Madrid rinde homenaje a Martín Patino en el Centro Cultural de la Villa

El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge una exposición que rinde homenaje a la figura del realizador y recorre, a través de su filmografía, la memoria de Madrid a lo largo del siglo XX La muestra cubre el periodo entre la proclamación de la II República y los movimientos del 15 M, con fragmentos de películas y mediometrajes de Patino, así como guiones, fotografías y revistas Se estructura en cinco bloques temporales: La República, La guerra civil española, la posguerra, la transición y la democracia Madrid, rompeolas de todas las Españas ofrece también información sobre Canciones para después de una guerra, Caudillo o Madrid, películas en las que la ciudad tiene un especial protagonismo La muestra, producida por el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa con la colaboración de La Fábrica y la Fundación Basilio Martín Patino, podrá visitarse en la sala madrileña hasta el 14 de enero Esta tarde, en la inauguración de la exposición, se celebrará  un homenaje a Patino en el que participarán profesionales del cine, periodistas, amigos y colaboradores La Fábrica edita el libro Basilio Martín Patino. Madrid, rompeolas de todas las Españas, con ensayos de varios expertos que repasan la trayectoria vital y profesional del director Descarga imágenes y el dossier de la exposición Basilio Martín Patino y la ciudad de Madrid mantuvieron una “historia de amor” que se hace patente en la obra del cineasta. Patino, salmantino de nacimiento, supo entender el pulso de Madrid y retrató el espíritu abierto de la que consideraba “la ciudad liberal por antonomasia”. El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acogerá hasta el 14 de enero la exposición Basilio Martín Patino. Madrid, rompeolas de todas las Españas, una producción de esta institución con la colaboración de La Fábrica y la Fundación Basilio Martín Patino. La exposición recuerda al cineasta, recientemente fallecido, mientras recorre la historia de la capital, desde la proclamación de la II República en 1931, hasta los movimientos ciudadanos del 15 M en 2011. Madrid, rompeolas de todas las Españas se desarrolla a partir de dos líneas argumentales. Por un lado, ofrece un recorrido por ese periodo de la historia de la ciudad desde la mirada de Patino, a través de fragmentos de las películas, audiovisuales y mediometrajes, acompañados de otros testimonios como fotografías, revistas, libros y documentos. Además, la muestra se centra en aquellos trabajos de Patino en los que la ciudad de Madrid cobra especial protagonismo. Es el caso de películas como Canciones para después de una guerra (1971), Caudillo (1974) o Madrid (1987) de las que la exposición ofrece información sobre cómo se gestaron, las luchas contra la censura o su acogida en la prensa de la época. La exposición está estructurada en cinco secciones que corresponden a cada uno de los periodos históricos en los que recala, haciendo hincapié en los aspectos más destacados de cada momento histórico, y ahondando en la memoria de la ciudad a través de fragmentos de películas de Patino. Estas secciones corresponden a La República, La guerra civil española, La posguerra, La transición y La democracia. Como introducción a estas secciones la exposición intenta responder a la pregunta ¿Qué es Madrid? Como colofón, la muestra da voz al propio cineasta a través de fragmentos de varias intervenciones suyas en programas de Televisión Española. Como el mismo Patino señaló: “Madrid es una ciudad abierta por naturaleza, viva, dinámica, diversa, acumulativa, nunca convencional. En sus rincones siguen mezclándose vestigios étnicos y desigualdades que testimonian sobre la tolerancia, la aceptación y el respeto a todas las formas de existir”. Es precisamente ese espíritu abierto y combativo el que Patino quiso reflejar. Bien fuera en las celebraciones espontáneas de ciudadanos con la llegada de la II República, en la primera mitad del siglo XX, como con el movimiento ciudadano del 15 M, en el siglo XXI, que recogió en su última película, Libre te quiero (2012) Para Oliva María Rubio, comisaria de la exposición, “Basilio Martín Patino nos habla en sus películas de un Madrid resistente, de un Madrid doliente pero también de un Madrid festivo, lúdico. Esta exposición es un recorrido por ese Madrid cuya alma Martín Patino quiso penetrar, y también un homenaje a su cine y a su modo de estar en el mundo, ya que para él «hacer cine es una forma de objetivar e interpretar esas escondidas oscuridades que nos perturban la existencia, y lograr respirar más libremente”. Homenaje:   El acto contará con las intervenciones de Javier Angulo, Montxo Armendáriz, Enrique Baquedano, Juan Barja, Pilar Doblado, Carlos F. Heredero, José Luis García Sánchez, Fernando Lara, María José López, Oliva María Rubio, Pedro Molina Temboury, Amancio Prada, Luis R. Aizpeolea, Javier Rioyo y Fanny Rubio.  Amancio Prada interpretará el tema Libre te quiero. Además, La Fábrica ha editado el libro Basilio Martín Patino. Madrid, rompeolas de todas las Españas, último título de la colección Blow Up. El volumen cuenta con seis completos ensayos de expertos en la obra de Patino que analizan la visión que el director tenía de Madrid y repasan su trayectoria y su manera de filmar, su conciencia crítica y su empeño, a través de su cine, de poner en cuestión las convicciones del espectador para hacerle más consciente y reflexivo. Junto a estos ensayos, se incluyen tres textos del propio director – dos sobre las películas Canciones para después de una guerra y Caudillo y otro sobre su particular visión de la ciudad de Madrid -, así como una extensa y detallada biografía.

