La Fábrica, Retratos de Helmut Newton (soberbia Liz Taylor)

LA FÁBRICA EDITA EN ESPAÑOL "RETRATOS", DE HELMUT NEWTON

Elizabeth Taylor, Andy Warhol, Salvador Dalí, Catherine Deneuve, Sophia Loren, Charlotte Rampling, Carolina de Mónaco, Karl Lagerfeld o Billy Wilder, son algunas de las personalidades que Newton retrató a lo largo de su carrera El libro cuenta con casi 200 retratos en blanco y negro y color, realizados por Newton entre los años 30 y 80 del siglo XX Precede a las imágenes una charla entre Helmut Newton y la escritora y comisaria Carol Squiers en la que el fotógrafo recorre los principales hitos de su carrera artística 246 páginas | Español | 29 x 23 cm PVP 48 € | ISBN 978-84-17048-32-7 Descarga imágenes Retratos  Helmut Newton (Berlín, 1920 – Los Ángeles, 2004) consideraba que su principal trabajo como fotógrafo de retratos era “seducir, divertir y entretener”. Con una prolífica carrera que comenzó con apenas 16 años, en su Berlín natal, Helmut Newton es uno de los autores de referencia de la fotografía contemporánea y revolucionario de la fotografía de moda desde mediados de la década de 1970 en adelante, con un estilo que retorcía y alteraba los límites de la representación de la mujer. La Fábrica publica, por primera vez en español, Retratos, de Helmut Newton, un completo volumen con más de 200 imágenes en blanco y negro y color, tomadas entre 1934 y 1986, que incluyen auto retratos, retratos de su mujer, June, y una selección de algunos de los retratos más icónicos del fotógrafo alemán. El libro comienza con una conversación entre Newton y la escritora y comisaria Carol Squiers en la que el fotógrafo desvela algunas de las claves que inspiraban su creación artística. En esta entrevista Newton habla de algunos de los temas que más le han interesado en su carrera fotográfica, como la prostitución o la pornografía; de sus series más polémicas, entre ellas, la de las mujeres vestidas con corsé ortopédico; de su aproximación a la fotografía de moda, el desnudo y el retrato – los tres pilares que marcaron su carrera - y de sus trabajos para Vogue, Vanity Fair o Jardin des Modes. Las imágenes de Retratos, se inauguran con una “sección personal”, como el propio Newton define en la entrevista con Carol Squiers. A esta sección pertenecen una serie de auto retratos en blanco y negro de diferentes épocas. Desde imágenes de juventud en Berlín en el estudio de Yva, importante fotógrafo de moda de la época con el que Newton se formó, a imágenes de la década de los 80. Esta sección contiene también varias imágenes de su mujer June, incluida la primera imagen que tomó de ella. Este álbum personal se completa con cuatro retratos de Newton con diferentes médicos que le atendieron en diferentes momentos de su vida y que luego se convirtieron en sus amigos. Como el mismo confiesa en la entrevista: “Amo a los médicos. Soy un hipocondriaco y en el momento en que siento que hay algo que no va bien, corro a ver a un médico, como si se tratara de un coche, quiero que me pongan a punto lo antes posible para poder continuar con mi vida”. A continuación el libro recoge 168 retratos, en color y blanco y negro, realizados por Newton en las décadas de 1970 y 1980. Imágenes icónicas de personajes como Elizabeth Taylor, Andy Warhol, Salvador Dalí, Catherine Deneuve, Sophia Loren, Charlotte Rampling, Carolina de Mónaco, Karl Lagerfeld, Billy Wilder, Paloma Picasso, Jack Nicholson, Jacqueline Bisset, John y Anjelica Huston o Sigourney Weaver, entre otros. En la entrevista a Squiers, Newton confiesa que “se siente fascinado por ver cómo son las las celebrities”. Para él “todo es un retrato”. En sus imágenes lo realmente importante es el entorno que rodea a la persona que fotografía, la forma en que se comporta. Newton plantea en sus retratos cierta “puesta en escena” que permita al retratado jugar un papel, convertirse en alguien diferente de la persona que es en su día a día. Newton comenzó a realizar desnudos en 1980 y muy poco antes comenzó con los retratos, ya que, hasta ese momento, sus principales encargos eran de fotografías de moda y comerciales. Creador del “porno chic”, Newton siempre estuvo más interesado en fotografiar a mujeres que a los hombres, ya que, según él: “fotografiar a hombres es siempre mucho más sencillo”. Su aproximación al retrato supuso una auténtica revolución y un reto para todo aquel que se ponía frente a su cámara. Como señala Carol Squiers: “Como todo retratista hábil, Newton se convertía en parte esencial de su ecuación expresiva y además poseía una enorme ventaja ya que era capaz de inducir a los sujetos para que fantaseasen y se imaginasen a si mismo desde la mirada de Newton”

