Trésor es una buenísima comedia sobre cómo la llegada de un perro revoluciona por completo el mundo de los adultos sacando de cada uno lo mejor y lo peor. Es una situación extrema. El perro con una cara de fiera, destroza todo y mira a sus dueños perdonándoles la vida, pero mientras esta actitud para él supone una amenaza, a ella le roba el corazón desde el principio y acapara por completo su instinto maternal. Es asó como se exploran las relaciones de pareja, el rol de los poderes y quien es quién. El hecho de que sea en francés y con buenos actores hacen de ella una cinta impecable. Berni es un maestro del humor, sin ninguna duda.
Hoy hemos visto Los seductores, una empresa familiar para deshacer matrimonios y hacer que als mujeres desgraciadas que no se atreve n a romper sus compromisos, los rompan. Buena comedia y en francés original aunque no tanto como al otra.
Por supuesto, nada que ver con la flilosofía nihilista de Air Doll: "Estamos vacíos, necesitamos que otros nos llenen. Somos los sustitutos de los placeres verdaderos, de los sentimientos de otros" Qué escalofrío me da todavía al recordarla. sus ojos vacíos y ensimismados al ser usada para el placer, y el querer convertir en objeto al que de verdad la ama: Quiero vaciarte y volverte a llenar.
Por cierto, en el T Real, Nacidas el 8 de mayo, un libro sobre mujeres de África en cuya presentación Mª Teresa Fdez de la Vega defendió la refoma laboral. Ahora mismo escribo a Flora de Mozambique.
martes, 22 de junio de 2010
lunes, 21 de junio de 2010
Un padre coraje a quien el arte da fuerzas
“María y yo”, ópera prima de Félix Fernández de Castro,
es la adaptación al cine de la novela gráfica del mismo nombre “María y yo” del dibujante catalán Miguel Gallardo, Premio Nacional de Cómic 2008
“El viaje de un padre y su hija en busca de una forma de comunicarse. Una historia real que nos enseña que una persona con autismo es única, como cualquier otra persona.Una película diferente de cualquier otra sobre un padre y una hija diferentes de cualquier otros”. Félix Fernández de Castro
Me gustó muchísimo porque aporta una luz nueva y misteriosa al concepto que tenemos sobre el autismo. El mundo de María es fascinante, sólo hace falta que le den tiempo. ¡Como todos nosotros!
es la adaptación al cine de la novela gráfica del mismo nombre “María y yo” del dibujante catalán Miguel Gallardo, Premio Nacional de Cómic 2008
“El viaje de un padre y su hija en busca de una forma de comunicarse. Una historia real que nos enseña que una persona con autismo es única, como cualquier otra persona.Una película diferente de cualquier otra sobre un padre y una hija diferentes de cualquier otros”. Félix Fernández de Castro
Me gustó muchísimo porque aporta una luz nueva y misteriosa al concepto que tenemos sobre el autismo. El mundo de María es fascinante, sólo hace falta que le den tiempo. ¡Como todos nosotros!
Pelis
Tenías que ser tú, fantástica, maravillosa, divertida aun cuando pierde atractivo por el hecho de estar doblada. Pero sucede en Irlanda y los paisajes y los paisanajes son retratados de manera pintoresca y grandiosa, lo que inspira y sustenta los anecdotarios sabrosísimos de la peli, que no ocurren porque sí sino porque estamos donde estamos. Los acantilados, la campiña, los verdes y los grises, al cliamtología inclemente, las ciudades. Y el paisanaje acompaña con sus expresiones y sus gestos todos los accidentes de los protagonistas enmarcándolos con un gran escepticismo. Una belleza.
En cambio, un funeral de muerte, de Sony, también doblada, una auténtica gilipollez. Tanta, que si no fuera por la mierda, no tendría apenas contenido. Sin el añadido de la mierda, los vómitos y las tías buenas, eso no tendría ni argumento.
Compadezco a los que se tienen que tragar toda esta basura, tanta tanta, por obligación. Los actores deben de ser de primera, pero no basta, me dormí y me aburrí en el resto.