30 de oct. 2017 Homenaje a Lucrecia Arana en LQB

Estrella única e indiscutible del Teatro de la Zarzuela. Pareja con el escultor Benlliure, ello no impidió que una carrera lírica fulminante se sostuviera  en lo más alto durante 20 años. Se cumplen en 2017 los 150 años del nacimiento y los 90 de su prematura muerte de la tiple riojana Lucrecia Arana, cantante que estrenó el papel protagonista de una de las zarzuelas más populares del repertorio, 'La viejecita', de Fernández  Caballero.

La Fundación Mariano Benlliure, responsable de su legado (Lucrecia Arana fue esposa del escultor y madre de su único hijo), ha orgánizado junto al Gobierno de La Rioja una exposición en Logroño con un amplio material biografico, un concierto homenaje y la publicación de un catálogo sobre su vida y su carrera profesional.

Para presentar en Madrid estas actividades, Joaquín Martín de Sagarmíaga, Joaquín Turina (ambos autores de los textos del catalogo), junto a Lucrecia Enseñat,  de la Fund. Mariano Benlliure, mantendrán una charla glosando la figura y los éxitos artísticos de la cantante, de enorme prestigio en su época. 

El dúo Líricas del mundo (Anna Tonna y Gloria Londoño) acompañadas por el pianista Elías Romero, interpretarán algunas de las páginas más representativas de Lucrecia Arana.

Alberto Corazón: siempre/todavía

 

jueves 5 de octubre A LAS 20.00 HORAS - EN LA QUINTA DE MAHLER

En el Museo de Damasco, trabajando entre escribas, descubrió que el origen de todo está allí: el Monte Casio era el monte de los oráculos para los griegos y está en Damasco, Palmira era la capital de veraneo del imperio romano...

En 'Siempre/Todavía', ópera sin voces, Alfredo Aracil ha escrito una música para piano solo que se interpreta junto a una serie de imágenes de Alberto Corazón proyectadas en una pantalla, desvelando poco a poco un texto, unas anotaciones del pintor durante una estancia en Damasco antes de la tragedia que hoy la asola.

Para presentar la edición del Museo Universidad de Navarra en DVD y Blue-ray de esta obra, visitarán La Quinta de Mahler Rafael Llano, miembro de la dirección artística del Museo, Alfredo Aracil, compositor, Alberto Corazón, artista plástico, y Juan Carlos Garvayo, pianista, intérprete de su estreno mundial y de esta grabación.

Durante la presentación se proyectaron (y sonaron) algunos fragmentos de la grabación de la obra.



 Una obra construida con fragmentos de los textos y dibujos de mi cuaderno de viaje a Damasco en 2002, con motivo de una exposición retrospectiva que el Museo Nacional dedicó a mi pintura y escultura. Lo que allí encontré, aquellas primeras esculturas de escribas, los restos de un hipogeo del Valle de las Tumbas de Palmira, las pinturas de la más primitiva de las sinagogas, los trazos de escritura mesopotámica sobre una tablilla de arcilla de Ur, los bajorrelieves de batallas de Ciro… Sentí que todo aquello era un solo mundo y que, de ese mundo, yo era contemporáneo. 
Realicé cerca de quinientas imágenes más para abarcar todos los matices, enfoques y situaciones que el guión requería. La opción de experimentar con una ópera sin canto, en la que el texto impactase directamente en el espectador, me pareció un ensayo apasionante. El protagonismo del texto exigía una tipografía serena, de extrema legibilidad en la que ningún recurso decorativo o estilístico desviara la atención de la comprensión lectora.
Alberto Corazón

                                                                       

Albert Kahn. Los Archivos del Planeta

Albert Kahn (Marmoutier, 1860 – Boulogne-Billancourt, 1940), prestigioso banquero de origen judío, y destacado filántropo y promotor cultural en el París de principios del siglo XX, concibió la creación de un inmenso archivo fotográfico y fílmico, abastecido por el resultado de diversas campañas internacionales emprendidas por equipos de filmación y de fotografía, bajo su coordinación y financiación, a través de más de 50 países (Afganistán, Brasil, India, Israel, Cisjordania, China, Croacia, España, Vietnam, Italia, Japón, Grecia o Alemania).
Este archivo documental está constituido por más de 72.000 placas autocromas (a este respecto, la colección de fotografía en color más grande del mundo), 4.000 placas estereoscópicas y 200.000 metros de película cinematográfica en 35mm (en su mayoría en blanco y negro, pero también con tempranos ejemplos en color). Solo el Crack del 29, que supuso el principio del fin de la fortuna del banquero, impidió que estas cifras se multiplicasen hasta alcanzar la dimensión planetaria ideada por su autor. La muestra, comisariada por Alberto Ruiz de Samaniego y José Manuel Mouriño, contiene una amplia selección de la obra fotográfica de Los Archivos del Planeta, con algunas de sus mejores instantáneas.
Las imágenes resultantes de aquella empresa habrían de servir como salvaguarda de numerosos espacios y comunidades que en aquel entonces ya se encontraban en la antesala de su extinción efectiva, además de estimular nuevas relaciones interculturales. Este anhelo, como esperaba Kahn, habría a su vez de redundar en el entendimiento y armonía de las distintas comunidades que a ellas tendrían acceso.
El archivo fotográfico de Albert Kahn goza en la actualidad de una gran relevancia argumental fundamentada en su voluntad por convertirse en un auténtico atlas icónico de la humanidad, así como en la sensibilidad estética y en la hondura conceptual indiscutible de sus imágenes. Un registro fotográfico de y para la humanidad.
Desde este enlace se puede acceder a una web especial, creada para esta exposición, que alberga la totalidad de los materiales fotográficos y audiovisuales de Albert Kahn. Los Archivos del Planeta.

