Regreso a casa, los tiempos del cólera chino?

Producida por los mejores profesionales del cine chino actual, Regreso a Casa- Coming Home es el retorno a los dramas humanos íntimos del director Zhang Yimou, el cineasta que ha cosechado los mayores éxitos de la última década en China con películas como La casa de las dagas voladoras, Amor bajo el espino blanco o Sorgo Rojo. La película parte del contexto sociopolítico de la Revolución Cultural China (1966- 1976) para desembocar en una historia de sentimientos y de amor, en la que el  pasado se presenta como un elemento que condiciona enormemente las relaciones familiares del presente.    El realizador vuelve a reunirse en su vigésima película con los aclamados actores  Chen Daoming (Héroe, Confucio) y Gong Li (Memorias de una geisha, 2046, Adiós a mi concubina) quienes protagonizan esta especial historia de amor forjada en los recuerdos, en la que la obstinación y fidelidad de la pareja harán perdurar un amor de juventud hasta el final de sus vidas. La joven Zhang Huiwen, galardonada como mejor actriz revelación en los Premios del Cine Asiático por su trabajo en esta película, completa el estelar reparto de la película de Zhang Yimou. Regreso a Casa- Coming Home, excelentemente acogida por la crítica internacional, participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes y optó al premio a mejor película en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Sinopsis: Lu Yanshi y Feng Wanyu forman una pareja muy unida, pero deben separarse cuando detienen a Lu y le mandan a un campo de trabajo como preso político justo cuando su esposa tiene un accidente grave. Al ser liberado al final de la Revolución Cultural, regresa a casa y descubre que su amada esposa sufre de amnesia y apenas recuerda nada del pasado. No reconoce a Lu y sigue esperando el regreso de su marido. Convertido en un extraño en el seno de su familia, Lu decide hacer resurgir el pasado y despertar la memoria de su esposa.

Julian Barnes, entrevistado en El País a propósito de su novela El ruido del tiempo, sobre Shostakovich