Iba comida y hasta bebida de una presentación en el Welington por parte de Bancaja, que fue una gloria: Gago Saldaña se apellida el autor del estudio sobre las nuevas tecnologías que resultó premiado con una beca. Soberbio el catering. Y sin canaperos!
Finalmente el etatro, también sobre al muerte que vi el sábado en Cuarta Pared. ¿Y si aboliéramos el limbo? La "vida" que llevan unos muertos, obligados a "vivir" de ocupas en una casa al haber suprimido el limbo la iglesia católica por falta de presupuesto, es el leit motiv de la obra y lo que da lugar a todo juego de palabras con la vida y al muerte. Se ríe uno, pero el final deja un poco cortado al personal, como si se esperase otra cosa, algo más acorde con las nuevas circunstancias vitales de esos muertos, que se comportan como vivos en todo momento pero sin poder salir de allí ni siquiera suicidándose.
En cambio, un funeral de muerte, de Sony, también doblada, una auténtica gilipollez. Tanta, que si no fuera por la mierda, no tendría apenas contenido. Sin el añadido de la mierda, los vómitos y las tías buenas, eso no tendría ni argumento.
Compadezco a los que se tienen que tragar toda esta basura, tanta tanta, por obligación. Los actores deben de ser de primera, pero no basta, me dormí y me aburrí en el resto.
Iba comida y hasta bebida de una presentación en el Welington por parte de Bancaja, que fue una gloria: Gago Saldaña se apellida el autor del estudio sobre las nuevas tecnologías que resultó premiado con una beca. Soberbio el catering. Y sin canaperos!
Finalmente el etatro, también sobre al muerte que vi el sábado en Cuarta Pared. ¿Y si aboliéramos el limbo? La "vida" que llevan unos muertos, obligados a "vivir" de ocupas en una casa al haber suprimido el limbo la iglesia católica por falta de presupuesto, es el leit motiv de la obra y lo que da lugar a todo juego de palabras con la vida y al muerte. Se ríe uno, pero el final deja un poco cortado al personal, como si se esperase otra cosa, algo más acorde con las nuevas circunstancias vitales de esos muertos, que se comportan como vivos en todo momento pero sin poder salir de allí ni siquiera suicidándose.
miércoles, 16 de junio de 2010
Air Doll
Air Doll (muñeca hinchable) es la nueva cinta que vimos ayer de la mano de Golem, como La cinta blanca, Soul Kitchen y tantas otras. Air Doll trata de una muñeca a la que un japonés currante y de moral estricta, dueño de un restaurante, usa para tener placer y compañía. Con ella es feliz, ella sólo tiene que ser bella y consentir en todo.
El problema es cuando ella un día descubre que tiene corazón. Busca un empleo y un compañero se enamora, ella cree que son "iguales". Hay muchas como tú, yo sabía que éramos iguales (sentimientos). El perseguir esta igualdad por parte de los dos le traerá a él la muerte: un día ella se corta y se desinfla; él la infla por la válvula del ombligo y quiere convertir esto en una costumbre; un día ella quiere hacer lo mismo con él y le muerde en el ombligo, pero él se desangra y muere. Antes de esto, lo más repugnante: ersulta que hasta el vejete de la tienda, tan amable hasta entonces, se mete con ella un día que la ve a solas, quiere saber lo que tiene con el joven, la viola diciendo: Tú eres como las demás, lo haces con todos; ella soporta inerte, sin conciencia de ser violada. Sin embargo, tiene claro que ella es un sustitutivo del placer verdadero, de los sentimientos verdaderos, así lo repite varias veces. Todos somos sustitutos, estamos vacíos, deduce con su mente limitada.
Entre tanto, ella lleva una vida clandestina con su "dueño", a cuya casa regresa cada noche para meterse entre las sábanas, sabe que le pertenece. Pero él ve que ella ha cambiado, algo pasa que no le gusta y una noche ella descubre que hay una nueva de goma en la cama de él. Para colmo, le ha comprado una tarta de cumpleaños: A mí nunca me diste una tarta! -es lo que más le duele. Pero él reaccioan con violencia: Es horrendo que, de repente, tengas corazón, ¿por qué este horror de los sentimientos? No los quiero! Ojalá pudieras no tenerlo... Verdaderamente se ve al hombre sufrir por esta causa. Se ve que sufrió lo suyo antes de comprar muñecas.