Castelao grafista, qué escenas pintaba: el maestro muerto

La Academia, la Fundación MAPFRE y la Fundación Gonzalo Torrente Ballester organizan la exposición “Castelao grafista”. Comisariada por Miguel Fernández-Cid, la exposición repasa la obra plástica de Castelao, centrándose en aquella que llega al espectador a través de un proceso técnico gráfico: diseños, ilustraciones para libros y publicaciones periódicas, carteles, estampas...

Caricaturista, dibujante, ilustrador, columnista, escritor, pintor, escenógrafo, ensayista, historiador, etnógrafo, teórico, político, Alfonso Daniel Rodríguez Castelao (Rianxo, A Coruña, 1886 – Buenos Aires, 1950) estudia medicina pero muy pronto le tientan el mundo de la ilustración y la pintura. Durante años, compagina los dibujos con las pinturas, algunas de gran formato, con las que participa en exposiciones colectivas y realiza varias muestras individuales. A principios de la década de 1920, la pintura cede terreno a las colaboraciones gráficas, que se convierten en su principal actividad. 

Castelao grafista muestra su evolución en este campo, tanto estilística como teórica. Una selección rigurosa de casi dos centenares de obras, permite mostrar su progresivo compromiso ético, social y político, pero también sus recursos plásticos y cómo culmina la definición de su lenguaje en el encuentro entre texto e imagen: desde las colaboraciones en la revista Vida Gallega a las ilustraciones en las que el texto adquiere un protagonismo ascendente que sintetiza en colaboraciones que, bajo el título genérico de Cousas, pueden ser vistas como propuestas humorísticas pero también como reflexiones de fondo social. La progresiva politización de Castelao se ve reflejada en los carteles y las colaboraciones de la década de 1930 y, de un modo muy especial, en las Estampas de guerra. 

Castelao grafista señala la peculiar relación entre pintura e ilustración en la obra del artista: empieza llevando imágenes desde la primera a la segunda (unas aguadas y tintas previas le sirven de inspiración para realizar las cubiertas de El hidalgo don Tirso de Guimaraes de Luis Antón del Olmet, D’o Ermo de Noriega Varela, Os Evanxeos da risa absoluta de Antón Vilar Ponte, Da terra asoballada o Vento mareiro de Ramón Cabanillas) y, cuando en 1945 quiere pintar su testamento pictórico, lleva a la tela una estampa de guerra de 1937, A derradeira leición do mestre.

La exposición arranca con un conjunto de autocaricaturas, que centran la imagen de Castelao, junto a pinturas de gran escala, verdaderos escenarios sobre los que sitúa sus personajes; dibujos, bocetos y carteles de sus primeros años, en los que se definen formas compositivas y recursos propios de la pintura; ilustraciones para Vida Gallega, A Nosa Terra; bocetos y material en torno a Un ollo de vidro (1922); así como una selección de sus publicaciones. En 1920, Castelao expone un conjunto de dibujos que conforman el álbum Nós, del que se muestran varios bocetos. 

Estas imágenes, junto a la publicación del libro Cousas da vida y a las colaboraciones en las que une imagen y texto con una marcada intención crítica (Cousas), señalan la definición de un lenguaje que es al tiempo ético y estético. La exposición reúne una cuidada selección de estas colaboraciones, elegidas tanto por criterios estéticos (mostrando los distintos recursos de los que hace gala Castelao) como por criterios iconográficos e intención social y política. Las obras se exponen como documentos, dejando ver la totalidad del soporte, con las anotaciones de la época; agrupadas como un friso colectivo. 

Carteles y dibujos para ballet gallego señalan otro campo de interés de Castelao. Los años 30 son para el artista una época de madurez y compromiso político, lo que se percibe claramente en los carteles de este momento y en los dibujos con los que prepara las Estampas de guerra (Galicia mártir, 1937; Atila en Galicia, 1937; Milicianos, 1938), expuestos de forma conjunta por primera vez fuera del Museo de Pontevedra. También están presentes los llamados “dibujos de negros”, realizados a partir de 1939, así como las ilustraciones y escenografías de Os vellos non deben namorarse (1940). 

Con motivo de la exposición se publica un catálogo en el que escriben, entre otros autores, Miguel Anxo Seixas Seoane, Antón Patiño, Pilar García Negro, María Victoria Carballo-Calero, Ramón Villares, Valeriano Bozal, Inma López Silva y Miguel Fernández-Cid. Incluye también el texto escrito por Gonzalo Torrente Ballester para la revista Grial en 1975 sobre Un ollo de vidro, así como otro de Ricardo Carballo Calero titulado Castelao e a súa lingua. La publicación permite establecer relaciones visuales entre las distintas obras que conforman la muestra. Los textos abren cada época o sección, facilitando la comprensión y la evolución del trabajo de Castelao.