Julian Barnes: “Los monstruos del siglo XX se comieron a los héroes” El autor publica ‘El ruido del tiempo’, sobre la trágica historia del compositor Dimitri ShostakóvichShostakóvich“Los británicos siempre hemos sido los malos europeos”, dice sobre el Brexit Londres 31 JUL 2016 - 00:01 CEST [image: El escritor Julian Barnes, en Edimburgo, en agosto de 2015.] El escritor Julian Barnes, en Edimburgo, en agosto de 2015. Roberto Ricciuti Getty Images El 28 de enero de 1936, dos días después de que Stalin abandonara una representación de la ópera *Lady Macbeth de Mtsensk*, el *Pravda* publicó un editorial que constituye quizá la más aterradora crítica musical del siglo XX. La abundancia de errores gramaticales hizo sospechar a muchos que era el propio Stalin quien lo había escrito: nadie habría osado corregir al dictador. La reseña cambió para siempre la vida del autor de la ópera, un Dimitri Shostakóvich de 29 años, cuyo trabajo había cosechado un reconocimiento internacional que aquel día se volvió contra él. Ese texto podía significar un billete a Siberia o a la tumba. MÁS INFORMACIÓN - “Eso de que lo que no te mata te hace más fuerte es una gilipollez” - Todo sobre Barnes, en EL PAÍS - Duelo y vuelo: puro Barnes - Shostakóvich, entre el arte y el poder *El ruido del tiempo* (Anagrama), la última novela de Julian Barnes , empieza de madrugada en el rellano de una escalera. Shostakóvich apura nervioso su quinto cigarrillo con el abrigo puesto y una pequeña maleta a los pies, esperando a una policía política que nunca llegaría. Prefiere aguardar a las puertas del apartamento en el que su hija duerme y su mujer finge dormir, con la esperanza de que, si lo encuentran fuera, no entrarán a por ellas. Shostakóvich sobrevivió, siguiendo los dictados del poder, adaptando su arte a la estética oficial. Se convirtió en uno de los más grandes compositores del siglo XX, a costa de una parte de su dignidad . Su historia es un brutal ejemplo de los juegos entre el poder y el arte que Julian Barnes, a sus 70 años (Leicester, 1946), ha decidido abordar con la libertad de un novelista y sin los corsés de un biógrafo. Recibe a EL PAÍS en su casa del norte de Londres. Un hogar en el que uno se perdería curioseando entre libros y recuerdos, que se antoja grande para un hombre solo. Su esposa, la agente literaria Pat Kavanagh, falleció en 2008. La entrevista se produce unos días antes de que los británicos decidieran abandonar la Unión Europea, un desenlace que no esperaba, pero temía, un eurófilo como Barnes. No fui feliz en mi piel hasta que me convertí en escritor” *Pregunta.* Su admirado Flaubert dijo que los protagonistas de las novelas no deben ser monstruos ni héroes. ¿Habría aprobado la elección de un personaje como Shostakóvich? *Respuesta.* Es gracioso que utilice esa cita, porque cuando empecé a pensar en el libro iba a utilizarla yo. Él decía que la ficción debe reflejar los tiempos modernos, y que ya habían pasado los días de héroes y monstruos. Mi intención era que el narrador del libro explicara que en el siglo XX los monstruos volvieron y se comieron a los héroes, así que no quedaron héroes, solo monstruos y gente comprometida. Luego pensé que era demasiado didáctico, más apropiado para un artículo que para una novela. *P.* ¿Fue Shostakóvich un cobarde? En el siglo XX los monstruos se comieron a los héroes" *R.* Yo creo que fue todo lo heroico que pudo ser, dadas las circunstancias. Si quieres ser un héroe en la Rusia de Stalin, mueres. Tu familia y tus colegas también. Es más fácil ser un héroe, lo difícil es ser cobarde. Para ser un héroe solo tienes que serlo una vez. Cobarde debes serlo cada día. *P.* ¿Es necesario acomodarse al poder para sobrevivir como artista? *R.* Depende de la naturaleza del Estado. Creo que Shostakóvich es el compositor, en la historia de la música occidental, que más y durante más tiempo ha vivido bajo presión. En general, los compositores llevan una vida tranquila. Y hoy como escritor, en un país occidental, las únicas presiones son las de no tener dinero o lectores suficientes. O las presiones del éxito o el fracaso. Mi primer libro fue prohibido en Sudáfrica y *El sentido de un final* se prohibió en Irán. No me ha costado mucho dinero, y tampoco significa que no pueda viajar a esos países. *P.* Comparte con Shostakóvich el miedo a la muerte. Dijo que cada día, desde los 13 años, piensa un poco en ella. *R.* Oh, sí. Lo hago. Todo el mundo debería hacerlo. Creo, como Montaigne, que debemos pensar en la muerte cada día. Nos ayuda a entender la vida. *P.* ¿Cómo ve el momento que vive su país? *R.* Terrible. El referéndum sobre Europa vino de ninguna parte. Fue una promesa de Cameron para comprar a sus diputados y no pensaba que iba a ganar las elecciones. Subestimamos el extremo hasta el que nos castigarán los europeos, y con razón. Siempre hemos sido los malos europeos. Hemos sido el niño travieso en la última fila tirándose pedos. *P.* Tras 40 años de carrera, ¿le sigue proporcionando el mismo placer escribir? *R.* Más, si cabe, porque sé mejor lo que estoy haciendo. Cometo grandes errores, pero estoy menos ansioso y me proporciona la misma emoción. Por eso sigo haciendo periodismo también: me encanta escribir algo y que la gente me diga lo que piensa inmediatamente, sin esperar meses. No me sentí feliz en mi piel hasta que me convertí en escritor, cuando era un treintañero. Pensé: esto es para lo que estoy hecho. Este es mi negocio. Este es mi placer. Esto es lo que soy. *P.* Vuelve a dedicar su libro a su esposa. ¿La echa de menos? *R.* Mucho. Mis libros son para ella. Todavía escribo para ella. Siempre fue mi primera lectora. *P.* ¿Qué cosas le hacen feliz? R. Ser capaz de publicar libros que interesen al público. La semana pasada recibí una carta desde Hong Kong de una mujer que me daba las gracias porque mi libro *Niveles de vida* le había salvado la vida. Porque vio expuesta la verdad sobre la pérdida de un ser querido. Se dio cuenta de que es normal estar enfadado, que es normal que la gente no entendiera y no dijera lo adecuado. Sería una exageración, pero te pellizca el corazón y te anima a seguir escribiendo.

El viejo celoso y Las Cervantas en Almagro

Dos obras que se representarán los días 15 y 16 de julio Las Cervantas y El Viejo Celoso de estreno en Almagro ​ El Viejo Celoso, una pieza de trasfondo cervantino a la manera de la comedia del arte Las Cervantas, sobre la historia de las ilustradas hermanas del autor ​

Almagro, 15 de julio de 2016 Natalia Menéndez, directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ha presentado los espectáculos El viejo celoso y Las Cervantas, ambos ambientados en el universo literario del autor del Quijote. El viejo celoso es un estreno absoluto fruto de la colaboración entre la compañía Veneziainsccena y la compañía Reymala, escrito y dirigido por Adriano Iurissevich. Está inspirado en el entremés de Cervantes e interpretado en español e italiano en forma de comedia del arte. Durante la presentación, Iurissevich ha reconocido un especial cariño a la localidad manchega “es un honor enorme estar en Almagro, fue el principio de mi carrera teatral y fue el punto de partida de mi relación con España. Por eso volver siempre es especial.” La representación de El viejo celoso tendrá lugar en la Antigua Universidad Renacentista los días 15 y 16 de julio a las 20 horas. Ambientada en la biografía del autor del Quijote, Las Cervantas es una coproducción entre DD&Company Producciones EscénaTe y el Festival de Almagro.  Como explica el director Fernando Soto “la obra parte del hecho histórico de la aparición de un hombre muerto en la puerta de la casa de las hermanas de Cervantes. Se intenta inculpar a estas mujeres como tapadera para el asesinato que comete un noble. Cervantes permite la reflexión a nivel antropológico y a nivel político también, como diciendo: señores ustedes son los responsables y los que tienen que levantar la alfombra y limpiar debajo”. Las Cervantas se representará los días 15 y 16 de julio en el Corral de Comedias.