Olvídate de Nick, el 29 de diciembre: "Pavenno matao"

Nick es el protagonista secreto me de la cinta; apenas se le ve,  pero está presente y cuando aparece, la idiotez de las dos mujeres queda patente. Sólo sentimientos primitivos, lo m ás primitivos imaginarios, pueden explicar que las dos estén hundidas, cada una a su manera, `por él. Como decía Dickens, "las familias desgraciadas lo son cada una a su manera", y si no la tienen, se la buscan añadiría yo. Interpretadas por la actriz alemana Katja Riemann (El mundo abandonado, Rosenstrasse) y la noruega Ingrid Bolso Berdal (Atrapados en Chernóbil, Hércules), las dos protagonistas no paran de discutir al más divertido estilo “Woody Allen” y aunque su modo de vida está en total oposición, en el fondo no son tan diferentes.  Conocida por realizar retratos de mujeres (Hannah Arendt, Vision- La historia de Hildegard von Bingen) von Trotta nos acerca en esta ocasión la divertida historia de dos mujeres totalmente diferentes, que no tienen más remedio que convivir en un extraordinario piso que les pertenece a ambas, pero que cada una quiere hacer únicamente suyo. Ninguna de las dos ha nacido en Estados Unidos, pero las dos son neoyorquinas… y a las dos las ha dejado Nick; a una hace diez años, a la otra al principio de la película.

Dos mujeres muy diferentes choca en un ático de Nueva York: la modelo se enfrenta a la intelectual; el lujo a la comodidad; la profesional a la madre divorciada. Lo único que Jade y Maria tienen en común es el mismo marido infiel, Nick, un Casanova entrado en años que acaba de dejar a su segunda esposa por otra modelo mucho más joven. Las dos ex esposas son propietarias de un lujoso piso. Lo que empieza con un intercambio verbal bastante hostil las lleva a entender que, a pesar de sus enormes diferencias, quizá no sean tan diferentes.

El cantor de México, en Lausana

EL TEATRO DE LA ZARZUELA TRASLADA LA MÁGICA FIESTA DE 'EL CANTOR DE MÉXICO' A LAUSANNE                                 Del 22 al 31 de diciembre el público suizo podrá disfrutar de 6 funciones de la producción que abrió la temporada de Madrid con un clamoroso éxito El Teatro de la Zarzuela traslada la mágica fiesta de ‘El cantor de México’ a la Ópera de Lausanne.         El montaje, como en las funciones de Madrid, estarán protagonizadas por los españoles Rossy de Palma y José Luis Sola ·         Emilio Sagi presenta una divertida y sorprendente visión de la obra, y el maestro Cyril Diederich se encargará de que la Sinfonietta de Lausanne sea en la misma función una formación sinfónica, una banda de jazz, un grupo de mariachis o una agrupación de bolero El montaje, coproducido por el Teatro de la Zarzuela y la Opera de Lausanne, recrea la estética kitsch

Madrid, 20 de diciembre de 2017.- El Teatro de la Zarzuela tiene estos días una cita muy especial en Suiza. Después del éxito clamoroso y unánime que supuso la apertura de temporada con ‘El cantor de México’ del compositor francés, de origen hispanoamericano y ascendentes vascos, Francis Lopez, ahora traslada aquella mágica fiesta Kitsch a la Ópera de Lausanne, con la que coproduce el montaje. ‘Le chanteur de Mexico’, que en esta ocasión se presenta en francés, y que, como en Madrid, también estará protagonizada por los españoles Rossy de Palma y José Luis Sola, se estrenará en esa ciudad el próximo viernes, 22 de diciembre, y estará en cartel hasta el día 31 con seis funciones.