Alanis, 15/12: parece que vale mucho

3 galardones en el Festival de San Sebastián: Concha de Plata a la Mejor Directora Concha de Plata a la Mejor Interpretación Femenina Premio de la Cooperación Española

Golem ha adquirido los derechos de distribución de Alanis, película dirigida por la realizadora argentina Anahí Berneri y protagonizada por Sofía Gala. El trabajo de ambas mujeres ha sido ampliamente reconocido en la reciente edición del Festival de San Sebastián, logrando dos importantes premios de la Sección Oficial. En su tercera participación en el Zinemaldia (tras Un año sin amor y Al aire libre), Anahí Berneri se alzó con la Concha de Plata a la Mejor Directora por un sobresaliente trabajo en el que la cineasta desarrolla un personal punto de vista, materializado en el uso de particulares encuadres junto a una excelente dirección de actores. La actriz Sofía Gala (quién ya fue galardonada en el Festival de Huelva con el Colón de Plata a la Mejor Actriz por El resultado del amor) logra brillar con una complicada interpretación en la que encarna a una trabajadora sexual. La abrumadora veracidad con la que Gala afronta  su personaje, le ha valido a la actriz una merecida Concha de Plata a la Mejor Interpretación Femenina. La película argentina también ha logrado el Premio de la Cooperación Española, galardón otorgado por el Festival de San Sebastián y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID),  al productor de la película iberoamericana que mejor contribuya al desarrollo humano, la erradicación de la pobreza y el pleno ejercicio de los derechos humanos.

Sinopsis: Alanis es trabajadora sexual, tiene un hijo y comparte piso en el centro de Buenos Aires con Gisela. Ambas mujeres cuidan del bebé y reciben a sus clientes en el apartamento. Todo cambia cuando dos inspectores municipales irrumpen en su domicilio y detienen a Gisela acusada de trata. Expulsada de su piso, Alanis se traslada temporalmente a casa de su tía. Cuida a su hijo y ofrece en la calle lo que sabe hacer. Siempre en continuo movimiento, Alanis deberá pelear por encontrar su lugar.

Presentación de proyecto MHS-EnerCon²

Las nuevas tecnologías mejoran la eficiencia enérgetica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Presentación del proyecto MHS-EnerCon², orientado a incentivar el desarrollo tecnológico, la eficiencia energética y la conservación preventiva de edificios históricos. Esta iniciativa está desarrollada por la Fundación Santa María la Real del Patrimonio Histórico y Telnet, gracias a la financiación del Ministerio de Industria, Economía y Competitividad. Hasta ahora se ha instalado en la RBA, e palacio de la Diputación de Palencia y la catedral de San Antolín, de la misma ciudad. Se instala ahora mismo en la villa romana de Olmeda (Palencia). El vino discreto ma bine.

Nueva directora de Titirimundi

Marián Palma toma el relevo en la dirección de Titirimundi

La nueva directora, que ha trabajado codo con codo con Julio Michel y ha gestionado el Festival durante 17 años, continuará velando por mantener su sello con mirada propia y la ilusión y responsabilidad de quien recibe en sus manos un regalo que ella misma ha contribuido a hacer crecer

Marián Palma Castillo es, desde hoy, la nueva directora del Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi de Segovia, uno de los más prestigiosos del mundo en el arte de las marionetas por su carácter único, y que durante 32 años se ha convertido en un referente bajo la dirección de su fundador, Julio Michel, que nos dejó el pasado mes de junio.

Morir, de Fernando Franco, basada en la novela de Arthur Schnitler

Se le ve un tío muy preparado, su padre era catedrático en Sevilla y la biblioteca de su casa de Sevilla es inmensa. Sólo oírle decir esto ya da envidia. Si yo tengo estos sentimientos (desear que alguien querido muera de una puta vez para dejar atrás esa situación) y me parecen vergonzosos, ¿por qué he de avergonzarme de ellos?

Blanquerna (Madrid): Las Vanguardias y Joaquim Molas

Llega a Madrid Las Vanguardias y Joaquim Molas, sobre las vanguardias catalanas del siglo XX

La exposición ‘Las Vanguardias y Joaquim Molas’ exhibe materiales del fondo del escritor y editor legados a la Biblioteca Museo Víctor Balaguer. Se podrá visitar hasta el 6 de enero de 2018.

El miércoles 18 de octubre, a las 19.30 h, se inaugura en el Centre Cultural-Llibreria Blanquerna (c/ Alcalá, 44) la exposiciónLas Vanguardias y Joaquim Molas, organizada por el CCLBlanquerna, sede cultural de la delegación del Gobierno de la Generalitat de Catalunya en Madrid, y producida por el departamento de la Presidencia de la Generalitat, la Biblioteca-Museo Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú y el Aula Joaquim Molas.

Inaugura el acto el delegado del gobierno de la Generalitat de Catalunya en Madrid, Ferran Mascarell, acompañado del comisario de la muestra, Jordi Cerdà, y el director general de Difusión de la Generalitat, Ignasi Genovès.

Las Vanguardias y Joaquim Molas rinde homenaje al ilustre profesor Joaquim Molas, historiador, crítico, gran impulsor de actividades editoriales a la vez que estudioso y descubridor de las vanguardias literarias y artísticas catalanas del siglo XX. Esta exposición que acoge y presenta en Madrid el CCLBlanquerna es la primera que muestra parte del material del fondo Molas, un hombre que siempre reivindicó la literatura como un instrumento de transformación social vinculado a la vida y a la sociedad.

El impulso de las vanguardias

Destaca su relación con figuras tan relevantes como Joan Salvat-Papasseit, Salvador Dalí o su amistad con Josep Vicenç Foix, aunque Molas consiguió que la Vanguardia se entendiera como una etapa indispensable de la historia cultural catalana.

Por ello, en esta muestra pueden verse distintos materiales: revistas, manuscritos, apuntes y libros del propio Molas, así como de otros autores, como Vázquez Montalbán o Josep M. Castellet; ilustraciones de cubiertas de libros y dibujos realizados por Josep Guinovart, Modest Cuixart, Frederic Amat, Antoni Tàpies, Joan Ponç o Joan Miró, entre otros nombres.

