Contra el tiempo: la fnac 3 del 2 de 2013

 

 

Me ha interesado tanto este artículo, refleja tan bien la película, que lo copio entero para tenerlo todo para mí, avariciosa de lo bueno.

domingo, 3 de febrero de 2013

CONTRA EL TIEMPO

Me ha resultado interesante este documental que firma José Manuel Serrano Cueto. Además, entre los libros que se muestran a lo largo del metraje, observo con orgullo que surgen diversas páginas de la Antología del cine fantástico español que edité en el otoño de 2002. Así mismo, el propio Serrano Cueto colaboró con varios textos en mi posterior Antología del cine fantástico italiano. Por lo tanto, me complace reseñar aquí esta película que contra viento y marea ha dirigido bajo modestas condiciones de producción y con la que, pese a las mil dificultades de un rodaje accidentado, ha obtenido una nominación al Goya en la categoría de mejor documental. En pocos días sabremos si la Academia del Cine Español le otorga el galardón. Mientras tanto, me permito verter aquí mis impresiones acerca de este meritorio trabajo.

CONTRA EL TIEMPO

Qué descuidados somos en este país con lo nuestro. Lo sabemos bien quienes durante años hemos luchado por recuperar la memoria histórica del cine europeo, en general, y del español y sus artífices, en particular. Sobre todo la de sus hijos menos favorecidos por la notoriedad y la fama. Por este motivo me atraen en especial las publicaciones consagradas a la época dorada de nuestro cine de género, coincidente, además, con los años de esplendor de la coproducción europea, las décadas de los 60 y 70 del siglo XX. Un periodo fructífero repleto de rostros fascinantes, peculiares, carismáticos. Los de los actores y actrices secundarios; o de reparto, como algunos prefieren denominarse.
Mucho menos comunes que las ediciones en papel resultan los trabajos audiovisuales. Así como en el mundo anglosajón es habitual la veneración a sus actores, desde todos los ámbitos y con un marcado carácter mitómano, en España apenas existe esa inquietud por reconocer la magnífica labor de nuestros incombustibles cómicos. ¿Y a qué es debida esta desidia, incluso latente en el seno de la propia industria? Carlos Aguilar —coautor junto a Jaume Genover del imprescindible Las estrellas de nuestro cine (Alianza Editorial, Madrid, 1996)—, con no poca agudeza aventura que «el cine, por un lado, siempre ha sido un arte popular, de masas [...] formando parte de la cotidianidad. Y, por otro, tiene un componente industrial/comercial tan obviamente corrupto para todo el mundo que le impide acceder a la absoluta respetabilidad cultural» (1). Lo popular se confunde con lo vulgar y permanece el concepto de entretenimiento llano para público poco exigente, etiquetas que estigmatizan buena parte de la producción obstaculizando así la senda hacia el reconocimiento.
Por eso valoro con admiración el trabajo de José Manuel Serrano Cueto. Gaditano que a sus 37 años ha dedicado diversos proyectos, tanto literarios como fílmicos, a esta reivindicación cuyo esfuerzo pretende restablecer la dignidad profesional que se merecen nuestros maravillosos actores secundarios. Su último logro, dentro del cine de no ficción, se titula Contra el tiempo.

UN DURO PROCESO
Todo empieza en 2006 con Río seco, cortometraje que Serrano Cueto rueda con Aldo Sambrell; la idea original, y que entonces no prospera, consiste en levantar un documental de largometraje sobre sus queridos y respetados actores de reparto, pero no es hasta 2009, fecha en la que se involucra el productor Carlos Taillefer, que da comienzo el proceso de preproducción, culminado en abril del año siguiente con el primer golpe de claqueta durante el Festival de Cine de Málaga. El rodaje se extiende a lo largo de dos años, con parones incluidos debido, entre otros imponderables, a la falta de financiación, pues se lleva adelante sin ningún tipo de ayuda pública o privada. Durante este proceso el trabajo se amolda a las circunstancias, propiciando modificaciones en el hilo argumental, una sucesión de entrevistas a veteranos de la pantalla; finalmente reducidos a seis de entre los muchos con los que se llega a contactar: Lone Fleming, Antonio Mayans, Ricardo Palacios, Fernando García Rimada, Carlos Bravo y Mabel Escaño. Dificultades económicas y logísticas impiden que los inicialmente previstos Frank Braña, Eduardo Fajardo, Claudia Gravi, Mirta Miller, Antonio Pica y Jack Taylor puedan comparecer. Así como Aldo Sambrell, cuyo fallecimiento cercena su inclusión en el film (mas no una emotiva aparición merced a unas previas grabaciones domésticas).
El esquema inicial de entrevistas se mantiene, pero las carencias financieras obligan a ingeniar una curiosa subtrama: el actor Antonio Mora, en principio contemplado para una labor episódica, cobra mayor protagonismo, y de una intervención menor como entrevistador de García Rimada pasa a sostener las charlas con Ricardo Palacios, Antonio Mayans y Carlos Bravo. Se convierte así el joven intérprete en emblema de la nueva generación de actores, en busca de las claves de la profesión mediante su encuentro con los más veteranos; un hermoso detalle al que se suma la conmovedora historia en torno a la camisa hawaiana que un enfermo Sambrell ha regalado tiempo atrás a Serrano Cueto: si Antonio Mora regresa de su viaje vistiendo la llamativa prenda, significará que la entrevista con el actor madrileño no ha podido llevarse a cabo... Como así ocurre, pues el 10 de julio de 2010 le falla el corazón al amenazante pistolero de tantos e inolvidables eurowesterns.

