orígenes del General San Martín, para después mostrar su biografía así como una selección de fotografías con la iconografía del General. En este apartado se muestra un retrato del Héroe, obra original del pintor burgalés José Vela Zanetti (1913-1999) y la maqueta del monumento al padre del General, Capitán Juan de San Martín, obra del escultor Agustín de la Herrán, levantada en su localidad natal de Cervatos de la Cueza. Se completa con unas imágenes de algunos de los principales monumento levantados en su honor.

Finalmente la exposición también quiere mostrar el rico patrimonio cultural y paisajístico del solar de los San Martín, la Tierra de Campos palentina, cuna de alguno de los más insignes escultores del Renacimiento castellano y donde, junto a la sobriedad de su paisaje, alabado por tantos literatos, se yerguen impresionantes templos que son auténticos museos llenos de obras de arte admirables.

Del 30 de mayo al 31 de julio de 2017 en la galería Guayasamín de casa de américa.

Regreso a Montauk: desgarradora sin vuelta atrás, bellísima

Regreso a Montauk: ¿Tal vez ella hubiera querido tener un hijo y no se atrevió a quedarse embarazada por miedo a interferir en la carrera fulminante de él y mientras tanto o acto seguido él tenía una hija con otra? En ese caso, eso se convierte en una espina irreconciliable, como ocurre en Un tango más. Ambos comparten la pasión por un arte, pero el uno no se conforma y mete un gol en cuanto el otro se descuida y baja la guardia. En la foto, ella acaba de enterarse de que él tuvo una hija con una estudiante. una hija a la que quiere y a la que ve a menudo "naturalmente". Ella está igual de sola que cuando estaban juntos.

Sinopsis: El escritor Max Zorn regresa a Nueva York para la promoción de su última novela, donde le espera su joven esposa Clara, quien lleva meses trabajando allí. El libro cuenta una historia de amor que ocurrió en esta misma ciudad hace 17 años. Max vuelve a ver a Rebecca, la mujer de la que se enamoró entonces. Ella, reticente al principio, le invitará a acompañarla a Montauk, al final de Long Island, donde vivieron su romance: un lugar donde solo quedan el mítico faro, el cielo y una playa interminable.

En REGRESO A MONTAUK, Schlöndorff adapta de manera muy libre la novela Montauk, de su amigo el fallecido escritor Max Frisch, en un guion en el que ha colaborado otro excelente narrador, Colm Tóibín, para conformar un drama sentimental sobre el amor y las oportunidades perdidas.

REGRESO A MONTAUK es la primera película contemporánea de Schlöndorff en mucho tiempo, licencia que le permite al realizador adaptar con exquisita inteligencia y sensibilidad parte de su historia personal. Al fin y al cabo, todos los hombres y mujeres se plantean en algún momento de su vida saber si están con la persona idónea o si dejaron pasar un gran amor en el pasado.

Volker Schlöndorff es una de las figura clave del nuevo cine alemán, deudora de la Nouvelle Vague francesa (él mismo empezó como ayudante de Alain Resnais o Louis Malle). Con su primera película, El joven Törless, ya ganó el premio Fipresci del Festival de Cannes y con El tambor de hojalata recibió la Palma de Oro de Cannes y el Premio Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa. Lector empedernido, muchas de sus películas se basan en famosas novelas y obras de teatro: El honor perdido de Katharina Blum, Un amor de Swann, Muerte de un viajante, Diplomacia…

  

 

 

Kedi (gatos de Estambul), el 21 de julio

Cientos de miles de gatos vagan libremente por la frenética ciudad de Estambul. Durante millones de años han deambulado formando parte de las vidas de la gente, pasando a convertirse en una parte esencial de las comunidades que conforman la ciudad. Sin dueño, estos animales viven entre dos mundos, ni salvajes ni domésticos - y llenan de alegría a los que deciden adoptar. En Estambul, los gatos funcionan como reflejo de las gentes, permitiéndoles reflexionar sobre sus vidas de una forma única.

Premios Madrid Excelente "a la confianza de las empresas"

Premios Madrid Excelente "a la confianza de las empresas" de la Comunidad de Madrid

Foto de la consejera Engracia Hidalgo que descargo de su Face. Lo hago porque me salvó la vida con el abrazo que me atizó, estaban a punto de echarme a la soleada rue desde la azotea del Club Financiero Génova y ella fue y dijo: "- ¿Tú quién eres? Mira, una artista".