The Squuare, the best

THE SQUARE, en la carrera por los Oscar Además arrasó en los EFA y está nominada al Goya

Ruben Östlund, director de The Square, durante la gala de los Premios de Cine Europeo   The Square es una de las nueve películas seleccionadas entre las 92 candidaturas que aspiraban al Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa. El listado definitivo de cinco nominadas se dará a conocer el próximo 23 de enero. Igualmente ha sido nominada por la Academia española en la categoría de Mejor Película Europea. La semana pasada, la película de Ruben Östlund se convertía en la gran triunfadora de los European Film Awards, recibiendo galardón por todas las nominaciones a las que optaba: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Actor para Claes Bang, Mejor Comedia y Mejor Diseño de Producción. Un resultado abrumador. Además, desde su premiere mundial en el Festival de Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro, la película de Ruben Östlund no ha parado de recibir reconocimientos, entre los que destacan los Premios de la crítica de Boston, Toronto, Chicago y Dallas a Mejor Película de Habla no Inglesa. The Square continúa en cartelera en 25 cines de toda España, con 5 nuevas copias desde hoy viernes. Consultar salas.

El extranjero, 12 de enero, buen'isima

Unos mamporros muy bien dados pero que muy bien dados, que sientan las bases definitivas para una pol'itica sobre el terrorismo, concretamente sobre el IRA.

EL EXTRANJERO
Dirigida por Martin Campbell. Estreno el 12 de enero

Sinopsis: Quan (Jackie Chan), un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del Viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.

Protagonizada por Jackie Chan, Pierce Brosnan, Katie Leung.

“GOYA Y BUÑUEL. LOS SUEÑOS DE LA RAZÓN”, en el L'azaro galdiano

“GOYA Y BUÑUEL. LOS SUEÑOS DE LA RAZÓN”,

UN HOMENAJE A DOS GRANDES DE LA CULTURA

·       El Gobierno de Aragón y Fundación Ibercaja han organizado conjuntamente la exposición, que se inaugura hoy en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid donde permanecerá hasta el 4 de marzo

·       La muestra reúne una cuidada selección de obras originales de ambos creadores aragoneses, que alcanzaron cotas excepcionales de creatividad en sus respectivas producciones pictóricas y cinematográficas

MADRID.- El Gobierno de Aragón y Fundación Ibercaja, en colaboración con Fundación Goya en Aragón y Centro Buñuel Calanda, han organizado la exposición “Goya y Buñuel. Los sueños de la razón”, que se inaugura hoy en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid donde permanecerá hasta el 4 de marzo de 2018. La muestra, comisariada por Amparo Martínez y José Ignacio Calvo, pone de manifiesto el enorme potencial creador de los dos aragoneses y analiza el espíritu crítico y curioso que les permitió explorar las posibilidades del arte para cuestionar la realidad de sus propios contextos históricos.

En la muestra se establecen convergencias entre los dos genios: aragoneses, sordos y afrancesados. Ambos compartieron un audaz interés por la naturaleza humana, ambos fueron creadores magistrales de atmósferas innovadoras y tenaces luchadores a la hora de encontrar los medios de expresión con los que identificarse y ambos viajaron no solo al interior de sus mentes sino también al exterior geográfico.

Sin embargo, las diferentes mentalidades, épocas, culturas y motores creativos que sitúan a Francisco de Goya y a Luis Buñuel en posiciones muy distantes. Goya, hijo de las postrimerías del Antiguo Régimen y ávido observador del mundo que le rodeaba, desarrolló en su madurez un espíritu crítico y una visión subjetiva de ese mundo, lo que lo sitúa en los cimientos del pensamiento moderno. Buñuel forjó su personalidad intelectual en el clima de libertad y vitalismo de la época de las vanguardias históricas, para adentrarse igualmente en posturas críticas y de fuerte componente subjetivo. Los dos asumieron el reto de mirar con valentía a su interior. 

La exposición no pretende emparejarlos bajo el supuesto de que ambos persiguieran objetivos comunes, pero sí resulta factible confrontarlos a través de categorías de nivel más abstracto, como se puede observar en las diferentes secciones en las que se ha estructurado la muestra: el afán de explorar el mundo y aprender de él, el sentimiento de incomodidad ante lo defectuoso, la libertad creativa y su derivación hacia la subversión y, finalmente, la mirada desinhibida hacia el interior. A ello se añade un

cierto número de evocaciones o citas concretas que Buñuel quiso hacer de Goya, que quedan más en el terreno de lo anecdótico que de la influencia efectiva.