Sánchez Ferlosio por Arcadi Espada El Mundo agosto 16

http://www.elmundo.es/cultura/2016/07/31/579cdd4c468aeb351f8b4660.html

El 39 Festival de Almagro se consolida como referente mundial (Culturproject)

NOTA DE PRENSA El 39 Festival de Almagro se consolida como referente mundial con unos datos excepcionales     Natalia Menéndez resalta la importante labor realizada en esta edición sobre la figura de Cervantes en el IV Centenario de su muerte El porcentaje de ocupación alcanza el 96,7%, la mejor cifra de los últimos años Unas 60.000 personas han visitado Almagro durante los veinticinco días de festival The New York Times, Le Monde o Notimex se han hecho eco de la cita, superando la presencia mediática nacional e internacional los 2.300 impactos

Almagro, 2 agosto de 2016 El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro baja el telón de su 39 edición con unos datos que demuestran el éxito categórico de la cita. Con una programación dedicada a Miguel de Cervantes en el IV Centenario de su muerte, el festival se ha vertebrado en torno a tres líneas dramatúrgicas: el valor de la dignidad humana, la búsqueda sobre el origen del mal y la reflexión sobre la mujer y su papel en la sociedad. En la rueda de prensa que ha tenido lugar en el Palacio de Valdeparaíso, Natalia Menéndez, directora del festival, ha celebrado las cifras de esta edición, las mejores de los últimos años: durante 25 días, del 7 al 31 de julio, más de 60.000 visitantes y espectadores se han acercado a Almagro, alcanzando el festival un rotundo 96,7% de ocupación frente al 96,5% de la edición pasada. Se han vendido 26.498 entradas, 1.541 más respecto a 2015, con una recaudación en taquilla de 544.932,80 euros frente a los 491.713,40 euros recaudados el año pasado. La presencia mediática supera los 2.300 impactos, cuya valoración económica equivaldría a una campaña publicitaria de 6.250.000 euros. Además, y por primera vez, medios internacionales de la talla de The New York Times, Le Monde y Notimex han mostrado su interés por la cita, enviando a sus corresponsales a vivir en primera persona esta experiencia escénica. Más de 10.000 personas han disfrutado de los espectáculos en la Plaza Mayor o el Teatro en los Barrios. Las exposiciones han reunido a más de 15.500 visitantes; 425 personas han asistido a los cursos; 55 a los encuentros; y 32 voluntarios y 5 personas en prácticas han colaborado con el festival. La ocupación hotelera ha sido del 98,16% los viernes y sábados; y del 64% de domingo a jueves. Esta 39 edición ha contado con un total de 101 representaciones a cargo de 52 compañías. De éstas, 36 han sido españolas llegadas de once comunidades autónomas (Madrid, Canarias, Andalucía, Castilla-La Mancha, Aragón, Castilla y León, Extremadura, Comunidad Valenciana, País Vasco, Cataluña y Murcia) y 12 internacionales (Reino Unido, Francia, Italia, Grecia, Portugal, México, Uruguay, Polonia, Brasil e India, país este último Invitado de Honor). Los clásicos, espejo para la superación personal y social “La cultura es, junto al amor, la herramienta que nos aleja de la manipulación social” ha afirmado Natalia Menéndez. “Tanto la cultura como el amor deben luchar contra enormes gigantes que se empeñan en mantenernos sumidos en lo gris, en la banalidad, en el utilitarismo. Con el teatro confrontamos el bien y el mal, alumbramos la parte oscura para reivindicar la luz, para apostar por un mundo mejor. Con los clásicos constatamos que la dignidad humana es una conquista diaria, que no debemos perder de vista ni un solo instante. Los clásicos nos alimentan porque son hoy. ¿Hasta cuándo vamos a tener que decir que el uso que hacemos de los clásicos es para hablar con imaginación de cuestiones capitales de hoy?”. Almagro, punto de encuentro de creadores y espectadores Para Natalia Menéndez, el Festival de Almagro se ha convertido en un paraíso de voces que claman por la justicia, la honradez y la igualdad, que reflexionan acerca de la condición humana. “El festival apuesta por la belleza”, ha dicho, resaltando también el “valor de la creación como sentido de nuestra existencia”. Porque “los creadores escénicos y plásticos se han puesto de acuerdo en aportarnos reflexión y claridad, nos han guiado para mejorar este mundo tan desigual. Estos creadores y poetas son un claro ejemplo de que se puede avanzar, aportar y construir en equipo. Exige un esfuerzo de diálogo, no es fácil buscar el acuerdo, pero el resultado existe, esta edición lo avala”. Y ha concluido: “El encuentro del espectador con la obra es único e intenso. Esta manera de mirar es distinta a la que se tiene todos los días, se deja de lado el utilitarismo y uno se queda quieto observando, entendiendo, sintiendo algo diferente a nuestro cotidiano, que no se ha sentido por uno mismo, para ser más que uno mismo. Al salir de la obra, tal vez, nos convirtamos en Don Quijotes, disfrazados de Alonsos Quijano”. Una edición con grandes nombres Grandes nombres han marcado esta edición. Hombres y mujeres de la escena como Concha Velasco, galardonada