La Comunidad de Madrid ha otorgado hoy los Premios Madrid Excelente a la Confianza de los Clientes a siete empresas que destacan por su "excelencia" y por la credibilidad que depositan en ellas sus clientes. La encargada de otorgar los galardones ha sido la consejera de Economía, Empleo y Hacienda de la Comunidad de Madrid, Engracia Hidalgo, que ha explicado que el objetivo de los Premios Madrid Excelente es "reconocer e impulsar a las compañías madrileñas para beneficiar a la sociedad en su conjunto".

Además, la directora de Madrid Excelente, Irene Navarro, ha destacado que otra de las intenciones es "hacer de la excelencia un factor común en la Comunidad de Madrid".

El galardón en la categoría de Grandes grupos empresariales ha sido para la empresa de soluciones de experiencia de cliente Atento; mientras que en la categoría de Gran Empresa, se ha reconocido a la asegurado Santalucía y a la institución educativa Colegios Gredos San Diego.

Por su parte, en la sección de Pymes se ha premiado al Colegio Santa María de la Hispanidad y al Restaurante La Máquina, mientras que en la categoría de Micropyme el galardón ha sido para el fabricante de sistemas de control de acceso, control de presencia laboral y seguridad Tecisa 74.

Umivale, mutua que colabora con la Seguridad Social, ha completado el plantel de los premiados, con el reconocimiento en la sección relativa a Organizaciones sin Ánimo de Lucro.

Para la elección de los premiados se han tenido en cuenta criterios de liderazgo y coherencia, orientación al cliente y confianza otorgada en las fases de preventa, venta del producto y prestación de servicio, así como de garantía y soporte, según ha señalado la organización.

En representación de todos los premiados, el presidente de Gredos San Diego, Carlos Pedro De la Higuera, ha señalado que "sienten una profunda satisfacción" por los reconocimientos.

 

Aquí fue donde conocí a Vanesa Santos que creo que me salvó de ser lanzada a los ínferos exteriores como otros a los que no volví a ver y que sí había sido admitidos al discurso. O sea, todo un poema con dos las fieras del Club Financiero Génova totalmente mosqueadas y no es de extrañar, dado que ha habido, en anteriores celebraciones, quien se ha colado en el office y, sin pasar por el evento, ha hecho de las suyas zampando, lo cual es inaudito pero cierto. No me extraña nada que estén rabiosas y con orden clara de no dejar pasar a nadie que no estuviera en la lista de la azafata. Pero yo le caí bien a Vanesa por alguna razón y se puso d eme lado a protegerme. Eso y el abrazo que me dio la propia Engracia Hidalgo, "una artista, una artista".

Luego había dos señoras que se parecían a Engracia sobre todo una y no hacía más que reír y reír viéndome comer morcilla, quién diría que había ido merendada y que por ese particular, me daba igual que me admitieran que no.

Almagro 2017: José Sacristán, premio Corral de comedias (nota de Cultproject)