La muestra se compone de pinturas y grabados de Goya, fotogramas y secuencias en pantalla de películas de Buñuel, documentos y libros que proceden de colecciones públicas y privadas como Museo de Zaragoza, Museo Goya-Colección Ibercaja-Museo Camón Aznar, Museo del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Lázaro Galdiano o Filmoteca Española entre otros. Todo ello apoyado con textos y rotulaciones que vertebran los contenidos de acuerdo a los propósitos de la muestra. Acompañando la exposición se presentará, además, la edición de una publicación con ensayos de destacados especialistas en la obra de Goya y Buñuel.

“Goya y Buñuel. Los sueños de la razón” es un gran proyecto expositivo con un programa de itinerancias que comenzará en Zaragoza y está previsto continuar en ciudades de Estados Unidos y Sudamérica. Todo ello con el objetivo de dar a conocer el universo de dos grandes creadores cuyo influjo fue más allá de nuestras fronteras.

Goya y Buñuel. Los sueños de la razón

Amparo Martínez Herranz y José Ignacio Calvo Ruata, comisarios de la exposición, explican  que  tanto Goya como Buñuel coincidieron en subrayar a través de sus obras las extraordinarias posibilidades que esconde la imaginación humana ejercida en libertad. Esta es la premisa de la que parte la exposición Goya-Buñuel. Los sueños de la razón, en la que, siendo conscientes de la distancia que los separa, debe reconocerse que compartieron principios creativos y posiciones vitales comunes.

Los comisarios destacan que uno de los grandes méritos de Goya es hablar de la condición humana desde una dimensión intemporal. Explora su naturaleza y la muestra desnuda, bien mediante imágenes verosímiles o bien a través de aparentes desvaríos fantásticos. No le interesan los sistemas abstractos de pensamiento o las ideologías que supuestamente harán al hombre más feliz, sino las personas en sí mismas, con toda su imperfecta naturaleza. Su obra en el fondo es un clamor por la dignidad humana. Cuestiona todo un sistema tradicional de valores, el del Antiguo Régimen, y aun el de la Ilustración que apreciaba al individuo pero subordinándolo a un orden preestablecido. Comprende que las cosas sólo pueden conocerse a través de la subjetividad, y aspira, en consecuencia, a presentar el mundo como lo ve, no como se supone que objetivamente es.

Sobre Buñuel, educado en el periodo de entreguerras y al calor de las vanguardias, subrayan que encontró en el cine el medio con el que expresarse como artista, el soporte que le permitía asomarse al interior del individuo y explorar sus luces y sus sombras. Hizo de las películas poemas visuales en los que habló de las pulsiones del instinto y del deseo como fuerzas liberadoras capaces de poner en cuestión el orden establecido, político, eclesial o social. Consiguió, gracias a su punzante espíritu crítico, acompañado frecuentemente de gestos de ironía, evitar ser complaciente y al mismo tiempo obligar al espectador a reflexionar sacándolo de sus espacios de confort.

Según Martínez Herranz y Calvo Ruata, Goya y Buñuel indagaron con valentía en el interior del ser humano sabiendo que lo que iban a encontrar no era siempre gratificante. En sus trayectorias es posible identificar posicionamientos comunes: fueron artistas curiosos, interesados por aprender y renovarse constantemente; compartieron una actitud crítica, frecuentemente incómoda; fueron grandes amantes de la libertad pero sabían que solo en el territorio de la imaginación podía gozarse de ella en plenitud y convertirla en un instrumento de subversión.