Por desgracia, no será la única baja. Contra el tiempo se estrena el 6 de octubre de 2012 en el Festival de Sitges, dentro de la sección Brigadoon y con presencia de Lone Fleming; pero ocho días después, coincidiendo con la clausura del certamen, se conoce el fallecimiento de Fernando García Rimada, quien arrastraba una larga y penosa enfermedad. Serrano Cueto recibe con profunda tristeza la noticia: «Hablé con él hace un par de semanas, conversamos sobre Contra el tiempo, que se va a proyectar en noviembre en el cine Albéniz y quedamos para que asistiera al estreno. Era un hombre extraordinario, muy cariñoso [...] con un rostro genial. Me acuerdo de cuando se estrenó 1492, la conquista del paraíso y la revista Fotogramas lo eligió Rostro del Mes. Y eso que no tenía ni diálogo en la película. [...] Fue un hombre discreto, muy británico, muy cortés» (2).
A finales de ese mismo mes la película se proyecta en la sala de la madrileña Fundación AISGE, en un pase especial para actores, y a partir de ahí comienza su difusión en las más variopintas pantallas; sólo en noviembre se exhibe en la sala Berlanga de Madrid, en el cine Albéniz de Málaga, en el madrileño cine Artistic Metropol... Y a los pocos días accede al portal legal de visionado de películas Filmotech, donde por menos de tres euros queda a disposición del espectador. Por si fuera poco, en diciembre de 2012 la 2 de TVE emite un reportaje sobre la película dentro del programa La aventura del saber, donde José Manuel y Lone responden a las preguntas de la presentadora María José García. Previamente, en abril del mismo año, se ha publicado en formato libro el diario de rodaje, a cargo de la novel editorial Tyrannosaurus Books. La promoción de Contra el tiempo se desarrolla implacable también con el apoyo de las redes sociales...
Pero aún le esperan más sorpresas a este documental que, poco a poco, con modestia, ha ido encontrado su espacio: en enero de 2013 es nominado primero al Goya en su categoría de no ficción y después a la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos. En el primer caso, compitiendo contra Hijos de las nubes: la última colonia, de Álvaro Longoria, Los mundos sutiles, de Eduardo Chapero-Jackson, y Mapa, de León Siminiani; en el segundo luchando contra Las constituyentes, de Oliva Acosta, Testigo involuntario: Nicolás Redondo, de Iñaki Arteta, y, de nuevo, contra el film de Longoria. El resultado de este pulso se conocerá, en el caso de la Academia de Cine, el día 17 de febrero, y respecto al CEC, el 11 de este mismo mes.

CORAZÓN CINÉFILO
Serrano Cueto, respetuoso, mantiene el plano, consintiendo un tenue estremecimiento de la imagen. Retrata los rostros de sus actores con sosegado aplomo, dejando que expresen serenidad, permitiendo que la sabiduría aflore en sus expresiones diáfanas, sus palabras plácidas, templadas. La mano fugaz de Carlos lía un cigarrillo, reposa junto al cenicero, goza frente a la cámara. Los ojos azul celeste de Lone recorren la arcilla, buscando formas que la espátula define al detalle. La voz de Ricardo, irónica, resuena en la penumbra del despacho, mencionando a Lee Marvin, Charles Bronson, Toshiro Mifune. La gentil humanidad de Fernando se despliega y nos envuelve, sentados, junto a él, frente al álbum fotográfico. El seductor encanto de Antonio revela cercanía y perspicacia en cada gesto, delata al profesional acostumbrado a todo. Y pasea mientras tanto Mabel por el jardín de Puerta Oscura, oliendo a azahar en primavera. Aldo se calza el sombrero.
Cada plano de la película denota consideración y cariño hacia sus actores, les arropa y dulcifica en el retiro que ahora disfrutan, algunos sin intención de abandonarlo y otros dispuestos a volver a primera línea de plató. Remueve la película sus recuerdos con delicadeza, mediante un trabajo de cámara que aboga por la sencillez, un montaje sutil, invisible, que enlaza instantes con suave armonía, logrando secuencias mágicas: esa charla entre Lone y la niña, que interroga a la mujer sobre su currículum artístico ("¿Cuántas películas has hecho, más o menos?". "He trabajado en treintaytantas películas". "¡Eso son muchas!"); ese paseo de Mabel y Carlos, enlazados por el brazo, cruzando el inmenso jardín ("Aquí venía yo con mis primeros novios a contarnos nuestros amores y a recitarnos versos"); el momento en que Carlos entona bajo las estrellas la canción de Lucienne Delyle ("Oh Luna rossa reine des nuits, du haut des cieux toi qui me souris")...