En la parte más gráfica de la muestra se pueden ver fotos de J. Molas con algunos de los autores mencionados, a la vez que se puede profundizar en su aspecto más revival modernista y pop, recordando que fue uno de los responsables de la recuperación y definición del Modernismo y de la Vanguardia en la cultura catalana de los sesenta.

En este sentido se pueden ver materiales como, por ejemplo, la cubierta del disco de Guillermina Motta, Visca l’amor!,(Concèntric, 1968, diseño de Enric Sió y texto presentación del propio Molas), oLos cómics, arte para el consumo y sus formas pop (de su amigo Terenci Moix, 1968, fotografía de Toni Catany), o el programa de mano de la exposición Evocació del Modernisme a partir de una obra de Albert Ràfols-Casamada (Col·legi d’Arquitectes de Barcelona, 1965, diseño de Giralt-Miracle), o dos publicaciones catalanistas como fueron Tele / Estel  y Oriflama, que se incorporaban en la moda pop.

De la dictadura a la democracia

En el archivo Molas se encuentra una buena cantidad de material de los últimos años de la dictadura y los inicios de la democracia. Incorporó al temario de sus clases todos los registros de las culturas populares, también del underground. Asimismo, recibía las publicaciones de alumnos o colaboradores suyos como Vicenç Altaió, Lluís Urpinell o Jaume Vallcorba. Esos años culminaron con su estudio más importante: La literatura catalana d’avantguarda 1916-1938 (1983), obra que se encuentra en esta muestra junto con otras publicaciones como son la revista Tarotdequinze (1972-1975), que reunió el panorama más inquieto de la entonces joven Universitat Autònoma de Barcelona, o un ejemplar de El Rollo Enmascarado, revista underground barcelonesa, o el monográfico de la revista Bang!dedicado al cómic político bajo el franquismo.

Fundación Juan March: William Morris y compañía. Cuánto trabajo y cuánta belleza

William Morris y compañía: el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña

 

6 octubre 2017 – 21 enero 2018

Esta exposición ofrecerá la oportunidad de explorar y apreciar en profundidad las múltiples facetas del diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista y agitador social William Morris (1834-1896), así como de las principales figuras del movimiento Arts and Crafts. Esta nueva generación de arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos compartían la preocupación por los dañinos efectos de la industrialización, tanto en las condiciones sociales y laborales como en en la artesanía tradicional británica.

William Morris fotografiado por Emery Walker, c. 1887. Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid

El movimiento impulsó un amplio resurgir de las artes y los oficios, en el ámbito profesional y en el doméstico, defendiendo un estilo de vida sencillo y cercano a la Naturaleza. Las cuestiones que planteó acerca de la sostenibilidad de la producción industrial, la relación entre el trabajo y la vida, la honestidad de los materiales, la belleza de los objetos cotidianos y la protección los edificios antiguos y del medio ambiente siguen plenamente vigentes en la actualidad.

Esta nueva generación de arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos compartían la preocupación por el impacto negativo de la industrialización, tanto en las condiciones sociales como en la artesanía tradicional británica

William Morris y compañía: el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña estará organizada en cuatro secciones cronológicas y temáticas, con 300 importantes piezas de mobiliario, textiles, papeles pintados, joyas, vidrio, cerámica, metalistería, encuadernaciones, pintura, dibujo, grabado y fotografía. La primera sección (De los orígenes a la Red House, 1834-1860), incluirá obras de A.W.N. Pugin, John Ruskin y otras figuras asociadas al resurgimiento del Gótico, así como de los miembros de la hermandad prerrafaelita D.G. Rossetti y E. Burne-Jones. La segunda sección (William Morris y compañía, 1861-1896) se centrará en los objetos que la empresa de Morris producía y vendía, dedicando especial atención al proceso artesanal de su fabricación, y se fijará en la faceta conservacionista y política de Morris y en la labor de su editorial Kelmscott Press. La tercera sección (El movimiento Arts & Crafts en Gran Bretaña, 1887-1914) revisará la expansión del movimiento a través de obras de C.R. Ashbee, M.H. Baillie Scott, Sidney Barnsley, W. Crane, E. Gimson, W.R. Lethaby, C.R. y M.M. Mackintosh, C.F.A. Voysey y P. Webb, así como de los establecimientos Liberty y Heal's. La última sección (La difusión del movimiento Arts & Crafts, 1890-1914), ilustrará las distintas conexiones entre el movimiento británico y su desarrollo en países de Europa y Estados Unidos, con piezas de Hendrik Petrus Berlage, Josef Franz Maria Hoffmann, Koloman Moser, Lars Kinsarvik, Josep Puig i Cadafalch, Joan Busquets o Frank Lloyd Wright, entre otros.

William Morris, Dibujo para el papel pintado Willow Bough, 1887. The Whitworth, The University of Manchester.
Foto: Michael Pollard

La gran mayoría de las obras provienen de instituciones británicas y no han sido antes expuestas en España. Entre ellas destaca un inmenso tapiz realizado por Morris & Co en la década de 1890 que ilustra la leyenda del Santo Grial, el exquisito armario de Ernest Gimson pintado con imágenes de la vida rural en los Cotswolds, un bello panel bordado por Margaret Macdonald Mackintosh, o la gran vidriera de Frank Lloyd Wright.
Tras su paso por Madrid, la exposición viajará al Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona, donde se presentará desde el 22 de febrero hasta el 21 de mayo de 2018.