con el 16º Premio Corral de Comedias, o el homenajeado José Nieto; títulos como Celestina, El Alcalde de Zalamea o Ricardo III; grandes directores y dramaturgos como José Luis Gómez, Steven Berkoff, Ignacio García, Miguel del Arco, Helena Pimenta, Eduardo Vasco, Ana Zamora, Yayo Cáceres, José Carlos Martínez, Laila Ripoll, Denis Rafter, Yolanda Pallín, José Ramón Fernández, Fernando J. López, Inma Chacón o Álvaro Tato; grandes actores y actrices como Concha Velasco, José Luís Gómez, Carmelo Gómez, El Brujo, Joaquín Notario, Pepa Pedroche, Israel Elejalde o Arturo Querejeta. De las producciones que se han representado durante las cuatro semanas de festival, 16 han sido estrenos, nueve absolutos y siete nacionales. Grandes nombres al servicio de la creación escénica, articulada en esta ocasión en torno al valor de la dignidad humana (en piezas como Kijote Kathakali, La suite Don Quijote de la CND, Quijote en la patera, Quijote, el vértigo de Sancho, Quixote, El cerco de Numancia, El viejo celoso o El licenciado vidriera), la búsqueda sobre el origen del mal (Ricardo III, Hamlet, La conquista de Jerusalén, Shakespeare´s Villains o Malvados de Oro, esta última estreno y coproducción del Festival) y la reflexión sobre la mujer (Las Cervantas, Mujeres cervantinas, Cervantina, El celoso extremeño, El viejo celoso, Harpías en Madrid y Reina Juana). India, país invitado de honor La aportación de la India como País Invitado de Honor quedará en la memoria sensitiva de los espectadores con el estreno absoluto, coproducción del Festival, de Kijote Kathakali, un Don Quijote de Kerala. Menéndez ha destacado sobre la pieza: “uno de los más extraordinarios montajes de esta edición por el valioso viaje de ida y vuelta: a nosotros nos ha permitido valorar esta técnica, el Kathakali, Patrimonio de la Humanidad; y a la compañía india Margi Kathakali, gracias a la dirección de Ignacio García, le ha supuesto abrir sus fronteras con respecto a su técnica, tanto en el planteamiento escénico como en el argumental”. Compañía Nacional de Teatro Clásico La CNTC ha presentado tres espectáculos: El Alcalde de Zalamea; La villana de Getafe, de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico que, por primera vez, se ha programado en el Hospital San Juan; y Pedro de Urdemalas, a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico 2, con dirección de Denis Rafter en el Corral de Comedias. Con ambos repartos de la JCNTC se ha clausurado esta 39ª edición. Almagro Off y Barroco Infantil, un compromiso con las nuevas audiencias Una de las mayores apuestas por parte de la organización del Festival sigue siendo Almagro Off. Esta sexta edición la iniciativa se ha consolidado como plataforma de creación y exhibición para jóvenes directores de escena como da muestra la buena recepción por parte del público. Formado por Elena Schaposnik, Igor Lozada, Antonio Ripoll, Charlotte Orti y Natalia Menéndez, el jurado decidió por mayoría que la pieza ganadora este año fuese Perra Vida, dirigida por José Padilla, una versión de El casamiento engañoso de Cervantes. El jurado otorgó también dos menciones especiales a Iliria, con dirección de Juan Ceacero y dramaturgia de Denise Despeyroux; y a Verona, con dramaturgia de Javier Sahuquillo y Jorge García Val. En el afán porque los jóvenes creadores traspasen fronteras y exporten sus creaciones, se han conseguido los siguientes acuerdos: Perra vida, ganador del VI Almagro Off, se podrá ver el 19 de agosto en el Centro Niemeyer y viajará a Ciudad de México en octubre de 2017 al II Encuentro de Teatro Clásico de México. Además será incluido en el catálogo de la AECID y en el catálogo del Instituto Cervantes. El espectáculo Rosaura realizará una gira en centros universitarios y preparatorios de Guadalajara (México) y el espectáculo Iliria tendrá la oportunidad de realizar una residencia del equipo creativo (director y dramaturgo) en el 2º encuentro del próximo año en Guadalajara (México). En cuanto al Barroco Infantil, se ha vuelto a propiciar la convivencia de grandes y pequeños en torno al Siglo de Oro a través de cuentos, fábulas, danza y música. El jurado estuvo formado por los niños Alonso Sánchez, Celia Lozano y Lorenzo Romero, acompañados de los profesionales Guadalupe Tempestini, Tomás Afán y Teresa Pérez-Prat. Se decidió que la obra ganadora fuese Quijote, el vértigo de Sancho de la Compañía Markeliñe Teatro. Además, se hizo tres menciones especiales a los espectáculos: Don Quijote en la Patera, del Teatro Clásico de Sevilla, Y los sueños sueños son, de las Cías Tropos y La Tirita Teatro y Qué con Quique V de las Cías Cabaret Misterio y Efetres. After Classics se consolida en su segunda edición Los trasnochadores disfrutaron este año con dos coproducciones y estrenos absolutos del Festival: Double Bach y Malvados de Oro; la pieza Clásicas envidiosas cerró el Patio de Fúcares. Un crisol artístico: rap, comic y arte urbano Esta edición se define por una amplia muestra cultural, una suma de expresiones artísticas reflejadas en la música