Contra el tiempo focaliza su homenaje a los veteranos actores y actrices de aquella época extraordinaria en la figura de siete profesionales que reflexionan sobre el oficio de actor y el incansable decurso de sus prolíficas carreras (con la excepción de García Rimada, rara avis que llegó muy tardíamente a la pantalla y desarrolló una breve filmografía). En cualquier caso, los heterogéneos orígenes profesionales y geográficos de los siete actores visitados se unifican bajo el manto de una actividad frenética, trotamundista, en todo tipo de producciones, buenas, regulares y peores, cuya singular variedad conceptual y artística gozó de su arrolladora personalidad y su inagotable entusiasmo, en todos los géneros imaginables: el madrileño Aldo Sambrell encarnando malcarados cowboys en Villa cabalga (1968, Buzz Kulik), sádicos combatientes de la II Guerra Mundial en La brigada de los condenados (1970, Umberto Lenzi) o momias milenarias vueltas a la vida en Vudú sangriento (1973, Manuel Caño); la danesa Lone Fleming aterrorizada por espantos sin cuento en La noche del terror ciego (1971, Amando de Ossorio), Una vela para el diablo (1973, Eugenio Martín), Malocchio (1975, Mario Siciliano); el valenciano Antonio Mayans, por siempre unido a la carrera de Jesús Franco en La noche de los asesinos (1973), La tumba de los muertos vivientes (1981) o Camino solitario (1983); el marroquí Carlos Bravo, fornido y dispuesto siempre para la acción en Un par de asesinos (1970, Rafael Romero Marchent), Una ciudad llamada Bastarda (1972, Robert Parrish) y Robin Hood nunca muere (1974, Francesc Bellmunt); el cántabro y orondo Ricardo Palacios, de presencia ubicua en docenas de películas, desde Fu-Manchú y el beso de la muerte (1968, Jesús Franco) hasta El hombre de Río Malo (1971, Eugenio Martín), pasando por Sol rojo (1970, Terence Young); Fernando García Rimada, desde la capital del reino entrevisto en La Lola se va a los puertos (1993, Josefina Molina), La leyenda de la doncella (1994, Juan Pinzás) o Airbag (1994, Juanma Bajo Ulloa); la malagueña Mabel Escaño, sensual e irresistible en El libro de buen amor (1975, Tomás Aznar), Madrid, costa Fleming (1976, José María Forqué), La boda del señor cura (1979, Rafael Gil)...
Qué descuidados somos en este país con lo nuestro. Qué poca atención prestamos a quienes nos han endulzado las horas de ocio, a aquellos cuya compañía ha alimentado tantos momentos de evasión en épocas clave de nuestra vida. Cuántos pesares se han mitigado gracias a ellos, cómo hemos disfrutado con su trabajo. Cuán rápido nos ha latido el corazón riendo, gritando, haciendo manitas frente a sus primeros planos, asistiendo a tiroteos y cabalgadas en ciudades fronterizas perdidas en el desierto. Temblando de emoción ante un beso de tres por diez metros, en techniscope. Riendo a mandíbula batiente con enredos de parejas. Saltando con ellos de rama en rama a través del bosque de Sherwood, aspirando tierra y polvo en primera línea del Alamein almeriense.
Desde entonces no se ha detenido el reloj, avanza el calendario y se solapan las décadas. Pero no luchemos contra el tiempo, pues alimenta la memoria, enriquece los recuerdos, potencia las emociones, sublima toda evocación. Las acrisoladas imágenes de este documental lo sugieren: el tiempo está de nuestra parte. Y yo estoy dispuesto a creerlo.

Notas

1.- Javier G. Romero: "Carlos Aguilar, viaje al centro de la cinefilia", entrevista en Opus Cero, nº 8 (Bilbao, enero 2000), pág. 53.

2.- Víctor A. Gómez: "Adiós a Fernando García Rimada", en el diario La Opinión de Málaga (17 de octubre de 2012)

CONTRA EL TIEMPO (2012)
España. 90 minutos
D: José Manuel Serrano Cueto. P: Carlos Taillefer para Utopía Films. G: Montse Gómez y José Manuel Serrano Cueto. F: Jesús Haro y Jokin Pascual. M: Dolores Serrano Cueto. Mo: Jesús Ramé.
CAST: Carlos Bravo, Mabel Escaño, Lone Fleming, Fernando García Rimada, Candice Kay, Antonio Mayans, Antonio Mora, Ricardo Palacios, Aldo Sambrell, Jimena Sancho, José Manuel Serrano Cueto.

Tres ejemplos de soplagaitez

Es una verdadera peste que sufro y experimento a diario. Sin ser yo demasiado exigente, me la encuentro a cada paso. Me explico:

No se trata sólo la corrección política, es algo más. Porque la primera quita libertad, sí, de expresarse libremente, vale, pero la segunda, la que yo llamo soplagaitez, castiga a quien cumple las normas y eso ya es superior a mis fuerzas. Por poner un ejemplo: Acudo a una función teatral infantil. Antes de entrar a la sala, las instrucciones son claras y precisas, bien repetidas: Nada de madres abajo en los cojines que se han puesto para los niños a pie de pista. Las madres, arriba, en las gradas, para dejar ver. Todo comprendido, todo aceptado. Empezada la función, los cojines se pueblan de mamás que no puden dejar solos a sus retoños, y las que han quedado arriba, obedeciendo las instrucciones, no ven nada. Una de ellas protesta: la encargada de organización le suelta una bronca sobre la tolerancia y el sentido común: ¡Es que son pequeñitos, señora!- decía la jefa de sala mirando al tendido para buscar cobardemente la aprobación del resto. La pobre mujer quedó corrida delante de todos, por intolerante, mientras se le privaba de su derecho a ver la función.

Otro ejemplo: En los sitios donde hay ordenadores públicos gratuitos (ayuntamientos, fundaciones), hay usuarios que no se lavan. No se lavan, sin paliativos. No tienen esa costumbre. Como la organización, con todos sus vigilantes, no tiene fuerzas para exigir un mínimo de higiene, llena todo de carteles pidiendo que se respete la higiene por respeto al resto de los usuarios patatín patatán. Cuando esto no sirve de nada, que es siempre, se abren las ventanas de par en par. En pleno invierno. Los que no se lavan y los que sí se arriesgan a coger una pulmonía, más los segundos que los primeros porque están en inferioridad de condiciones: menos protegidos por la suciedad y por las leyes, que parecen ensañarse siempre con los que las cumplen. Al final, los ordenadores públicos quedarán sólo para los que no se lavan.

Otro ejemplo: Un domingo de noviembre, vivo en el Centro, hay un coche que no me deja pasar. Está sobre la acera y lo limpio enterito con el abrigo para poder salir de casa. La zona hierve de policías y se lo digo a un municipal. Lo ve, me mira con gesto incrédulo y por fin: Señora, por favor, un poco de sentido común. ¿No ve cómo está Madrid de coches? Me dejó casi con miedo, temiendo que la que la acabara tomando conmigo, que la empapelada fuera yo. Primero, qué sabe él si yo soy señora. Segundo, me pide sentido común. Tercero, ¿qué pasa con la norma?

Ay, ay, ay. Y así todos los días.