José Sacristán recibe el XVII Premio Corral de Comedias

Almagro, 6 de julio de 2017 “No voy a olvidar jamás este reconocimiento. A mis 80 años es un antes y un después tan gozoso, tan formidable, como el hecho de que voy a poder seguir jugando”. Con estas palabras ha recibido José Sacristán el XVII Premio Corral de Comedias del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebra desde hoy hasta el 30 de julio en la localidad manchega. La lluvia ha hecho que la entrega de este galardón haya tenido lugar en el Teatro Municipal de Almagro, donde se ha reconocido “la calidad humana y actoral de José Sacristán, su dedicación y su vocación aún intactas que han hecho que su carrera sea excepcional dentro y fuera de nuestras fronteras”. En esta noche, el actor ha estado acompañado por sus amigos y compañeros de profesión, cuyas intervenciones se alternaron con mensajes grabados. Natalia Menéndez, directora del Festival, justificó la concesión de este reconocimiento en que “en Sacristán se da la conjunción más bella del ayer y del hoy; es una brújula que conserva aún al niño de Chinchón lleno de un amor y ternura que me quiebra”. Tras ofrecerse como su fiel escudero “si Sacristán cabalgase”, el dramaturgo José Ramón Fernández rememoró la experiencia con él durante la puesta en escena de su versión de El Quijote: “Con él aprendí todo lo que debe saber un caballero andante de los de verdad: humildad, franqueza y empatía”. Juan Carlos Rubio tomó la palabra para recordar que “cuando uno llega a algún lugar, José Sacristán ya está allí; también literalmente”. Tras el guionista, director y dramaturgo subió al escenario el músico de Revólver Carlos Goñi, quien interpretó el tema que le dedicó a Sacristán en su último disco. De él destacó que “fue el primer hombre que vi en una pantalla de cine que podía darme pistas de cómo podíamos ser los demás”. A continuación, el filósofo Javier Gomá agradeció “su maravillosa redundancia en su oficio que lleva a cabo desde la juventud que hoy conserva”. Estuvieron presentes en el acto el Alcalde de Almagro Daniel Reina, el Presidente de la Diputación José Manuel Caballero, el Consejero de Educación, Cultura y Deportes Ángel Felpeto y el Secretario de Estado de Educación, Cultura y Deportes Fernando Benzo, quien antes de entregar el galardón resaltó que “España ha crecido como sociedad al mismo tiempo que Sacristán como actor”. José Sacristán ha reiterado que la interpretación le ha permitido prolongar los juegos que inició durante su infancia con un sombrero que encontró en su casa de Chinchón: “No hay apuesta más interesante que este salto al vacío del encuentro con un personaje, una peripecia en la que ha encontrado mi razón de ser”. BIOGRAFÍA José Sacristán es actor español de cine, teatro y televisión, cuya vocación teatral se despertó temprano, primero en el teatro independiente hasta su debut como profesional en 1960 en la compañía del llamado Teatro Popular Español. Durante esa misma década, también subió al escenario del Teatro de la Zarzuela, donde interpretó y cantó papeles de galán cómico. En 1964 el director y productor Pedro Masó lo dio su primer papel en la película La familia y uno más. Tras esta vendrían más de una cincuentena de comedias que no han impedido que José Sacristán se revelara también como un excelente actor dramático en trabajos cinematográficos como Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea; La colmena, de Mario Camus; o El pájaro de la felicidad, de Pilar Miró. Con más de un centenar de películas a sus espaldas, ha destacado además como director en Soldados de plomo (1983) o en Cara de acelga (1987), donde fue responsable también del guion junto a Carlos Pérez Merino. Sacristán siempre ha estado estrechamente vinculado al teatro y su éxito le ha acompañado en numerosos montajes: El avaro (1971), dirigido por José Tamayo; Doña Francisquita (1972), dirigido por José Tamayo; Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1980- 1982), dirigido por Adolfo Marsillach; La gallarda (1992), dirigido por Miguel Narros; El hombre de La Mancha (1997-1999), dirigido por Gustavo Tambascio; La muerte de un viajante (2000-2001), dirigido por Juan Carlos Pérez de la Fuente; Danza macabra (2004), dirigido por Mercedes Lezcano; Yo soy Don Quijote de la Mancha (2012), dirigido por Luis Bermejo; Duelo de plumas: Góngora-Quevedo (2014), dirigido por José Luis Gómez; El loco de los balcones (2014), dirigido por Gustavo Tambascio y escrito por Mario Vargas Llosa; Muñeca de porcelana (2016), dirigido por Juan Carlos Rubio. En la década de los noventa retomó su faceta de cantante con El hombre de la Mancha o My Fair Lady. Entre la multitud de premios que ha recibido a lo largo de su carrera merece destacar La Concha de Plata al mejor actor por El muerto y ser feliz en 2012 y Por un hombre llamado Flor de otoño en 1978; Premio Goya a la mejor interpretación por El muerto y ser feliz en 2012, Premio Cóndor de plata de Honor, en Argentina; Premio Feroz mejor actor de reparto y A toda una carrera, Premio José María Forqué A la mejor interpretación masculina en 2012 por Madrid, 1987, Premio Fotogramas de Plata 2012 a mejor actor de teatro por Yo soy Don Quijote de La Mancha y un largo etc. Nota de prensa en formato PDF Fotografías Premio Corral de Comedias Vídeo Premio Corral de Comedias

Cita a ciegas con la vida, 7 de julio. Comedia con drama.