Rectificación sobre Cecilia Mangini

RECTIFICACIÓN PREMIO A TODA UNA CARRERA A CECILIA MANGINI Queridos amigos, rectificamos la siguiente información contenida en la nota de prensa sobre el PREMIO A LA CARRERA A CECILIA MANGINI:  El viernes 24 de noviembre se proyectará en la sede del Instituto Italiano de Cultura de Madrid el documental Non c’era nessuna signora a quel tavolo dirigido por Lorenzo Conte y Davide Barletti. Un conmovedor retrato de la documentalista, fotógrafa e intelectual Cecilia Mangini, que a través de sus películas nos ha contado treinta años de la historia de Italia. Os agradeceríamos si pudierais rectificar esta información en las noticias publicadas en vuestros medios. Muchas gracias -------------------------------------------------------------------------------------------------------- Hoy, jueves 23 de noviembre, se inaugurará la 10ª edición del Festival de Cine Italiano de Madrid con una de las figuras más significativas de la historia del cine italiano, la cineasta, documentalista y fotógrafa Cecilia Mangini, que recibirá el Premio a Toda una Carrera. La Gala de inauguración tendrá lugar en el Teatro Missoni del Instituto Italiano de Cultura de Madrid a las 20:30 h. Cecilia Mangini (Mola di Bari, 1927) cineasta, documentalista y fotógrafa, desde los comienzos de su trabajo, ha tenido una mirada comprometida, atenta y personal sobre el individuo y la sociedad, dedicando una atención especial a los temas de la marginalidad, del trabajo, de la inmigración y de las injusticias sociales. Es autora de obras maestras como Ignoti alla Città, Stendalì y La canta delle marane, realizadas en colaboración con Pier Paolo Pasolini. Ha narrado desde finales de los años cincuenta hasta la mitad de los sesenta una Italia dividida entre el boom económico y las contradicciones sociales. Primera mujer a rodar documentales en la posguerra, autora de algunos largometrajes y de más de cuarenta cortometrajes, por la mayoría realizados junto con su marido Lino Del Fra, ha sabido evidenciar la transición de Italia (que se alejaba, lentamente, también del fascismo) hacia una organización industrial. Con su cámara a menudo ha dirigido la mirada al Sur, a la Puglia y al Salento, para buscar los rituales de una cultura antigua que iba desapareciendo arrollada por las rápidas transformaciones que imponía el boom económico. En 2009 Cecilia Mangini ha recibido en Florencia la Medalla del Presidente de la República Italiana por haber transmitido a las generaciones futuras, a través de su actividad de cineasta documentalista,  algunas de las más bellas imágenes de la Italia de los años ’50 y ’60.   Si se le pregunta qué hace, contesta “soy una documentalista”, porque siempre se permanece una documentalista aunque se deja de rodar documentales y porque “el documental es la manera más libre de hacer cine”.  FILMOGRAFÍA Ignoti alla città (1958) La canta delle Marane (1960) Stendalì - Suonano ancora (1960) All'armi, siam fascisti! (1962) La statua di Stalin (1963) Essere donne (1965) Brindisi '66 (1966) Domani vincerò (1969) La briglia sul collo (1974) Firenze di Pratolini (2007) In viaggio con Cecilia (2013) Para más información, temas de prensa y solicitud de ENTREVISTAS con CECILIA MANGINI durante la jornada del 24 de noviembre, podéis poneros en contacto con Stefania Piras en el correo info@festivaldecineitalianodemadrid.com o en el teléfono 658952300. El 10º Festival de Cine Italiano de Madrid está organizado por el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, con el patrocinio de ENDESA y la colaboración de ILLY.

Nostromo: El sueño imposible de David Lean

Georges Corraface. Tengo una foto con este tío que era un icono de joven y ahora es simplemente bello.

 

Nostromo: El sueño imposible de David Lean

con la asistencia de uno de los protagonistas, el actor francés

Georges Corraface, y del director Pedro González Bermúdez

 

Miércoles, 29 de noviembre. Cines Palacio de la Prensa (Madrid)

 

10:00h Proyección de Nostromo: el sueño imposible de David Lean

11:30h Rueda de prensa y entrevistas con el director Pedro González Bermúdez

y el actor Georges Corraface

 

 

TCM tiene el placer de invitarte al pase de prensa del documental de producción propia Nostromo: el sueño imposible de David Lean y a la rueda de prensa posterior con el director Pedro González Bermúdez y el actor francés Georges Corraface (La pasión turca), que interviene en este trabajo. La cita es el 29 de noviembre a las 10:00h en los Cines Palacio de la Prensa (Gran Vía 46, Madrid).

 

Nostromo: el sueño imposible de David Lean se centra en la lucha del director de Doctor Zhivago y Lawrence de Arabia por llevar a la pantalla Nostromo, la novela del escritor Joseph Conrad. Un proyecto al que dedicó los últimos años de su vida, que estuvo a punto de empezar a rodar en Almería, pero que nunca pudo ver cumplido.

 

En el documental han participado, entre otros, Sandra Lean, viuda del director, el guionista Christopher Hampton y el actor Georges Corraface, al que Lean eligió para que fuera el protagonista de su película y que, durante años, estuvo esperando a que comenzara un rodaje que pudo haberle cambiado la vida. Gracias al apoyo de la David Lean Foundation, cuenta también con los diseños y dibujos originales que Lean había preparado para esta adaptación.