Incongfesables

Acabo de llegar de León, desde donde he seguido la crisis de Argelia, subsiguiente a la de Mali. El ministro Margallo me dice que tenemos a Al Qaeda a las puertas. Muy serio, sin bromear ni nada, y hoy, sábado de mañana estoy en la Biblioteca del IIC, qué buen sitio, y súbitamente oigo hablar en árabe y descubro que es la bibliotecaria, y he sentido miedo, no es justo pero lo he sentido. Esta chica tiene una sonrisa preciosa y acogedora. A las puertas, no, dentro, aquí mismo en esta fortaleza monástica que es ahora mismo, en esta mañana de sábado, el IIC (Instituto Italiano de Cultura), los tenemos ya. Y se ríen de nosotros (la bibliotecaria ríe cuando habla por teléfono), se ciscan en nuestra angustia de europeos en África. O de españoles en Al-Abndalus.
Ha exclamado "eso" mi corazón traicionero, olvidando así toda la cultura que le han querido inculcar y de la que se sentía solidario. No puedo usar el participio "inculcado" porque ya veo que no, que la capa es tan superficial que a la menor, falla, y falla todo lo hecho en ese sentido. Y por eso, olvidando todas mis amistades argelinas tan cultas que yo guardo desde París como un tesoro escondido (Nashira, doctor doble en físicas; sus dos hermanos: médico la una, arquitecto el otro), posiblemente asesinados por los talibanes a su regreso a Constantine, mi corazón ha reaccionado como corresponde (con miedo) y se ha puesto a condenar. ¿Los he olvidado (a mis amigos) o es precisamente por ellos por los que mi corazón salta a la deriva? Ellos tres eran muy fieles a su cultura, pero no eran del gusto de los que por entonces imponían su ley de asesinatos en Argelia, sabían lo que les podía pasar si regresaban a sus puestos. Aceptaron el martirio volviendo a su país porque era allí donde estaban sus padres, sus trabajos, su casa. Por todo ello, mi corazón ha saltado, pero ha sido un salto complejo si lo analizo bien. Tengo que comprender a mi corazón. Injusto y traicionero, sí, como todos los corazones, pero también por ellos, por Nashira y sus hermanos, musulmanes muy creyentes y respetuosos, gente muy culta y hospitalaria de la que no sé nada hace ya más de una década, desde su vuelta a Árgel  aquel verano de 1995.

"Se vende pan y hielo" es la inscripción que figura, pegada en un folio, sobre el cristal de los escaparates de los chinos (perdón, no es políticamente correcto llamarlos así, pero cómo los llamo para que se me entienda). Esa expresión me tiene a maltraer desde hace tiempo porque me imagino metiéndole un bocado al hielo y luego al pan. Exactamente como hacíamos con el chorizo y el pan. Pan con chorizo. Parece, me parece a mí (a mi traicionero corazón) que hemos cambiado el chorizo por el hielo, y eso no está bien ni medio bien. Entre otras cosas, porque da mucho frío, porque da grima. Pero por lo visto, hay que tener muy buen estómago para digerir todo lo que uno ve cuando va por la calle. Ese folio mustio colgando en un escaparate, en casi todos los escaparates de comestibles del Centro de Madrid, es un contrasentido para una ciudad que obliga a adecuar los escaparates al producto que se vende en cada comercio. Y que cierra galerías de arte por no respetar la fachada del edificio. Non capisco niente.  

Mi Cine diciembre 2012

Avalon. Mapa, de León Simiani ESPAÑA, la anunciaban mucho pero me ha dejado bastante indiferente. Es una odisea, sí, personal, de búsqueda profesional también, una road-movie, documental romántico. Hay una búsqueda de sí mismo mediante el viaje, no se aclara si con final feliz o sólo es la búsqueda, que también tiene un soporte profesional: hacer un largo. Lo logra, esto es largo, tanto como una peli. Parece que al final se ha reconciliado si no con su novia, sí consigo mismo y con su familia, pero a lo que voy, fría: Un joven director español es despedido de su trabajo en televisión. Retomando su sueño de hacer cine, viaja a la India a “buscar” su primer largometraje para descubrir que su búsqueda real no está en India sino en Madrid: estaba huyendo. Sin embargo, a su vuelta a casa, las cosas no salen exactamente como había esperado... El viaje se organiza en torno a su novia, con la que acaba de cortar, y su amiga a la que descubre en las caras de mujeres jóvenes de la India. A lo mejor es adoptada, cualquiera sabe, pensé, pero las cosas no van por ahí. La verdad es que me dejó bastante fría y creo que hasta di una cabezada.

Golem. Amor es todo lo que necesitas. Muy divertida e ilusionante para mujeres maduras: Incluso si te han cortado una teta y tienes un marido capullo, te pueden pasar cosas maravillosas siempre que estés en Italia y Pierce Brosnan se fije en ti. La verdad es que es un enredo de mucho trajín, con sus viajes a Italia, sus encuentros fortuitos, amores y desamores, que la hacen deudora de las comedias de Lope de Vega. Protagonizada por Pierce Brosnan y Trine Dyrholm, transcurre durante un fin de semana en Sorrento, antes de una boda, y donde varios personajes se enamoran y desenamoran. La película sigue la historia de dos familias con enormes diferencias que se reúnen en medio de un limonar y con maravillosas puestas de sol. Los acantilados son de impresión, así como las calas privadas, pero el descontrol emocional contrasta. y a la vez hace juego, con toda esta bellezal del paisaje. Sólo la mujer, que ha sobrevivido al cáncer, mantiene la calma y la sonrisa. Ella, con toda su tragedia, será quien se mantenga incólume como el ciprés de Silos cuando su casa y su vida están patas arriba. Pierce Brosnan recompensará toda esta calma descubriendo su belleza y dándole opción a sobrevivir al desastre causado por todos ellos y por el cáncer. Susanne Bier, ganadora hace dos años del Oscar a la mejor película de habla no inglesa por En un mundo mejor, nos sirve en su último trabajo, un cóctel hecho a base de amor, dolor y nostalgia, con personajes bien construidos que viven situaciones absurdas llenas de humor. El actor irlandés Pierce Brosnan (Mamma Mia!, Agente 007, El secreto de Thomas Crown) interpreta a Phillip, un elegante empresario que trabaja en Copenhague, con mucho interés por los limones y que nunca ha conseguido olvidar a su esposa, fallecida hace ya muchos años. La actriz danesa Trine Dyrholm (Celebración, En un mundo mejor, Un asunto real) encarna a Ida, una mujer alegre y optimista que intenta superar lo que le pasa. El destino está a punto de hacer que esas dos almas doloridas choquen de frente cuando se conocen camino de Italia, donde van a casarse Patrick y Astrid, sus hijos respectivos.