Canción de Nueva York, en cines: 12 de octubre

 

 

Canción de Nueva York es la nueva película de Marc Webb (500 días juntos, Un don excepcional), que emociona e intriga a partes iguales. Lo que al principio parecía deseable y motivo de sufrimiento para el joven protagonista, acaba pasando a un segundo plano a medida que va conociendo los enredos de sus padres y se deja arrastrar en ellos convirtiéndose en un  Deus ex macchina. Esto favorece el dicho de que a veces es mejor no saber.

El papel de Jeff Bridges decae cuando de golfo pasa a protector del chico, casi dan arcadas oírle amenazar: como le hagas sufrir... Repugnante. Pierce Brosnan, por el contrario, se crece en el castigo, y la madre está genial en su papel de pastillera adicta.

Para este nuevo trabajo, Webb ha contado con Jeff Bridges (Comanchería, El gran Lebowsky), Kate Beckinsale (Amor y amistad, Underworld), Pierce Brosnan (GoldenEye, El escritor), Cynthia Nixon (Historia de una pasión, Sexo en Nueva York) y el joven Callum Turner (Assassin’s Creed, Tramps).

La película nos acerca a la clase acomodada del Upper East Side, con la elegancia de Webb en la dirección a la hora de retratar estos ambientes y una banda sonora de lujo con temas de Simon & Garfunkel, Lou Reed, Charles Mingus, Bill Evans y Bob Dylan, entre otros.

9/10/17 Ainhoa Arteta canta a Lorca en TZ

La soprano Ainhoa Arteta homenajea a Federico García Lorca acompañado por el pianista Rubén Fernández Aguirre y el bailaora Pilar Astol. 
Regalaron bises y trises, una canción popular vasca y otra de Pau Casals: Cant dels ocells, la que canta María del Mar Bonet en la cinta.
PROGRAMA

Federico García Lorca: Canciones españolas antiguas (selección): «El Café de Chinitas», «Nana de Sevilla», «Sevillanas del siglo XVIII».

Antón García Abril, con textos de Federico García Lorca: Tres canciones españolas («Zorongo», «Nana, niño, nana», "Baladilla de los tres ríos").

Federico García Lorca: La sangre derramada, de Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, recitado por Paco Rabal (grabación).

Manuel García Morante, con textos de Federico García Lorca: «Canción de la madre del Amargo», «Noche», «La Lola».

Manuel García Morante, con textos de Federico García Lorca: «Por el aire van»; «De Cádiz a Gibraltar»; «A la flor, a la pitiflor».

Federico García Lorca: Canciones españolas antiguas (selección): «Anda, jaleo», «Los cuatro muleros», «Zorongo».

Federico García Lorca: Leonardo y la novia, de Bodas de sangre, recitado por Rafael Alberti (grabación).

Xavier Montsalvatge, con textos de Federico García Lorca: Canciones para niños («Paisaje», «El lagarto está llorando», «Caracola», «Canción tonta», «Canción china en Europa», «Cancioncilla sevillana».

Miquel Ortega, con textos de Federico García Lorca: «Memento», «Romance de la luna, luna», «La canción del jinete».

Norman Foster en Telefónica Fondation (Madrid): me pareció encantador

NOTA DE PRENSA

PRESS RELEASE

La exposición, organizada en colaboración con la Norman Foster Foundation, abre sus puertas en el Espacio Fundación Telefónica el próximo 6 de octubre

“NORMAN FOSTER. FUTUROS COMUNES”

UN DIÁLOGO ENTRE EL PASADO Y EL FUTURO DEL LEGADO SOCIAL DEL ARQUITECTO

• La exposición sobre el arquitecto británico indaga a través de más de 30 maquetas, 160 dibujos y audiovisuales diversos en la faceta más social de Foster y en cuestiones menos reivindicadas de sus edificios como la sostenibilidad, el bienestar o la sensibilidad social.
• En la muestra se exhiben maquetas como la nueva sede de Apple en Cupertino, la ampliación del Museo Nacional del Prado o un proyecto de habitáculos en la Luna. Todos ellos, ejemplos que buscan conciliar tradición y modernidad a través de la inspiración en proyectos pasados que otorgan continuidad a su trayectoria.

Madrid, 5 de octubre 2017.- La arquitectura de Norman Foster ha trascendido límites y ha conseguido repercusión y reconocimiento mundial al usar el conocimiento técnico para prefigurar el futuro y para superar barreras físicas o sociales, desde sus primeras obras hace más de medio siglo hasta la actualidad. Coincidiendo con la presentación pública de la Norman Foster Foundation (www.normanfosterfoundation.org/es/) en Madrid hace apenas dos meses, el Espacio Fundación Telefónica, en colaboración con su fundación, organiza “Norman Foster. Futuros comunes”, una exposición, comisariada por Luis Fernández-Galiano, catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid (ETSAM) y director de Arquitectura Viva, que pretende acercar al público la obra del arquitecto y su visión del futuro, al mismo tiempo que mostrar sus fuentes de inspiración.

En la muestra, que podrá verse en la planta 3 del 6 de octubre de 2017 al 4 de febrero de 2018, se documentan doce proyectos recientes que dialogan con otras tantas propuestas de décadas anteriores del arquitecto británico, para subrayar la continuidad de sus inquietudes y, al tiempo, poner de manifiesto la variedad de sus intereses.

Más allá de la fascinante excelencia técnica y estética de los edificios firmados por Foster, esta exposición incide a través de más de 30 maquetas, 160 dibujos y varios audiovisuales, en algunas cuestiones menos reivindicadas pero igualmente trascendentales dentro de su trayectoria: la sensibilidad social que ha guiado muchos de sus trabajos, el diálogo entre tradición y modernidad, la reflexión acerca de la sostenibilidad y la vida en nuestras ciudades, el papel de la innovación y la tecnología, etc.