 

Nostromo: el sueño imposible de David Lean es una producción de TCM dirigida por Pedro González Bermúdez, director de El último adiós de Bette Davis, nominada al Goya en 2015, y ganador del Goya al mejor cortometraje en 2012 por Regreso a Viridiana.

 

El documental inaugurará el Festival TCM el jueves 30 de noviembre, se estrenará también en Cineteca de Madrid y se emitirá en el canal TCM el sábado 2 de diciembre a las 22:00h acompañado por algunos de los títulos más importantes de la filmografía de David Lean.

 

"LA ISLA DE LOS MONJES" el próximo 8 de Diciembre

Monasterio de Sion, en los Países Bajos. Isla de los monjes. Unidos por barco que se llama Monje.

Frases que quitan el hipo: Creo que para esta gente es importante saber que nosotros estamos aquí rezando".
"Para mí la idea de una mujer y unos hijos era como si estuviera muerto en vida".
"Yo era muy radical: cuando me decían échate una novia, yo decía si me echo novia es a todo o nada" ¿Cómo? "Que esa novia habría de serlo todo para mí". Y no había nadie que lo fuera todo para mí, ahora sé que ese alguien que lo es todo para mí es Dios."

La película narra el proceso de cambio de unos monjes cistercienses al tener que vender su monasterio y dejar durante un tiempo la clausura para salir al mundo en búsqueda de un nuevo lugar donde comenzar.   La Isla de los Monjes ganó el premio al mejor Documental en los Festivales Internacionales de Dakha (Bangladesh); el Religión Today (Turín) y fue nominado en la misma categoría en el Festival de París y el Nothem Film Festival de Holanda.  En los últimos años, parece haber despertado la curiosidad del público por conocer la profundidad y calma interior de los frailes y monjes de clausura. Después del éxito de casos precedentes como El Gran Silencio o De Dioses y Hombres, la directora holandesa Anne Christine Girardot no pudo contener el impulso de presentarse en el monasterio de Sión al conocer que, después de siglos, se había puesto en venta. Para gran sorpresa (tanto de los cistercienses como de la propia Anne Christine) los monjes se prestaron a dejarse entrevistar y grabar su pasado, su presente y su incierto futuro.  UNA MUJER ENTRE LOS MUROS DE UN MONASTERIO Anne Christine Girardot, se dio cuenta de la enorme oportunidad que se le presentaba por delante al trascender más allá de los muros del monasterio de Sión cuando, por tradición durante siglos, no le está permitido a una mujer el acceso al interior de clausura.   La Isla de los Monjes es el resultado de esas conversaciones sobre el por qué de convertirse en monje en el siglo XXI y encontrarse con la enorme sorpresa de conocer cómo fue el despertar de sus vocaciones, absolutamente inauditas. Girardot logra además adentrarse en su día a día al poner en venta el monasterio que durante tantos siglos les perteneció para salir, después de muchos años, al mundo actual... a buscar otro remanso de paz donde poder continuar con su vida religiosa.

Sinopsis En el monasterio de Sion, en los Países Bajos, desde hace siglos viven monjes Cistercienses.  El edificio tiene espacio para 120 monjes, pero en la actualidad sólo viven ocho. Un edificio tan inmenso y su mantenimiento les hace pensar que ha llegado el momento del cambio: es necesario mudarse, comenzar de nuevo en otro lugar y, con suerte, atraer a nuevos hombres para unirse a su comunidad.  Estos hombres de oración se enfrentaban a disturbios internos y externos, dudas y temores y a todo un mundo fuera de la clausura que desconocen (desde ir al supermercado a comprar un billete de autobús).Para poder recuperar el sentido deberán responder a las preguntas que dieron origen a su historia y vocación: ¿Qué hace que alguien decida ser monje?  ¿Por qué motivo estás tú hoy aquí? Anne Christine Girardot (1970) es una directora francesa reubicada en Holanda. En 2005 fundó junto con John Gruter, la productora Nachtzon Media (Night Sun Media) con la que han hecho numerosos trabajos para la TV pública holandesa. Anne Christine creció en Francia y estudió interpretación en Madrid y París .Pero en 1991 descubrió que su verdadera vocación era el cine y dió un vuelco a su carrera completando su formación en Bogotá (Colombia) y comenzando en sus primeros años de trabajo en Dallas (USA). BOSCO FILMS  estrenará "LA ISLA DE LOS MONJES" el próximo 8 de Diciembre

La higuera de los bastardos:

Repugnante el papel del chivato, al que además se le añaden las cualidades de sucio, rijoso, chantajista y ladrón. Pero la película resulta fallida: larga y errática.