PATAS ARRIBA”, candidata venezolana al Goya Iberoamericano, la comedia dramática “Patas arriba” representa a Venezuela en la apretada competencia, este año más dura que nunca, con un total de 13 aspirantes, por el Goya a mejor película Iberoamericana. Esta producción independiente, apoyada por Ibermedia y el CNAC y con una exitosa trayectoria en festivales, sigue los sueños finales del abuelo Renato, que espera hacer realidad una promesa a su difunta esposa, embarcarse camino de Brasil... si su familia se lo permite. El realizador Alejandro García Wiedemann y la productora y guionista Gabriela Rivas son los responsables de un film que parte entre los favoritos para su nominación al premio de la Academia española. Lo cierto es que la familia de Renato es muy bohemia, herederos de lo mejor de Brazil (su madre) y de Venezuela (su padre) juntos y mezclados, pero están un poco perdidos. Al padre lo cuidan, todo está manga por hombro, no hay dinero pero lo cuidan, sólo que él quiere hacer su sueño y ellos no se lo permiten: Rearmar la barcaza, salir al mar de Brazil... De alguna manera, el padre acaba cumpliendo sus sueños cuando un amigo lo lleva en moto al mar, llega el hijo, lo mecen juntos, y por fin muere en paz en el jardín de su casa. Una casa gigantesca con jardín en medio de la naturaleza que nadie quiere vender -ni cuidar-, pero que él ha vendido ya, como regalo sorpresa para la hija, para que se trate el tetumen (la han hecho un destrozo con la cirugía). Final feliz. La actriz principal, la hija del tetumen averiado, Lourdes Varela, me dicen que era de telenovela y que ha muerto de cáncer, dommage!

Karma. Blue Valentine trata del amor como afán de posesión causado por un complejo de inferioridad y una necesidad de pertenencia grandes, carenciales, puesto que procede de un hogar destrozado. Todo esto se potencia hasta el punto de hacer insoportable a la persona que en principio tiene todas las virtudes para ser amada: generosidad, belleza, amor. De tanto necesitar garantías absolutas, se ha convertido en un monstruo, un torturador al que nada, ninguna promesa, ninguna garantía sirve. Lo quiere todo y a cada instante, puesto que él se ha entregado por entero, Y así no se puede, hay que romper para sobrevivir, nada peor que este infierno.Menos mal que es Ryan Gosling. Y ella Michelle Williams, la que hizo de Marilyn, ambos nominados al Óskar. Ellos dan la intensa relación de una pareja que se enamora apasionadamente en su juventud y se enfrenta seis años después a los retos del matrimonio. Narrado con destreza entre el pasado y el presente, BLUE VALENTINE es un retrato crudo y sutilmente redactado del amor y el desamor. Bajo la maravillosa dirección de Derek Cianfrance y la extraordinaria interpretación de sus protagonistas, la historia llega a lo más alto de las emociones. BLUE VALENTINE cuenta también con las aportaciones de Andrij Parekh y Brooklin Band Grizzly Bear, que proporcionan una banda sonora poética a esta experiencia de cine íntimo y sincero. Dean y Cindy llevan seis años de apasionada historia de amor. Han tenido una hija "juntos" y han decidido casarse. Así, mediante saltos atrás, conoceremos la historia de esta pareja desde que se conocen, su amor se va forjando, vive su apogeo y empieza a deteriorarse irremediablemente. Seleccionada a competición oficial para los festivales de Sundance, Toronto y Cannes en 2010,

Universal. EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN, la segunda película de animación stop-motion 3D de LAIKA, transcurre en el pueblecito de Blithe Hollow, donde un hechizo lanzado siglos atrás hace que se vea asediado por zombis y brujas. Norman Babcock, un chico de once años que tiene el don de ver y hablar con los muertos, es el único que puede detener la maldición y salvar a sus habitantes haciendo acopio de todo lo que se necesita para convertirse en héroe: valor y compasión. Pero pronto descubrirá que sus actividades paranormales van a ser llevadas a límites insospechados. La vimos en el Proyecciones, sala inmensa. Es preciosa y muy bien hecha, lo malo es que nos la pusieron doblada y además el volumen lo ponen cuando es doblada, a cien.