Hay una chica que está como anjaulada en un recinto estrechísimo comiendo sin parar y vomitando, para lo cual baja unas escaleras.
Toda la peli hace ver el horror al que se ha llegado con el progreso, preferimos un sucedáneo a lo real, nadie quiere entrar en sentimientos, ni despertarlos en otro ni que se los despierten a él. Y el comer, tb es un simulacro, una burla de la abundancia que se ve por doquier. No sufrir, aunque ello sea a costa de no sentir. La técnica de marionetas que usa la actriz, la borda. puro teatro.
Esta película y la anetrior, Despedidas, son paradigmáticas del nuevo cine japonés. Un arte de la simulación, del maquillaje, para descubrir lo verdadero, lo que está oculto por miedo a mostrarse, cada vez más. Allí, los familiares descubren la belleza del muerto, por primera vez, gracias al arte de los embalsamadores. Es así como un músico descubre facetas insospechadas en sus salidas laborales y lo que en principio le había parecido un oficio vergonzoso, se vuelve para él lo que es: sagrado. El maquillaje revela la verdad de los caracteres más que el naturalismo de al fealdad, y los familiares rememoran y reviven el amor que tuvieron al muerto. Un amor que se revela real, gracias al maquillaje, más que lo fue en su momento.
El problema es cuando ella un día descubre que tiene corazón. Busca un empleo y un compañero se enamora, ella cree que son "iguales". Hay muchas como tú, yo sabía que éramos iguales (sentimientos). El perseguir esta igualdad por parte de los dos le traerá a él la muerte: un día ella se corta y se desinfla; él la infla por la válvula del ombligo y quiere convertir esto en una costumbre; un día ella quiere hacer lo mismo con él y le muerde en el ombligo, pero él se desangra y muere. Antes de esto, lo más repugnante: ersulta que hasta el vejete de la tienda, tan amable hasta entonces, se mete con ella un día que la ve a solas, quiere saber lo que tiene con el joven, la viola diciendo: Tú eres como las demás, lo haces con todos; ella soporta inerte, sin conciencia de ser violada. Sin embargo, tiene claro que ella es un sustitutivo del placer verdadero, de los sentimientos verdaderos, así lo repite varias veces. Todos somos sustitutos, estamos vacíos, deduce con su mente limitada.
Entre tanto, ella lleva una vida clandestina con su "dueño", a cuya casa regresa cada noche para meterse entre las sábanas, sabe que le pertenece. Pero él ve que ella ha cambiado, algo pasa que no le gusta y una noche ella descubre que hay una nueva de goma en la cama de él. Para colmo, le ha comprado una tarta de cumpleaños: A mí nunca me diste una tarta! -es lo que más le duele. Pero él reaccioan con violencia: Es horrendo que, de repente, tengas corazón, ¿por qué este horror de los sentimientos? No los quiero! Ojalá pudieras no tenerlo... Verdaderamente se ve al hombre sufrir por esta causa. Se ve que sufrió lo suyo antes de comprar muñecas.
Hay una chica que está como anjaulada en un recinto estrechísimo comiendo sin parar y vomitando, para lo cual baja unas escaleras.
Toda la peli hace ver el horror al que se ha llegado con el progreso, preferimos un sucedáneo a lo real, nadie quiere entrar en sentimientos, ni despertarlos en otro ni que se los despierten a él. Y el comer, tb es un simulacro, una burla de la abundancia que se ve por doquier. No sufrir, aunque ello sea a costa de no sentir. La técnica de marionetas que usa la actriz, la borda. puro teatro.