contemporánea, el pop, el rap, la danza clásica y contemporánea, la videocreación, la fotografía, la ilustración, el cómic y el arte urbano. En cuanto a este último, el artista Zësar Bahamonte ha plasmado su particular visión de El licenciado vidriera en el Instituto Clavero Fernández de Córdoba, dejando una huella cervantina que perdurará en el tiempo y convivirá con los jóvenes almagreños. Teatro Accesible Se ha vuelto a poner en marcha un ‘Festival accesible’: acceso para personas con movilidad reducida en todos los espacios; sistema de audiodescripción para personas con discapacidad visual; bucle magnético, amplificación de sonido y sistema de sobretitulado para personas con discapacidad auditiva. Compromiso docente y encuentros El Festival ha vuelto a asumir un firme compromiso de formación ofreciendo un amplio abanico de jornadas, cursos y talleres paralelos a la programación. La Universidad de Castilla La Mancha organiza las XXXIX Jornadas de Teatro Clásico de Almagro; El teatro en tiempos de Isabel y Juana; el Festival de Almagro también ha organizado un año más el taller para profesionales: El camino del verso impartido por Vicente Fuentes. Por último, entre los días 28 y 30 de julio se desarrollaron las Jornadas FETE – UGT Teatro y Educación: Teatro y Educación con nombre de mujer. También se ha celebrado el IV Encuentro de Críticos Teatrales; el IV Encuentro Internacional de Gestión Teatral; y el II Encuentro Internacional de Blogueros Teatrales, además de una Clase Magistral impartida por Steven Berkoff. Un total de 425 personas han participado en los cursos. Exposiciones En la iglesia de San Agustín se mostró la exposición Escenificando a Cervantes, organizada y comisariada  por el Museo Nacional del Teatro. La exposición ha reunido a un total de 5.543 personas. En el Espacio de Arte Contemporáneo de Almagro se han podido ver gracias a la colaboración de AC/E: Miguel En Cervantes, comisariada por I con I ,y Miguel de Cervantes o el deseo de vivir, del fotógrafo José Manuel Navia, visitadas por 1.970 personas. Recortando a Cervantes, exposición realizada por la Fundación del Festival en colaboración con el Centro Nacional de Innovación e Investigación Educativa y la Fundación Biblioteca Virtual Cervantes, ha hecho disfrutar a miles de jóvenes y mayores en la Plaza Mayor de Almagro. En el Palacio de Fúcares se pudo apreciar la exposición Cervantes a voces, un canto a la libertad interpretado por 82 actrices y actores en 52 lenguas distintas del fragmento cervantino de Sancho. Fue visitada por 2.706 personas. Y el Refectorio de los Dominicos, extraordinario espacio recuperado para esta 39 edición gracias a la labor del Ayuntamiento de Almagro, ha acogido la exposición que conmemoraba los 30 años de la Compañía Nacional de Teatro Clásico comisariada por Andrés Pelaez que ha sido visitada por 1.970 personas. Un total de 15.586 visitantes disfrutaron de las exposiciones. El Festival en los medios La repercusión en medios de comunicación – prensa escrita, radio, televisión y medios ‘on line’ – ha vuelto a mejorar respecto al año anterior: de 2000 impactos en 2015, se han superado los 2.300 en 2016. Se han obtenido más de 255.000.000 de audiencia entre espectadores, oyentes y lectores. Si el espacio ocupado en los medios fuese publicidad equivaldría a una campaña de 6.250.000€. Festival 3.0 Este año la web del Festival de Almagro ha recibido un total de 545.756 visitas. La media de visitas diarias a la web durante el Festival ha sido de 6.177. A su vez, en Facebook se ha contado con un total de 14.578 seguidores, alcanzando a más de 241.652 usuarios.  En Twitter, por otra parte, el festival cuenta con un total de 11.726 seguidores. Hemos alcanzado con el hashtag #Almagro39 a 269.156 usuarios y con #Cervantes en rap, la cifra de 8.240.520 usuarios. A lo largo de los 25 días del Festival, se han sumado un total de 30.052 reproducciones de Youtube, subiendo un total de 106 vídeos al canal oficial. En cuanto a Flickr, se han contabilizado un total de 150.060 clicks, subiéndose un total de 1337 fotos a la galería. Personal contratado y voluntarios Se ha contratado un total de 120 personas, de las cuales, un 72,36% son de Castilla La Mancha. El Festival de Almagro ha contado con la colaboración de 32 voluntarios, de edades comprendidas entre los 18 y los 61 años. Su procedencia es variada: Castilla La Mancha, Madrid, Comunidad Valenciana, Castilla y León, Cantabria, Andalucía, Asturias, Venezuela e Italia. Descuentos Un total de 5.933 personas se han beneficiado de los descuentos oficiales (1.398 más que en la pasada edición), un 19% respecto al total de entradas vendidas. En concreto, se trata de 4927 entradas para grupos, 611 para mayores de 65 años, 206 para menores de 21 años y 189 para desempleados. Datos de ocupación hotelera La ocupación hotelera total (hoteles, casas rurales y hostales) ha sido del 98,16% los viernes y sábados; y del 64% de domingo a jueves. Estos datos han sido suministrados por un total de 11 establecimientos hoteleros.