Wanda. Infancia Clandestina es una conmovedora historia de pasaportes falsos, de escondites en el garaje, de traslados inesperados, de cumpleaños inventados, de ver a tu abuela a escondidas... Contada siempre desde el punto de vista de Juan, un niño que, mientras es testigo del mundo combativo de sus padres, intenta que la suya sea una vida normal donde la cotidianidad del colegio, las fiestas, las acampadas, las bromas y las risas con mamá... también tienen su lugar. Y para eso, Juan cuenta con su adorado tío Beto (Ernesto Alterio) quien, en contrapunto con papá, entiende que sus ideales y su lucha no están reñidos con las ganas de disfrutar. ¿Pero es eso posible? El mundo de Juan empieza a mostrar grietas cuando conoce a María, una niña de su colegio con quien descubre, por primera vez en su vida, lo fuerte que es la sensación de amar... ¿Qué pasa cuando las decisiones de tus padres te impiden vivir tus propios sueños? "Hoy emprendemos el regreso a la Argentina". Así empieza la nueva vida de Juan, un niño de 12 años que, después de vivir en el exilio, regresa con su familia a un país que sigue bajo el régimen militar que les hizo huir. Las instrucciones para él son claras: a partir de ahora ya no eres Juan, eres Ernesto. Son montoneros, del ejército de civiles que siguió luchando por las ideas del general Perón. Se ev un egoísmo feroz por parte de estos padres al exponer a sus niños al exilio, a la falsa identidad, a perderlos finalmente cuando son abatidos a tiros. Los niños adquieren así una madurez impropia: armas. dinero, escondites, todo les es más familiar que sus propias vivencias de niños. Incapaces de echar raíces, las echan sin embargo, necesitan pertenecer a un sitio, a una escuela, tener unos amigos, el mentir de contino cansa. Pero no hay remedio, un niño ha de seguir y obedecer a sus padres. Mi conslusión: Los que se dediquen a esto que no tengan niños. Que sean como los curas, pero por lo que se ve, son incapaces de renunciar. INFANCIA CLANDESTINA es la candidata por Argentina a los Oscar y los Goya

Warner. Golpe de efecto.Buenísima, con Clint Eastwood que se basta y se sobra para llenar él sólo la pantalla. Todo lo que hace este tío lo borda, tiene un estilo único y se ciñe a él sin aventurarse en experimentalismos. Como hiciera en Gran Torino, él sabe cómo hay que tratar a los capullos, nada más lejos de la corrección política que sufrimos a diario en nuestras vidas. La gente le ríe sus gestos, se troncha con sus salidas, sus barrabasadas, todo muy tópico pero tópico de él porque todo es muy suyo. Está con él, lo sabe íntegro y deja que sea él quien resuelva. En este caso, pone al descubierto toda la tontería a la hora de contratar a un fichaje, ojearlo, hacerse con él, toda la tontería burocrática y chupóptera que hay en torno a esto en el deporte. Lo que puede hacerse de manera sencilla, hay que complicarlo más y más para trincar todos los intermediarios un montón. Ven, San Clint, ven y acaba con toda la podredumbre que hay en España, arréglanos, ponlos a todos en su sitio. Tú sí que tienes claro lo que hay que hacer en este corral.

Fox. Las sesiones. Preciosa y maravillosa. El desnudo de Hellen Hunt es conmovedor hasta las lágrimas. Es un papel tan conmovedor como el de Belén Rueda al lado de Bardem en Ramón San Pedro, pero aquí hay un elemento añadido de muchísimo valor, y es el del sexo, la vida añadida que proporciona el sexo, las relaciones completas que no se le pueden negar a nadie, por mucho que nos parezca un trozo de carne. Y ahí está la modernidad y los EEUU donde existe la figura de la suplente sexual, una especie de asistente sexual, sí, esa palabra con la que hemos bromeado tantas veces, también para nosotras las mujeres. Pero no un chulo, no, alguien que nos ayude cuando estamos mal, con o sin pareja. Se le paga, sí, pero su función No es seguir con el cliente, sacarle más citas sino todo lo contrario: algo que una prostituta, cuyo cometido es engancharlo, nunca haría, enseñarlo a valerse por sí mismo y desde su camilla de oxígeno, ligar y seducir con su ingenio, que inspire otra cosa además de compasión. En este caso, se supone que el aprendizaje sirve para que el inválido desarrolle sus habilidades aprendidas y siga por su cuenta con otra/s pareja/s que él se busque. Como ocurre en la película. Claro que también cuenta con secundarios maravillosos. Como el cura, que es divino; o su asistente personal, que es divina. Hasta el chino del motel es divinísimo.

Me escribe Alejandro Muñoz sobre muerte de Manuel González cineasta paisano

El director de cine leonés Manolo González falleció el miércoles 26 de Diciembre a causa del repentino proceso de deterioro de su salud provocado por un cáncer de páncreas.

Manolo González dirigió el excelente documental “Manolo recicla. El señor de los carros”, un alegato acerca de la pobreza, la vejez y la creencia en que nadie está libre de una vida en la calle y de que todos podemos caer en la mendicidad.

Poco tiempo después escribió el guión de “Propios y Extraños”, finalista de un concurso de guiones organizado por la SGAE y la MPAA americana, motivo por el cual fue invitado a Hollywood durante 3 meses, para presentar sus proyectos a las grandes productoras americanas y tomar contacto con guionistas de ese país.

En el 2009 rueda su primer largometraje de ficción, una coproducción Hispano-Alemana-Argentina, basado en el guión premiado por la SGAE. “Propios y extraños” es una película coral protagonizada por Jordi Vilches, Elena Ballesteros, Manuel Tallafé, José Luis Gil, Alberto Jiménez, Mariano Peña, Chiqui Fernández, Mapi Galán, Michel Noher, Jean-Pierre Noher, entre otros.

Hace aproximadamente 1 año El director se había trasladado a Madagascar para rodar “Misión Malgache”, un documental sobre la vida de Basilio Vallejo, un misionero fallecido en la isla tras más de 20 años entregando su vida a los más pobres, y fue esto lo que llevó a Manolo González a quedarse definitivamente en el país con la finalidad de crear un centro de acogida para niños en difícil situación.

Debido al proceso de su enfermedad, Manolo tuvo que regresar a España el pasado mes de noviembre para iniciar su tratamiento, que finalmente no tuvo el resultado esperado.

El realizador, será incinerado hoy, celebrándose un funeral en su memoria en el pueblo de Laguna de Negrillos, provincia de León de donde era oriundo.