Esta película y la anetrior, Despedidas, son paradigmáticas del nuevo cine japonés. Un arte de la simulación, del maquillaje, para descubrir lo verdadero, lo que está oculto por miedo a mostrarse, cada vez más. Allí, los familiares descubren la belleza del muerto, por primera vez, gracias al arte de los embalsamadores. Es así como un músico descubre facetas insospechadas en sus salidas laborales y lo que en principio le había parecido un oficio vergonzoso, se vuelve para él lo que es: sagrado. El maquillaje revela la verdad de los caracteres más que el naturalismo de al fealdad, y los familiares rememoran y reviven el amor que tuvieron al muerto. Un amor que se revela real, gracias al maquillaje, más que lo fue en su momento.
domingo, 6 de junio de 2010
Imagineindia 2010
IMAGINEINDIA 2010. GALA DE CLAUSURA
En el Salón de Actos del Ateneo de Madrid, se celebró el sábado, 29 de mayo, la Gala de Clausura de la IX Semana de cine de la India (Imagineindia). Un título que año a año amplía su espectro, extendiéndose cada vez más hacia cinematografías de otros países de Asia como Thailandia, China y Corea, o de Europa, con especial interés hacia el cine ruso, e incluso llegó a mostrar películas de Australia, tal como pudimos ver en Casa Asia, uno de los escenarios ya habituales de la Muestra. Hay que decir que como todo acontecimiento de relieve, que quiere abarcar muchasy variadas facetas, Imagineindia 2010 tuvo también sus fallos, uno de ellos fue el sustituir en algún caso la película programada (Charulata) por un documental (Santones y yoguis de La India).
Me asombró, por otra parte, la extrema violencia de algunos largometrajes inspirados en luchas religiosas y raciales. Si tenemos en cuenta que están basados en hechos reales, esa violencia sin complejos pone los pelos de punta. Firaaq, la cinta ganadora del certamen es paradigmática de lo que digo. Una violencia que no sólo se ve sino que se palpa y lo invade todo: Si en esas circunstancias llaman a tu puerta una noche, sabes que no es el lechero. A esa violencai me refiero, y a la delación, y al rechazo social. Una violencia tan extremadamente brutal que, sin embargo, no excluye la extrema belleza, sobre todo de las mujeres, protagonistas y víctimas en su mayor parte de estas tragedias entre clanes, pero también de los paisajes, como pudimos ver en la cinta titulada Kandahar. Estas guerras de religión que, no sólo en la India sino en todas partes donde se producen, son en realidad luchas de poder, puesto que en el fondo esconden el móvil de la avaricia y también el de la lujuria, tienen como principales víctimas a las mujeres. Ellas, como portadoras del honor familiar, deben defenderlo con la vida y si lo pierden, también han de pagarlo con la vida. Triste destino. Pues bien, su belleza y su elegancia innata es algo que parece inalterable e intangible. Sus rasgos, sí, pero sobre todo sus gestos, su porte aristocrático en medio de las tareas domésticas y que no pierden ni siquiera camino del martirio, sobrecoge.
DOS MUJERES ESPAÑOLAS PROTAGONISTAS DE LA GALA DE CLAUSURA
Pero la Gala de Clausura tuvo lugar en el Ateneo de Madrid y en ella hay que destacar el homenaje que se rindió a dos figuras destacadas del flamenco, Micaela Flores "La Chunga" y Cristina Hoyos.
A nadie se le escapa ya que los gitanos proceden de la India, de donde salieron por cualesquiera razones hace ya muchos siglos y que, después de atravesar toda Asia y parte de Europa, llegaron a España procedentes de Egipto. Es aquí donde, en efecto, encontraron mejor acomodo para quedarse y donde surgió el flamenco, ese arte genuino tan típicamente español que ellos han llevado por el mundo con tanto tronío y tanto éxito. Tanto, que todos tenemos ya un poco de flamencos aunque no lo sepamos expresar con igual maestría.
El homenaje a ambas mujeres subrayaba precisamente esta unidad entre la cultura de la India y la flamenca, surgida España, poniendo de relieve al mismo tiempo los lazos y las diferencias a que el arte, flamenco o no, da lugar en cada país. Hubo danzas indias interpretadas por Tandava danza y el Dúo de las Flores, grupos ambos españoles, y faltó lo flamenco propiamente, con aquellas dos figuras señeras en la sala, aunque no era el caso. Micaela Flores, la polifacética Chunga, es actualmente pintora de éxito, pero antes ha trabajado con Pastora Imperio y, apoyada por Ava Gardner, ha intervenido en filmes de Hollywood; y Cristina Hoyos, embajadora de Andalucía, ha sido premiada por su filme Carmen y Gran Medalla del Ayuntamiento de Paris. Casualmente, ninguna de las dos mujeres ha puesto el pie en la India, tema que tienen pendiente y que no pueden echar en el olvido, tal como queda apalabrado y dicho.