El caso Fischer. 12 de agosto

 

 Las paranoias del héroe, nada infundadas, por cierto, acabaron convirtiéndolo en un marginal y dieron con él en el anonimato (buscado) y en una muerte prematura. De niño mimado por madre superprotectora, a héroe y de ahí a la marginalidad.

 EL CASO FISCHER (“Pawn Sacrifice”) Biopic sobre el mítico jugador de ajedrez Bobby Fischer y su enfrentamiento con el maestro ruso Boris Spassky, en Reikiavik en 1972 la película se estrenará el 12 de agosto. En plena Guerra Fría, este duelo cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes y fue calificado como la “Partida del Siglo”. En Reikiavik se enfrentaron dos formas antagonistas de entender el ajedrez, la política y la vida.

Con guión de Stephen Knight (“Promesas del este”, “Un viaje de diez metros”), EL CASO FISCHER está dirigida por Edward Zwick, el realizador de títulos tan populares como “Tiempos de gloria”, “Leyendas de pasión”, “Estado de sitio”, “El último samurái”, “Diamante de Sangre”, “Resistencia” y la secuela de Jack Reacher.

La cinta cuenta con Tobey Maguire (“Spider-man”, “El gran Gatsby”) en el papel de Bobby Fischer, Liev Schreiber (“Spotlight”, la serie “Ray Donovan”, “Los últimos días en Marte”) en el papel de Boris Spassky y Peter Sarsgaard (“La Huérfana”, “An Education”).

                         
Sinopsis En 1972, en plena Guerra Fría, el campeonato mundial de ajedrez cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes. El enfrentamiento en Reikiavik entre el mítico jugador norteamericano Bobby Fischer y el campeón soviético Boris Spassky fue más allá de la pura competición, calificándose como la “Partida del Siglo”.

"Pawn Sacrifice" (El sacrificio del peón) narra la historia de la preparación y del legendario enfrentamiento por el campeonato del mundo entre Bobby Fischer, campeón de ajedrez norteamericano, y el campeón soviético Boris Spassky. El duelo, que tuvo lugar en 1972, en plena Guerra Fría, fue mucho más que un conjunto de partidas para conquistar un campeonato; captó la atención televisada de todo el mundo.
Muy buena, se sufre.

José Nieto, primer músico homenajeado por el Festival de Ammagro (Culturproject)

NOTA DE PRENSA José Nieto, primer músico homenajeado por el Festival de Almagro - El galardón reconoce la aportación al teatro del también prestigioso compositor