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Aurum: Un buen partido. La película es muy divertida por lo locos que están todos. No ha triunfado aún el moralismo que le quieren imponer al pobre triunfador para ser aceptado socialmente. Todo el que le ofrece ayuda, es para liarlo. Cuando lo consigan, ya veremos, se acabará la película. George Dryer (Gerard Butler), una antigua estrella de fútbol en Europa, vive casi con lo puesto en un pequeño pueblo de Virginia con la intención de mejorar la relación con su hijo Lewis (Noah Lomax) y su ex-mujer Stacie (Jessica Biel). Pero cuando George acepta entrenar al equipo de fútbol de su hijo, se le viene encima todo un desfile de atractivas mamás burguesas, encabezadas por Barb (Judy Greer), Denise (Catherine Zeta-Jones) y Patti (Uma Thurman), que competirán por sus afectos como si del terreno de juego se tratara. Y también del patrocinador del equipo de fútbol, el adinerado Carl King (Dennis Quaid), que aprovecha la oportunidad para presumir ante sus socios de lo amigo que es de la estrella deportiva local, al que da dinero, coche, pero le exige secundarle en todos sus líos. Con medio pueblo enredando a su alrededor, ¿podrá George encauzar su vida y recuperar el amor de Stacie? El jugador de fútbol se ve en la ruina, todo por su incapacidad de ser fiel. Es así como ha perdido mujer, casa e hijo (el orden no importa) y cada mujer que lo solicita, lo encuentra. Su vida es un desastre (dicen y dice él) y todos se lo reprochan, su hijo el más severo juez, dan ganas de partirle la cara, parece una amante insatisfecha.


Tripictures.- La hija de mi mejor amigo. Es una deliciosa comedia romántica protagonizada por Hugh Laurie (House) y Leighton Meester (Gossip Girl). Dirigida por Julian Farino, responsable del éxito de la HBO, Entourage. Los Walling y los Ostroff son los mejores amigos y vecinos. Viven justo una familia enfrente de la otra. Cuando Nina (Leighton Meester), la hija de 24 años de los Ostroff vuelve a casa, Nina y David Walling (Laurie) comienzan a sentir una nueva e inexplicable atraccción el uno por el otro. Su breve romance lleva a ambas familias y al vecindario entero al más absoluto caos. El dr. House es el aburrido vecino de papá y mámá que le cae en suerte a esta adolescente rebelde. La liaison pondrá patas arriba a las dos familias, sus valores, su desgana de todo y reactivará sentimientos que se creían dormidos para siempre entre tanto orden familiar: Los celos, la posesión, la pasión. De camino, cada uno se adapta y pone en funcionamiento nuevos motores de superación del hastío. Como la anterior, delicioso divertimento adulto para las próximas Navidades.

Festivalfilms: Operación E, Con Lluis Tosar en la selva de Colombia, se basa en hechos reales y cuenta la odisea de un campesino extraviado entre los milicos y las Farc. Conoce al temido Mono Jujuy (recientemente asesinado en la vida real, por el ejército colombiano), pero nadie le cree, conoce a los cabecillas de las Farc: Yo le cumplo, patrón, yo se lo consigo, yo le acerco esto y lo otro, yo le regreso, el niño yo se lo regreso, lo que sea. Consigue transmitir la tensión y emoción del drama que va in crescendo hasta el final con la familia en un semáforo y el prota en la cárcel: ¿Quién carajo es ese niño que trae patas arriba a tol país? Hijo de una doctora secuestrada por las FARC, hay que devolverlo con su madre y liberarlos a ambos, si lo deja morir, lo matan, y si lo lleva al hospital, también. Chaves reta al gobierno colombiano, no hablará más con Uribe, todo el país pendiente de la televisión y su familia (mujer con 6 niños) expulsada del Bienestar familiar (esto es de traca, puro despropósito) que le ha quitado al niño. Secuestran al que hay que entregar y expulsan a los que hay que proteger.Todo se arregla pero no para él ni los suyos, así suele pasar. Dirección: Miguel Courtois. Países: Francia y España. Año: 2012. Género: Drama, thriller. Interpretación: Luis Tosar (José Crisanto), Martina García (Liliana). Guion: Antonio Onetti; basado en un argumento de Ariel Zeïtoun. Producción: Marisa Castelo, Ariel Zeitoun, Farruco Castromán, Cristina Zumárraga y Luis Tosar. Fotografía: Josu Incháuestegui. Montaje: Jean-Paul Husson. Dirección artística: Gonzalo Martínez. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 5 Diciembre 2012. Lograda la operación, el prota, vivo y en rueda de prensa, no ha vuelto a ver ni a Clara Rojas ni a su hijo, aun debiéndole ésta la vida, a ver si ahora con la peli.

Aurum. El lado bueno de las cosas. Divertida y con un gran valor en el baile como medio para curarse y dejar atrás los problemas. Esto es importante: la disciplina. Quitarse las telarañas del cerebro, si no, uno se amarra a lo que sea. Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva (esto da lugar a mucho cachondeo políticamente correcto) y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas. LA CRÍTICA HA DICHO:“Brillantes interpretaciones de Oscar.” DAILY MAIL; “Una de las mejores razones para ir al cine este año.” THE GUARDIAN; “Una joya. Encantadora y divertida.” TIME OUT; “Una pieza de entretenimiento fílmico prácticamente perfecta.” THETIMES.CO.UK; “Estimulante… una delirante comedia romántica para ahora mismo.” THE DAILY TELEGRAPH; “La película con mejor rollo del año.” DAILY MIRROR; “Brillante hasta derretir el corazón.” DAILY STAR SUNDAY