Compuesta por un diálogo entre proyectos pasados, presentes y futuros, la muestra sobre Foster aportará una visión de conjunto única. En palabras del mismo Foster, la exhibición "es una mirada al futuro, pero sin dejar de mirar al pasado remoto, una visión que nos da continuidad. Muestra el otro lado de los proyectos que me motivan, aquellos más pequeños que pueden marcar una gran diferencia, en los que la tecnología y el imperativo social contribuyen a fines sociales como la mejora del cambio climático, la igualdad, el bienestar social... Son temas recurrentes a lo largo de mi carrera, que tienen continuidad hoy".

Inspirándose tanto en las construcciones históricas como en los avances científicos, sus proyectos reconcilian tradición y modernidad, inteligencia urbana y capacidad transformadora, excelencia estética e innovación tecnológica. De las intervenciones en edificios patrimoniales a los proyectos de habitáculos en la Luna, la obra de Foster recupera la memoria del pasado y anticipa las necesidades del futuro sin dejar de estar sólidamente arraigada en las demandas y urgencias del presente. Sean los nuevos espacios del trabajo o la cultura, la atención a los pacientes de cáncer o a las poblaciones carentes de infraestructuras, los desarrollos urbanos sostenibles o las rutas elevadas para ciclistas y peatones, las propuestas de Foster estimulan el empeño por hacer nuestras ciudades más habitables, y todo ello bajo el signo de la sensibilidad social, de la apertura al cambio y de la innovación.

Los diálogos: 24 proyectos del pasado y del futuro

La exposición tiene lugar en el emblemático edificio de Telefónica, un rascacielos de 1929 que fue un modelo de innovación en su día, y cuya formidable estructura se subraya con el montaje de la muestra. La exposición se estructura en doce capillas con una nave central, que ocupa un conjunto de máquinas al servicio del movimiento, – desde el planeador a la cápsula espacial – que son a la vez inspiración para estas arquitecturas livianas y emblema de un mundo acelerado en cambio permanente.

El futuro del pasado y del patrimonio se ilustra relacionando su cuidadosa extensión de las míticas bodegas Château Margaux con sus primeros dibujos de arquitectura vernácula cuando todavía era estudiante, y comparando su actual proyecto para la ampliación del Museo del Prado con el Carré d’Art que completó hace un cuarto de siglo en Nîmes. Por su parte, los futuros de la forma y la función arquitectónica vinculan la reciente sede de la compañía Bloomberg en la City londinense con la que construyó para Willis Faber & Dumas hace cuarenta años, y la nueva Casa de Gobierno en Buenos Aires con el renovador Sainsbury Centre, que en su día transformó la percepción de los espacios del arte.  

Tanto el futuro del trabajo como el futuro del bienestar dan lugar a mostrar en paralelo la emblemática sede construida para Apple en California con el pionero proyecto para Olsen en los muelles de Londres, y el acogedor Maggie’s Centre para pacientes oncológicos con la Escuela de Hackney para niños con necesidades especiales. En Foster la voluntad de atender a las necesidades contemporáneas se une al refinamiento técnico, y tanto el futuro de la construcción como el de la tecnología se exploran vinculando el titánico proyecto para el aeropuerto de México con el Climatroffice -la visionaria propuesta que realizó con Buckminster Fuller- y el sostenible Droneport con la elementalidad geodésica de su Casa autónoma.

La ciudad y el territorio exigen pensar de nuevo el futuro de la movilidad y el de la sostenibilidad, una tarea que aquí se enseña poniendo en relación el estimulante proyecto urbano del SkyCycle con el popular Metro de Bilbao, y la ciudad libre de emisiones de Masdar con el precursor plan territorial ecológico de La Gomera. Por último, el futuro de las redes que enhebran el planeta e incluso de la expansión de la humanidad fuera del mismo dan lugar a mostrar juntos el colosal proyecto del Thames Hub con la barcelonesa Torre de Collserola, y la base lunar para la Agencia Espacial Europea, construida con robots y tecnología 3D, con la primera realización del arquitecto, un minúsculo refugio en forma de cabina de avión, el Cockpit.

Actividades paralelas y visitas guiadas

La exposición “Norman Foster. Futuros comunes” irá acompañada de la programación de talleres y actividades educativas gratuitas para todos los públicos, desde el escolar hasta el adulto. Además, durante el período de duración de la muestra todos los jueves (10:30h. 12:30h. y 17:00 h.) y domingos (10:30 h.) se harán visitas libres a la muestra sin reserva. Para más información e inscripciones: espacio.fundaciontelefonica.com

Biografía: Lord Norman Foster

Presidente, Norman Foster Foundation

Tras licenciarse en 1961 en la Escuela de Arquitectura y Planificación Urbanística de la Universidad de Manchester, Norman Foster recibió una Beca Henry para cursar estudios en la Universidad de Yale, donde fue miembro del Jonathan Edwards College y obtuvo un máster en Arquitectura.

En 1967, creó Foster Associates, que más tarde se convertiría en Foster + Partners, donde continúa ejerciendo como Presidente Ejecutivo. En 1999 se convirtió en el 21º galardonado con el Premio de Arquitectura Pritzker y en 2002 le fue concedido el Praemium Imperiale de Arquitectura en Tokio. En 2009, fue el 29º Premio Príncipe de Asturias de las Artes y obtuvo la Cruz de la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania.

En 1997 le fue otorgada por la reina de Gran Bretaña la Orden del Mérito y en 1995 recibió el título nobiliario de Barón Foster de Thames Bank.