Otro galardón fue para Casa Asia y otro para la Comunidad Gitana en España por su apoyo incondicional a la Muestra. Además, estuvieron presentes las siguientes artistas y creadores en general: Menen Gras, Indira, Farad Hamid, Lucía Hoyos, Mapi Delgado y Antonio Saura hijo.
En el Salón de Actos del Ateneo de Madrid, se celebró el sábado, 29 de mayo, la Gala de Clausura de la IX Semana de cine de la India (Imagineindia). Un título que año a año amplía su espectro, extendiéndose cada vez más hacia cinematografías de otros países de Asia como Thailandia, China y Corea, o de Europa, con especial interés hacia el cine ruso, e incluso llegó a mostrar películas de Australia, tal como pudimos ver en Casa Asia, uno de los escenarios ya habituales de la Muestra. Hay que decir que como todo acontecimiento de relieve, que quiere abarcar muchasy variadas facetas, Imagineindia 2010 tuvo también sus fallos, uno de ellos fue el sustituir en algún caso la película programada (Charulata) por un documental (Santones y yoguis de La India).
Me asombró, por otra parte, la extrema violencia de algunos largometrajes inspirados en luchas religiosas y raciales. Si tenemos en cuenta que están basados en hechos reales, esa violencia sin complejos pone los pelos de punta. Firaaq, la cinta ganadora del certamen es paradigmática de lo que digo. Una violencia que no sólo se ve sino que se palpa y lo invade todo: Si en esas circunstancias llaman a tu puerta una noche, sabes que no es el lechero. A esa violencai me refiero, y a la delación, y al rechazo social. Una violencia tan extremadamente brutal que, sin embargo, no excluye la extrema belleza, sobre todo de las mujeres, protagonistas y víctimas en su mayor parte de estas tragedias entre clanes, pero también de los paisajes, como pudimos ver en la cinta titulada Kandahar. Estas guerras de religión que, no sólo en la India sino en todas partes donde se producen, son en realidad luchas de poder, puesto que en el fondo esconden el móvil de la avaricia y también el de la lujuria, tienen como principales víctimas a las mujeres. Ellas, como portadoras del honor familiar, deben defenderlo con la vida y si lo pierden, también han de pagarlo con la vida. Triste destino. Pues bien, su belleza y su elegancia innata es algo que parece inalterable e intangible. Sus rasgos, sí, pero sobre todo sus gestos, su porte aristocrático en medio de las tareas domésticas y que no pierden ni siquiera camino del martirio, sobrecoge.
DOS MUJERES ESPAÑOLAS PROTAGONISTAS DE LA GALA DE CLAUSURA
Pero la Gala de Clausura tuvo lugar en el Ateneo de Madrid y en ella hay que destacar el homenaje que se rindió a dos figuras destacadas del flamenco, Micaela Flores "La Chunga" y Cristina Hoyos.
A nadie se le escapa ya que los gitanos proceden de la India, de donde salieron por cualesquiera razones hace ya muchos siglos y que, después de atravesar toda Asia y parte de Europa, llegaron a España procedentes de Egipto. Es aquí donde, en efecto, encontraron mejor acomodo para quedarse y donde surgió el flamenco, ese arte genuino tan típicamente español que ellos han llevado por el mundo con tanto tronío y tanto éxito. Tanto, que todos tenemos ya un poco de flamencos aunque no lo sepamos expresar con igual maestría.