Almagro, 29 de julio de 2016 Natalia Menéndez, directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, presentó anoche la gala homenaje al músico y compositor José Nieto, en el marco de la 39ª edición del festival: “Empezaste a finales de los 50 tocando la batería y colaborando como arreglista para cantantes como Julio Iglesias o Massiel… Te caracterizas por tu facilidad para los idiomas y por ser un gran conversador. Entiendes la creación como un artesano y defiendes tu oficio con tenacidad. Además, eres un gran aficionado al teatro con debilidad por los espectáculos en inglés”. José Nieto agradeció las palabras de cariño a los invitados reunidos en el claustro del Museo del Teatro, comenzando por un recordatorio a las autoridades: “La cultura hace libres a los pueblos, no lo olviden… He estado toda mi vida aprendiendo de la gente. El contacto con los alumnos me ha enseñado muchísimo, por lo que si alguien puede decir que ha aprendido algo de mí, ha sido cuanto menos ‘un toma y daca’. Durante toda mi vida profesional he tenido un amor casi secreto por el teatro, porque el teatro es una actividad casi clandestina. Las experiencias más enriquecedoras y vitales para mí han girado en torno a la creación de una obra de teatro. Ver como el verso empieza a trabajarse y como los actores comienzan a desaparecer tras los personajes que se apoderan de ellos es muy emocionante. Es muy especial para mí que este premio venga de una actividad casi secreta o clandestina de mi vida como es el teatro”. Invitados como el bailarín, coreógrafo y director artístico José Antonio Ruiz evocaron cariñosamente su primer contacto con el compositor: “Allá por el año 73 yo estaba haciendo el servicio militar y  un amigo muy querido llamado Ángel falleció en un accidente de tráfico. Ángel iba a estrenar el ballet antología en el teatro de la Zarzuela y el director me llamó porque necesitaban sustituirlo. Pocos meses después en un ensayo se nos puso una música y sentí que se podía ser compositor en español­ sin caer en tópicos y con una visión muy contemporánea. La música se llamaba homenaje a Ángel García, compuesto por José Nieto. Después empezamos a trabajar juntos y desde entonces la luz y el apoyo de Pepe han sido fundamentales en mi carrera. Si eres grande como compositor, eres aún más grande como amigo”. También el músico Luis Miguel Cobo subrayó que “este homenaje para la música es muy especial porque los músicos vendemos humo, no se ve sobre el escenario. Pepe ha sido un pionero guiado por su pasión al conocimiento de la música. Con él aprendí como contar una historia a través de la música y que la música siempre debe provocar una emoción. Para que la emoción sea verdadera, los tiempos tienen que ser determinantes”. Yvonne Blake, figurinista y presidenta en funciones de la Academia de Cine, recordó unos años 60  “en los que mi novio me llevó a un concierto de Los Pekenikes y pensé que Pepe era el más interesante del conjunto. Pepe es todo un ‘gentleman’ sensible y me encanta su música. I love you Pepe”. Daniel Reina, alcalde de Almagro, le dijo al compositor que “hace 40 años usted actuó usted como batería en el Corral de Comedias. Cuando vi su currículum de premios pensé que el homenaje no se lo hacíamos nosotros a José Nieto, sino usted a Almagro”. David Triguero, vicepresidente de la diputación y Carmen Teresa Olmedo, delegada de la Junta en Ciudad Real, también tuvieron palabras de reconocimiento para el compositor. Cristina Santolaria, subdirectora General de Teatro del INAEM excusó su ausencia en el acto. El homenaje que cada edición rinde el Festival de Almagro recae este año, por primera vez, en un músico y compositor, José Nieto (Madrid, 1942), Premio Nacional de Cinematografía en el año 2000. Se reconoce así la estrecha relación que el artista ha mantenido con el Festival y con el Siglo de Oro componiendo la música de piezas como El burlador de Sevilla (dirigida por Miguel Narros), que le valió el Premio Max a la Mejor Composición Musical; Los locos de Valencia (dirigida por Adolfo Marsillach), La serrana de la Vera (dirigida por María Ruiz), La vida es sueño (dirigida por José Luis Gómez) y No puede ser el amar a una mujer (dirigida por Josefina Molina). El Festival distingue también con este homenaje “la fecunda trayectoria artística de Nieto, que ha sabido unir con magisterio y virtuosismo la música, el teatro, el cine y la televisión”.   Además de un referente de la composición musical en teatro, José Nieto (Madrid, 1942) es uno de los más relevantes compositores en el ámbito de la danza. Suya es la música de Tres danzas españolas, Ritmos, Romance de Luna, Don Juan Tenorio, Dualia y El corazón de la piedra Verde para el Ballet Nacional de España; de Picasso: Paisajes para la Compañía Andaluza de Danza y de Sortilegio de Sangre, sobre Macbeth en Shakespeare para la Bienal de Flamenco de Sevilla en 2012. Uno de los más importantes compositores de bandas sonoras de nuestro país, José Nieto recibe su primer Goya a la Mejor Música Original en 1987 con El bosque animado, dirigida por José Luis Cuerda. A este galardón le sucedieron un total de 10 nominaciones y 5 premios más, entre los que destacan los obtenidos por sus composiciones para El perro del hortelano, con dirección de Pilar Miró, La pasión turca y Carmen, ambas dirigidas por Vicente Aranda. En el 2001 obtiene el Premio de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música al Mejor Álbum de Banda Sonora por la película Juana la Loca y en el 2003 por Carmen. Además, ha trabajado en películas como El Lute: camina o revienta (1987, dirección de Vicente Aranda), Amanece que no es poco (1988, de José Luis Cuerda), Amantes (1991, de Vicente Aranda), Beltenebros (1991, de Pilar Miró), El maestro de esgrima (1992, Pedro Olea), El amante bilingüe (1993, de Vicente Aranda), Días contados (1994, de Imanol Uribe), Tu nombre envenena mis sueños (1996, de Pilar Miró), Juana la Loca (2001, de Vicente Aranda) y Luna Caliente (2009, de Vicente Aranda). También ha firmado trabajos televisivos como La huella del crimen, Historias de Pepe Carvalho, Truhanes, Teresa de Jesús. Así mismo, cabe destacar su importante labor docente. Ha impartido cursos regularmente desde el año 1993 en el Aula de Música de Barcelona y actualmente da clases de composición y música para el cine en el Conservatorio del Liceo. Ha dado clases en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños de Cuba y en la Berklee School of Music de Boston e impartido cursos y conferencias en la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Granada, la Universidad Menéndez Pelayo y la Politécnica de Valencia. Homenajes anteriores 2015  Vicente Fuentes, maestro de la voz. 2014  Centro de Documentación Teatral. 2013  Ángel Fernández Montesinos, director de escena. 2012  Javier Antuñano, figurinista. 2011  Andrés Peláez, director del Museo Nacional de Teatro, documentalista y comisario de exposiciones. 2010  Jose Manuel Garrido, consultor y productor cultural. 2009  César Oliva, doctor en filología, catedrático y director de escena. 2007 Rafael Pérez Sierra, creador del Festival de Teatro Clásico de Almagro y José Tamayo, director de escena. 2006 Isidora Aguirre, dramaturga y Elio Berhayer, diseñador de moda. 2005 Alberto González Vergel, director de escena. 1999 José Hierro, poeta.  Nota de prensa en formato PDF: DESCARGA Fotografías del homenaje: DESCARGA