Muy buena, divertida y con un punto de drama que se edulcora como se puede igual que en la vida misma. A veces hay que mentir para poder soñar aunque luego se impone la verdad y hay que rebajar los sueños un poquito. Por otra parte, el interior de los grandes hoteles es algo que también es para soñar a cualquier pobre. la imagen del cartel hace pensar en otra cosa, un trío, pero es una película llena de fundamento y alas para volar.

Tom of Finland, deslumbrante, "pintar como religión" el viernes 7 en cines. Sé por fin quién es Kake

El sufrimiento de un artista, y más si es diferente en un país sin fisuras y más si es oficial aunque licenciado. Una deshonra en toda Europa post bélica y que sólo saliendo hacia California consigue realizarse libre y protegido por la comunidad gay. P divinas en h con cueros y tetas celestiales. Por fin sé quién es KaKe, KAKE, el que decora los contenedores de basura, las paredes del centro, sus lienzos y piedras. KAKE es el héroe de un cómic pintado por Touko Laakdonen. así se muestra en la película TOM OF FINLAND (pseudónimo deTouko Laakdonen), dirigida por el premiado cineasta finlandés Dome Karukoski (El gruñón, Fruto prohibido, La casa de las mariposas negras).

Ganadora del Premio Fipresci en el  Göteborg Film Festival, TOM OF FINLAND nos cuenta la hermosa y conmovedora historia del artista finlandés Touko Laaksonen. Sus ilustraciones de hombres homosexuales musculosos, libres y desinhibidos dieron la vuelta al mundo y lo convirtieron en un icono de la revolución gay que de Finlandia pasa a los EEUU asentándose su culto en California. 
Muy bien interpretada, muestra el calvario de este superviviente de la Guerra (donde parece que todos sobrevivían a base de devorarse unos a otros en los bosques) y los clubes secretos de hombres en los sitios más inverosímiles (la casa de un matrimonio cuya mujer consentida que el hombre, un capitán, se diera el gusto de seguir su vocación pro los hombres). 
Para el artista Touko (Tom), pintar pollas, las pollas eran su religión y así se lo dice al rabino dueño de la imprenta que se escandaliza de que hayan acudido a él cuando él sólo imprime temas religiosos: "Para mí es una religión".
Muy divertida pro los ambientes que retrata, pasa de lo trágico a lo desenfadado y fiestero.
No queda muy bien la hermana del artista, papel ancilar de sombra protectora a colega engañada que se revela cortita. Creo que es injusto.

Estados unidos del amor, el viernes 7, buenísima. Muy realista con toques mágicos

4 mujeres sin piedad. EEUU del amor, ¿por qué unidos? ¿Por qué del amor? Unidos en la película desfilando en hilera uno tras otro, del amor porque sí, porque cada cual ama a su manera y saca fuerzas para resistir con lo  que puede. Aunque no sea precisamente el objeto de su amor.

Es una película coral y apasionante de ver. Una tras otra las 4 mujeres modernas van mostrando su drama. Ellas van siempre por delante, los hombres juegan un papel secundario y anfibio, aunque, como en el caso de la maestra y el médico, sean ellos los que abandonen y marquen. Es quizás el personaje más interesante porque saca todo su potencial, toda su mala leche ante la frustración. La casada enamorada del cura no es menos trágica, pero siempre tiene la retaguardia cubierta con el marido (nunca mejor dicho "la retaguardia" cubierta), La maestra mayor es ejemplar por su inclinación lésbica casi avant la letra por una gimnasta aspirante a modelo. Aquí la falta de implicación del fotógrafo que retrata a la joven tb es ejemplar de por dónde van los hombres, no se les puede pedir más, no se les puede pedir nada.
Los niños de la escuela ponen cordura en el mundo de los adultos, tanto con sus preguntas (el niño en la primera escena al cura profe de religión) como al hija del médico que demuestra a la directora que no está dispuesta a dejarse chantajear.
Todo es modélico y a la vez único.



Año 1990. Polonia acaba de abrirse al capitalismo. Entre la novedad de las cintas de VHS, las clases de aerobic y los discos de Whitney Houston, cuatro mujeres intentan lidiar con la represión sexual y los amores insatisfechos. Agata, atrapada en un matrimonio infeliz, se siente atraída hacia un cura. Renata, ya en su madurez, siente fascinación por su vecina Marzena, que quiere ser modelo. La hermana de Marzena dirige un colegio y tiene un affaire con el padre de uno de sus alumnos.