El homenaje a ambas mujeres subrayaba precisamente esta unidad entre la cultura de la India y la flamenca, surgida España, poniendo de relieve al mismo tiempo los lazos y las diferencias a que el arte, flamenco o no, da lugar en cada país. Hubo danzas indias interpretadas por Tandava danza y el Dúo de las Flores, grupos ambos españoles, y faltó lo flamenco propiamente, con aquellas dos figuras señeras en la sala, aunque no era el caso. Micaela Flores, la polifacética Chunga, es actualmente pintora de éxito, pero antes ha trabajado con Pastora Imperio y, apoyada por Ava Gardner, ha intervenido en filmes de Hollywood; y Cristina Hoyos, embajadora de Andalucía, ha sido premiada por su filme Carmen y Gran Medalla del Ayuntamiento de Paris. Casualmente, ninguna de las dos mujeres ha puesto el pie en la India, tema que tienen pendiente y que no pueden echar en el olvido, tal como queda apalabrado y dicho.
Otro galardón fue para Casa Asia y otro para la Comunidad Gitana en España por su apoyo incondicional a la Muestra. Además, estuvieron presentes las siguientes artistas y creadores en general: Menen Gras, Indira, Farad Hamid, Lucía Hoyos, Mapi Delgado y Antonio Saura hijo.
lunes, 24 de mayo de 2010
Pakistán
Viernes 21 de mayo a las 17.00 h: Khamoshi Pani Dir: Sabiha Sumar. Año: 2003. País: Pakistán. Duración: 99min. VOSEViernes 21 de mayo a las 19.15 h: GulaalDir: Anurag Kashyap. Año: 2009. País: India. Duración: 140min.
Dos pelis de Imagineindia, en casa Asia, terribles cual a cual más, aunque distintas entre sí. La primera basada en una h real, presenta una sit idílica de una madre que ama a su hijo cuyo padre ya murió. El niño es tan especial para ella, es bello tiene novia. De repente, empiezan a preduicar la g santa contra los sijs a los que han expulsado de al región hace años, exactamente loq ue t el hijo. Éste cae en manos de integristas qu ele comen el tarro, no quiere ver a la novia, se vuelve huraño y vilolento; por otra parte, el que no comulgue con ellos, se tiene que ir de allí, la vida es imposible para el que no piense como ellos. Llegan siijs a un santuario en peregrinación y uno de ellos llega buscando a la madre, con la foto de ella en un camafeo, ella es siij: las mujeres fueron obligadas a aroojarse a un pozo para evitar la violación cuando la conquista y el destierro, pero ella escapó, ahora el padre quiere verla para morir en paz. El hijo al entererse de que su madre es siij, se sume en la amargura y el resentimiento, le exigen más que a los otros, que sea más integrista que ellos al ser hijo de. Ella, que había huido del pozo, acaba por arrojarse a él como única salida.
La otra es de una violencia que dice refleja la de algunas ciudades indias. Es en la Universidad y empieza con novatadas, pero hay clanes que la extienden fuera. No queda ni el apunatdor. En muchoas casos es gratuita, otra es mafiosa, quieren el poder y es imposible no sucumbir, o a la corrupción, o a la violencia como única forma de respuesat
Dos pelis de Imagineindia, en casa Asia, terribles cual a cual más, aunque distintas entre sí. La primera basada en una h real, presenta una sit idílica de una madre que ama a su hijo cuyo padre ya murió. El niño es tan especial para ella, es bello tiene novia. De repente, empiezan a preduicar la g santa contra los sijs a los que han expulsado de al región hace años, exactamente loq ue t el hijo. Éste cae en manos de integristas qu ele comen el tarro, no quiere ver a la novia, se vuelve huraño y vilolento; por otra parte, el que no comulgue con ellos, se tiene que ir de allí, la vida es imposible para el que no piense como ellos. Llegan siijs a un santuario en peregrinación y uno de ellos llega buscando a la madre, con la foto de ella en un camafeo, ella es siij: las mujeres fueron obligadas a aroojarse a un pozo para evitar la violación cuando la conquista y el destierro, pero ella escapó, ahora el padre quiere verla para morir en paz. El hijo al entererse de que su madre es siij, se sume en la amargura y el resentimiento, le exigen más que a los otros, que sea más integrista que ellos al ser hijo de. Ella, que había huido del pozo, acaba por arrojarse a él como única salida.