El viernes 24 DE NOVIEMBRE, se estrena en cines de toda España la nueva película de Ana Murugarren: LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS. Una adaptación de la novela "LA HIGUERA" escrita por el Premio Nacional de Literatura Ramiro Pinilla, y protagonizada por actores de la talla de Carlos Areces, Karra Elejalde, Jordi Sánchez, Pepa Aniorte, Mikel Losada y Ramón Barea. Una tragicomedia con toque surrealista que no dejará a nadie indiferente.    SINOPSIS: En una época no muy lejana en la que el conflicto y la oscuridad se apoderaron de los territorios en España, la mirada de un niño se cruza con la de Rogelio (Karra Elejalde), el ejecutor. Convencido de que el niño lo matará cuando crezca, Rogelio abandona a sus camaradas y se dedica a cuidar de la higuera que el crío ha plantado sobre la tumba de su padre y hermano. Cipriana (Pepa Aniorte), la mujer del nuevo alcalde (Jordi Sánchez), acrecienta la fama de Rogelio como ermitaño y santón, y convierte el lugar en centro de peregrinaciones. Ermo (Carlos Areces) el codicioso chivato que denunció a la familia, no se separa de Rogelio, convencido, cual golum, de que bajo la higuera se esconde un tesoro. Los antiguos camaradas, que ven con estupor cómo la higuera crece entre los peregrinos señalando el lugar de la ejecución, intentarán qué Rogelio abandone su misión para deshacerse de la higuera y borrar el incómodo rastro.     “Cuando leí la novela de Pinilla me vinieron dos imágenes a la cabeza. El Simón del desierto de Buñuel subido en su columna y el tío loco subido al árbol en el Amarcord de Fellini. Me sorprendió encontrar, en medio de la negrura, un sentido del humor a lo Azcona que no esperaba, y que fue ganando peso al escribir el guión. Y algo que sin duda me ha marcado al dirigir la película ha sido contar el relato desde el punto de vista de los vencedores, de sus “correrías”, y de la preocupación que crece en ellos por ocultar el pasado según van pasando los años”. (la directora).

10º Festival de cine Ital. de Madrid: Cecilia Mangini

PREMIO A TODA UNA CARRERA

CECILIA MANGINI Cecilia Mangini es una de las figuras más significativas de la historia del cine italiano, imparable pionera de la fotografía y del cine del real.

Es autora de obras maestras como Ignoti alla Città, Stendalì y La canta delle marane, realizadas en colaboración con Pier Paolo Pasolini. Ha narrado desde finales de los años cincuenta hasta la mitad de los sesenta una Italia dividida entre el boom económico y las contradicciones sociales.
Cecilia Mangini (Mola di Bari, 1927) cineasta, documentalista y fotógrafa, desde los comienzos de su trabajo, ha tenido una mirada comprometida, atenta y personal sobre el individuo y la sociedad, dedicando una atención especial a los temas de la marginalidad, del trabajo, de la inmigración y de las injusticias sociales.
Primera mujer a rodar documentales en la posguerra, autora de algunos largometrajes y de más de cuarenta cortometrajes, por la mayoría realizados junto con su marido Lino Del Fra, ha sabido evidenciar la transición de Italia (que se alejaba, lentamente, también del fascismo) hacia una organización industrial. Con su cámara a menudo ha dirigido la mirada al Sur, a la Puglia y al Salento, para buscar los rituales de una cultura antigua que iba desapareciendo arrollada por las rápidas transformaciones que imponía el boom económico. En 2009 Cecilia ha recibido en Florencia la Medalla del Presidente de la Republica Italiana por haber transmitido a las generaciones futuras, a través de su actividad de cineasta documentalista,  algunas de las más bellas imágenes de la Italia de los años ’50 y ’60.
Si se le pregunta qué hace, contesta “soy una documentalista”, porque siempre se permanece una documentalista aunque se deja de rodar documentales y porque “el documental es la manera más libre de hacer cine”.