El verano de May: la madre es la gran actriz de Los limoneros, Hiam Abbass, madre moderna

 creíble sólo en su pale si consideramos que es gente pija, de la casta más elevada de Jordania que entronca directamente con los norteamericanos de los que el padre es Embajador en Ammán. No me convenció tanta pijotería y tantos sustos. No sé cómo no acaban de matar al padre de otro infarto, las muy locas.
La direfctora es la misma que de Amerrika, que sí me gustó, y ésta por lo visto llega precedida de La encrucijada, que trata el mismo tema que ahora perfecciona.

El verano de May sigue a May Brennan, una sofisticada neoyorquina que vuelve al hogar de su infancia en Amman, Jordania, con motivo de  su boda. Poco después de reunirse con sus hermanas y sus padres divorciados, los innumerables conflictos familiares y culturales llevan a May a cuestionarse el gran paso que está a punto de dar.

Sunset Song, de Terence Davies: una película para ver eb modo relax y tono bestial

Dirigida por Terence Davies, autor también del guión, la película Sunset Song -larga y genial- se inspira en la novela de Lewis Grassic Gibbon está impregnada de una melancolía lírica y del lamento silencioso del misterio de la vida y en ella vio TD una historia que merece ser contada y logra trazar con ella una epopeya de la vida del campo, con sus enormes sufrimientos y  sus escasos gozos, intimista y a la vez abrumadora, llena de fuerza visual.

Ambientada en los albores de la Gran Guerra, transmite ese plus de violencia que deja pequeñas todas las demás tragedias.

Sinopsis:  Sunset Song es un relato épico y a la vez intimista, con el que Terence Davies nos cuenta la fuerza de una joven mujer contra las adversidades de la vida rural en Escocia, basándose en la novela homónima del escritor Lewis Grassic Gibbon. La película, ambientada en los primeros años del siglo XX, se centra en los conflictos y las elecciones de vida de una joven heroína, Chris, que lucha entre la tradición y el cambio; una lucha que sigue siendo actual. Sunset Song es a la vez épica en una escala emocional y profundamente romántica en su corazón, resultado del valiente realismo poético de Terence Davies.

En Sunset Song, la joven Chris canta “Song of The Earth” a la humanidad, una rapsodia dedicada a todos nosotros trazando así el eterno ciclo del nacimiento, el matrimonio y la muerte. Es una canción que explora los interminables misterios de la tierra, del hogar y del mayor misterio de todos, la familia. Pues la familia encierra los mayores miedos y alegrías.
La canción es tuya y mía, así como de todo aquel que sienta y que haya sufrido o sido feliz. Es una canción que se escucha con serenidad y valentía frente a la muerte. O frente a la vida.
¿Cómo vencer al tiempo o someter a la naturaleza? Es imposible. Solo podemos seguir adelante.
Al final de esta gran obra, el tiempo y la tierra perduran más allá de la guerra, más allá del sufrimiento humano e, incluso, más allá de su propia existencia.

Narrada con indudables acentos bíblicos que van desde la música a las espectaculares imágenes de éxodos y retornos, de sufrimientos indescriptibles y de alegrías inefables, Sunset song  es una película terrible y preciosa, demoledora y devastadora para ser vista en modo relax, con calma, la misma actitud relajada que la protagonista Chris mantiene, aún en los momentos más críticos, a lo largo de su historia, . Ella es así y su temple no se altera pase lo que pase, y lo que pasa es muy fuerte.  Sólo en contadas ocasiones se rebela y hace muy bien, pero de una manera tan atinada y certera que sin duda se debe a que ella siempre mantiene la calma, ahorra su ira para usarla en momentos precisos y certeros sin alterarse ni despeinarse, qué envidia da ese carácter.

Un modo relax que no es de dormir, no te duermes sino que estás atento porque no se sabe nunca por dónde te puede venir. Y el denominador común de lo que te puede venir es siempre la brutalidad a la que ella sabe sobreponerse y de la que ella sale airosa.

Por eso y esto es un gran acierto de Terence D como director- la escena de la paliza en la cuadra del padre al hijo por algo que a nosotros nos puede parecer una nimiedad marca el tono de toda la película y deja muy bien sentado quién manda aquí, así como la creencia de que si a un hijo no se le endereza, otros lo harán.

Desgraciadamente el veneno, la brutalidad innata o heredada, justificada siempre en la película (tal es la gravedad de lo que se juega cada cual al ejercerla), parece que es inevitable en esta historia de amor y que el que no la saca antes (el padre), la saca después (el marido), de manera que a la luz de éste, el padre queda casi como un héroe íntegro. Con guión y dirección de Terence Davies, sus protagonistas son  Agyness Deyn como Chris Guthrie, Peter Mullan en el papel de John Guthrie y Ewan Tavendale en el papel de Kevin Guthrie