La otra es de una violencia que dice refleja la de algunas ciudades indias. Es en la Universidad y empieza con novatadas, pero hay clanes que la extienden fuera. No queda ni el apunatdor. En muchoas casos es gratuita, otra es mafiosa, quieren el poder y es imposible no sucumbir, o a la corrupción, o a la violencia como única forma de respuesat
Felices dieciséis
FELICES DIECISÉIS
La película que así se titula, y que está dirigida por Ken Loach, podría llevar con toda propiedad el subtítulo SIN SALIDA A LOS DIECISÉIS, que es el que le pone con tod acierto el comentarista de Renoir.
Ken Loach fue escritor de culto para los jóvenes realizadores españoles de la última década, sobre todo para los que se empeñaban en reflejar los aspectos más crudos de la realidad: marginación, tráfico de drogas, situándolos en sus ambientes corres`pondientes, en general, al extrarradio de ciudades populosas... Sus libros de "cómo hice esto o aquello" se podían encontra en la FNAC y en los templos de la modernidad, no sé si se encuenbtran aún, porque ya sus discípulos fueron legión. Pero como dice el refrán "Benditos sean mis imitadores porque de ellos serán todos mis defectos", Ken Loach tiene una poesía que para mí sus imitadores no supieron copiar, o bien la realidad española no se prestaba a tales florituras. Me refiero a la belleza de las imágenes, a la de sus modelos tanto paisajísticos como humanos. No hay más que ver esta película para percibir que la cámara se recrea en las espaldas, en los cortes de pelo a navaja de los chavales no tocados por la droga pero a punto... al mismo tiempo que se posa con minuciosidad en los moratones de las peleas entre bandas que trafican... Y al fondo siempre, el paisaje, con el verde de un río, o de una ría puesto que se trata de astilleros desmantelados, que nos recuerdan más a ciertas ciudades del norte que a los extrarradios de Madrid.
En cuanto a los personajes y la trama, los de Ken Loach me recuerdan mucho los del teatro de Alonso de Santos: La estanquera de Vallecas, Bajarse al moro, Yonquis y yankees, Salvajes...Personajes escindidos entre un drama personal íntimo, que se justifica por la dureza del medio, y unos anhelos de pureza que llevan allá dentro, a veces guardaditos, muy guardaditos, tanto que casi no se les ve sino es por un chispazo ocasinal que les hace salir, es decir,Ken Loach hace lo mismo que hacía Alonso de Santos antes de dedicarse a dirigir Teatro Clásico: personajes desgarrados, que abrían el diálogo con un taco y lo acababan con un exabrupto, perdedores a los que sólo podía redimir el hecho de serlo, y los buenos,
Alonso de Santos se pasó al teatro clásico porque la veta del realismo cutre estaba ya agotada, e hizo bien: aquellos geranios escuchimizados que la abuela regaba como único afecto seguro en quien poner su vida, en espera de que el nieto regresara de su viaje a los infiernos y empezara a comportarse como un ser humano, ya no daban más de sí. La comedia clásica le ofrece otros mundos de poesía esculpida en que recrearse y descansar. Pero cuando haya descansado lo suficiente, volverá al drama realista y cutre. ¿Por qué? Porque hay que seguir repitiendo, aunque de momento parezca que nadie atiende. Pero también vendrá bien ensayar nuevas estéticas, tal vez se trata de cambiar la presentación para que un mensaje ya gastado surta de nuevo efecto, que es lo que hace Loach. Una estética diferente: en él la tragedia discurre en medio de un verde lujuriante, con vistas al río aunque los astilleros destartalados no inviten precisamente a recrearse en el paisaje... Pero Vallecas no tiene río, sólo una luz y un cielo al que asomarse subiendo a las azoteas, única huida.
Sabemos que el arte debe exagerar y hasta extrapolar intensificándolos los rasgos más sobresalientes de la realidad para hacerla creíble, empezando por la velicidad vertiginosa en que se suceden los acontecimientos y eso es lo más admirable de esta película. Pero sobre todo tiene la habilidad de hacer visibles unas realidades que transcurren en paralelo a otras completamente normales, y el espectador ve unas y otras en dramático contraste. Y esta porosidad la permite el cine más que el teatro, ese horror de mostrar realidades tan opuestas en los mismos escenarios que sólo ve en paralelo el espectador, mientras que ellos, los otros, se ignoran olímpicamente entre sí.