Norman Foster Foundation

La Norman Foster Foundation fomenta el pensamiento y la investigación interdisciplinar para ayudar a nuevas generaciones de arquitectos, diseñadores y urbanistas a anticiparse al futuro. La Fundación cree en la importancia de vincular arquitectura, diseño, tecnología y arte para prestar un mejor servicio a la sociedad y en el valor de una educación holística que fomente la experimentación a través de la investigación y los proyectos construidos.

Presentación de la edición en DVD y Blue-ray de 'Siempre/Todavía', ópera sin voces de Alfredo Aracil, con textos e imágenes de Alberto Corazón

JUEVES 5 DE OCTUBRE A LAS 20.00 HORAS - EN LA QUINTA DE MAHLER

En 'Siempre/Todavía', ópera sin voces, Alfredo Aracil ha escrito una música para piano solo que se interpreta junto a una serie de imágenes de Alberto Corazón proyectadas en una pantalla, desvelando poco a poco un texto, unas anotaciones del pintor durante una estancia en Damasco antes de la tragedia que hoy la asola.

Para presentar la edición del Museo Universidad de Navarra en DVD y Blue-ray de esta obra, visitarán La Quinta de Mahler Rafael Llano, miembro de la dirección artística del Museo, Alfredo Aracil, compositor, Alberto Corazón, artista plástico, y Juan Carlos Garvayo, pianista, intérprete de su estreno mundial y de esta grabación.

Durante la presentación se proyectarán (y sonarán) algunos fragmentos de la grabación de la obra.
Alberto Corazón visitó el Museo de Damasco, un Museo Arqueológico que también visité yo, y viéndolo (abandonado casi el artista en su interior, dentro del desorden de una limpieza previa a la visita del dictador Al Assad) se encontró allí rodeado de escribas, de la arquitectura, los relieves más antiguos del mundo y se dio cuenta de que allí estuvo y está la cuna de toda la cultura nuestra hasta hoy: mesopotámica, egipcia,, Grecia, Roma... Quedó totalmente trastornado al darse cuenta de que todo estaba allí. ¿Sabéis que el monte Casio, adorado en Grecia como cuna de oráculos está al lado de Alepo? y que Palmira era la capital de veraneo del imperio romano? y fruto de este tomar conciencia surgió este 'Siempre/Todavía', ópera sin voces en la que el artista superpone a sus dibujos, los colores y las letras que le parecen más ajustados con la impresión tan fuerte y desoladora que allí recibió.

El relato de Siempre/Todavía es el de un personaje indefinido (un artista, un espectador, cualquiera de nosotros) cuyas observaciones, dudas y certezas, sueños y fantasías, vivencias, emociones y duermevelas, lo van (y nos van) acercando a la sensación de que el tiempo no es, para muchas cosas esenciales, esa corriente que casi todo lo arrastra sin posibilidad de vuelta atrás, sino un lugar en el que pasado, presente y futuro conviven: un tiempo transitable (tiempo-memoria, cultura), un tiempo que une, en lugar de distanciar, a hombres que viven o han vivido en épocas distintas.  

El protagonista no es un actor en el escenario, ni se dirige a nosotros; somos nosotros, sus espectadores, los que vamos a ser conducidos hacia él, entraremos en él y desde su interior asistiremos a sus sensaciones, emociones, revelaciones..., no escuchándolas sino leyéndolas en una pantalla que también recoge lo que ve, lo que percibe, procesa y, en su cabeza, ante nuestros ojos, se dibuja.
Alfredo Aracil

La propuesta me entusiasmó: una obra construida con fragmentos de los textos y dibujos de mi cuaderno de viaje a Damasco en 2002, con motivo de una exposición retrospectiva que el Museo Nacional dedicó a mi pintura y escultura. Lo que allí encontré, aquellas primeras esculturas de escribas, los restos de un hipogeo del Valle de las Tumbas de Palmira, las pinturas de la más primitiva de las sinagogas, los trazos de escritura mesopotámica sobre una tablilla de arcilla de Ur, los bajorrelieves de batallas de Ciro… Sentí que todo aquello era un solo mundo y que, de ese mundo, yo era contemporáneo.
Realicé cerca de quinientas imágenes más para abarcar todos los matices, enfoques y situaciones que el guión requería. La opción de experimentar con una ópera sin canto, en la que el texto impactase directamente en el espectador, me pareció un ensayo apasionante. El protagonismo del texto exigía una tipografía serena, de extrema legibilidad en la que ningún recurso decorativo o estilístico desviara la atención de la comprensión lectora.
Alberto Corazón

La verdadera emoción es apenas un pálpito, un aleteo, un temblor, una brisa que recorre radiante nuestro ser, celebrando el hallazgo de una certeza interior. Alberto Corazón encontró atisbos de esas certezas (verdades que se saben, no verdades en la que se cree) en el apabullante legado de aquel museo de Damasco. Su descubrimiento encendió una llama de emoción, plasmada con lucidez en sus textos y sus dibujos, y Alfredo Aracil recogió el testigo de ese fuego para avivarlo con una música metódica, imbuida a la vez de ternura y de vuelo que dialoga, se funde, canta y danza de manera prodigiosa con la poética belleza de las imágenes proyectadas. El resultado, fruto de la hermandad entre estos dos grandes artistas, es fascinante. En el medio me encuentro yo, feliz pianista-taumaturgo de esta obra, poseído por ella desde la primera caricia al teclado hasta que los aplausos me sacan poco a poco del trance.
Juan Carlos Garvayo