La película que así se titula, y que está dirigida por Ken Loach, podría llevar con toda propiedad el subtítulo SIN SALIDA A LOS DIECISÉIS, que es el que le pone con tod acierto el comentarista de Renoir.
Ken Loach fue escritor de culto para los jóvenes realizadores españoles de la última década, sobre todo para los que se empeñaban en reflejar los aspectos más crudos de la realidad: marginación, tráfico de drogas, situándolos en sus ambientes corres`pondientes, en general, al extrarradio de ciudades populosas... Sus libros de "cómo hice esto o aquello" se podían encontra en la FNAC y en los templos de la modernidad, no sé si se encuenbtran aún, porque ya sus discípulos fueron legión. Pero como dice el refrán "Benditos sean mis imitadores porque de ellos serán todos mis defectos", Ken Loach tiene una poesía que para mí sus imitadores no supieron copiar, o bien la realidad española no se prestaba a tales florituras. Me refiero a la belleza de las imágenes, a la de sus modelos tanto paisajísticos como humanos. No hay más que ver esta película para percibir que la cámara se recrea en las espaldas, en los cortes de pelo a navaja de los chavales no tocados por la droga pero a punto... al mismo tiempo que se posa con minuciosidad en los moratones de las peleas entre bandas que trafican... Y al fondo siempre, el paisaje, con el verde de un río, o de una ría puesto que se trata de astilleros desmantelados, que nos recuerdan más a ciertas ciudades del norte que a los extrarradios de Madrid.
En cuanto a los personajes y la trama, los de Ken Loach me recuerdan mucho los del teatro de Alonso de Santos: La estanquera de Vallecas, Bajarse al moro, Yonquis y yankees, Salvajes...Personajes escindidos entre un drama personal íntimo, que se justifica por la dureza del medio, y unos anhelos de pureza que llevan allá dentro, a veces guardaditos, muy guardaditos, tanto que casi no se les ve sino es por un chispazo ocasinal que les hace salir, es decir,Ken Loach hace lo mismo que hacía Alonso de Santos antes de dedicarse a dirigir Teatro Clásico: personajes desgarrados, que abrían el diálogo con un taco y lo acababan con un exabrupto, perdedores a los que sólo podía redimir el hecho de serlo, y los buenos,
Alonso de Santos se pasó al teatro clásico porque la veta del realismo cutre estaba ya agotada, e hizo bien: aquellos geranios escuchimizados que la abuela regaba como único afecto seguro en quien poner su vida, en espera de que el nieto regresara de su viaje a los infiernos y empezara a comportarse como un ser humano, ya no daban más de sí. La comedia clásica le ofrece otros mundos de poesía esculpida en que recrearse y descansar. Pero cuando haya descansado lo suficiente, volverá al drama realista y cutre. ¿Por qué? Porque hay que seguir repitiendo, aunque de momento parezca que nadie atiende. Pero también vendrá bien ensayar nuevas estéticas, tal vez se trata de cambiar la presentación para que un mensaje ya gastado surta de nuevo efecto, que es lo que hace Loach. Una estética diferente: en él la tragedia discurre en medio de un verde lujuriante, con vistas al río aunque los astilleros destartalados no inviten precisamente a recrearse en el paisaje... Pero Vallecas no tiene río, sólo una luz y un cielo al que asomarse subiendo a las azoteas, única huida.
Sabemos que el arte debe exagerar y hasta extrapolar intensificándolos los rasgos más sobresalientes de la realidad para hacerla creíble, empezando por la velicidad vertiginosa en que se suceden los acontecimientos y eso es lo más admirable de esta película. Pero sobre todo tiene la habilidad de hacer visibles unas realidades que transcurren en paralelo a otras completamente normales, y el espectador ve unas y otras en dramático contraste. Y esta porosidad la permite el cine más que el teatro, ese horror de mostrar realidades tan opuestas en los mismos escenarios que sólo ve en paralelo el espectador, mientras que ellos, los otros, se ignoran olímpicamente entre sí.
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