Cruz del Sur. El guión parte de un corto salido del que es aquí primer actor (David Sanz). Mil y una tribulaciones y miserias contadas con diversión y locura. La amistad con Mariano es fundamental. Sin Mariano, un valle de lágrimas. Es muy buena. Juan, un uruguayo cuya vida bascula cuando en su empresa se anuncian recortes que le costarán su trabajo, emigra a Barcelona. Ya en España, Juan, perdido en una pensión que no pude pagar, comprueba que no existe el paraíso soñado, y observa cómo todas las puertas se cierran. Por fortuna, en la cima de su desesperación aparecerá Mariano, un argentino de origen porteño propenso al bulo y al autobombo, que sueña con triunfar en Hollywood mientras limpia mesas y sirve platos en un pequeño restaurante. "Sin Mariano, no habría peli sino unvalle de lágrimas", dice Davis en al rueda con café y bollos en Casa América). Gracias al particular carácter de Mariano y a sus rocambolescas ideas, Juan acaba consiguiendo un puesto en el restaurante como friegaplatos y empieza a ver más cerca el sueño de traer a los suyos. De la mano de Mariano, y Julia, una guapa estudiante que trabaja como camarera y que pondrá en jaque su matrimonio, Juan conocerá Barcelona y disfrutará de una adolescencia tardía, con noches de borrachera y tardes de playa. Can Mercader no es tan mal sitio y el dueño buena persona. Pero las malas nuevas no se harán esperar, y al deterioro de su relación, y la nostalgia por sus raíces, se unirá la noticia de la inminente muerte de su padre. La vuelta a casa le descubre que su mujer y su hija ya son de otro, que el día a día manda y es libre a su vez.

Morena films y Walt Disney: INVASOR Dirigida por Daniel Calparsoro y los productores de Celda 211. Un hombre dispuesto a arriesgarlo todo por contar la verdad: Alberto Ammann, al que acompañan Antonio de la Torre, Karra Elejalde y Bernabé Fernández y los productores Juan Gordon, Emma Lustres, Borja Pena, INVASOR es un thriller trepidante de acción y suspense, una película realista que habla de sentimientos y la impotencia de un hombre ante la injusticia. Dir. Daniel Calparsoro: La Coruña, fantástica como escenario mafioso: Pablo, un médico militar español destinado en una misión internacional, regresa a casa convaleciente junto a su mujer y su hija. Pablo sospecha que le están escondiendo información sobre las circunstancias del "atentado" que sufrió y a pesar de la presión de los altos mandos, se niega a secundar la versión oficial. Tendrá que elegir entre sacar a la luz una injusticia a riesgo de perderlo todo incluida su familia, o callarse y aceptar un soborno. El film producido por VACA FILMS y MORENA FILMS, cuenta con la coproducción de Mandarin (Francia) y la participación de Televisión Española, Canal +, TVG, ONO, AXN, R, Xunta de Galicia y Ayuntamiento de La Coruña. Olé. Que no falte naide!


Coming soon. “LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO”, primera novela de Stephen Chbosky, llegó a las librerías en 1999 y pronto se convirtió en una obra de culto. Desde entonces, se ha publicado en 14 países, en 12 idiomas distintos y se han vendido más de un millón de ejemplares únicamente en Estados Unidos. El número de lectores desde su publicación se estima entre cinco y siete millones, ya que la novela se enseña con frecuencia en institutos y universidades; prohibiéndose en otras. Ahora, Chbosky firma el guión y dirige, con exquisita sensibilidad a la hora de componer los planos, el film basado en su alabada novela. Al igual que el libro, la película sigue las andanzas de su protagonista, Charlie, a lo largo de un primer año de instituto emocionante, traumático y, sobre todo, tremendamente vital. SINOPSIS.- Es el año 1991, y Charlie (Logan Lerman), académicamente precoz y socialmente torpe, es un marginado que se limita siempre a observar sin participar, hasta que un par de carismáticos estudiantes de último curso de su instituto lo acogen bajo su ala: La bella Sam (Emma Watson), de espíritu libre, y su hermanastro Patrick (Ezra Miller), que no le tiene miedo a nada, guían a Charlie a través de nuevas amistades, el primer amor, el despertar de la sexualidad, fiestas sin fin, pases a medianoche de “The Rocky Horror Picture Show” y la búsqueda de la canción perfecta. Al mismo tiempo, su profesor de lengua, el Sr. Anderson (Paul Rudd), lo introduce en el mundo de la literatura y suscita en él el sueño de convertirse en escritor.Pero, aunque Charlie prospera en este nuevo mundo de adultos, el dolor de su pasado (que incluye el reciente suicidio de su mejor amigo, Michael, y la muerte accidental de una querida tía suya) acecha justo bajo la superficie. Mientras sus nuevos amigos se preparan para abandonar su hogar rumbo a la universidad, el precario equilibrio de Charlie comienza a desmoronarse, y en la raíz de su tristeza encuentra una revelación sorprendente.

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará el próximo 5 de diciembre la comedia “gastronómica” EL CHEF, LA RECETA DE LA FELICIDAD. Una producción de GAUMONT y A CONTRACORRIENTE FILMS, que nos muestra de una forma divertida el mundo, siempre glamuroso, de la alta cocina francesa y los entresijos bastante miserables de las estrellas de la guía Michelin. De hecho, menciona a Joël Robuchon, al lado del cual viví, y a cuyo mostrador se acodaban, como para una lección magistral, lo más granado de París. Salían a fumar y no se oían gritos de admiración. La película está dirigida por Daniel Cohen (“Les Deux Mondes”) e interpretada por tres actores especialistas en comedia: Jean Reno (“Los Visitantes”), Michaël Youn (“Lucky Luke”) y Santiago Segura (“Torrente”). Después de su presentación en la última edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, la premiere española de EL CHEF, LA RECETA DE LA FELICIDAD tuvo lugar en el Festival de San Sebastián, donde la película inauguró la sección Culinary Zinema: Cine y Gastronomía. El chef estrella Alexandre Vauclair no se entiende con la nueva dirección de la empresa propietaria de su restaurante, que prefiere apostar por la nueva cocina molecular. Vauclair se encuentra desesperado y sin ideas para el nuevo menú que puntuarán los críticos gastronómicos de la Guía. Alexandre necesita inspiración y un nuevo ayudante. Y entonces conoce a Jacky, un aficionado a la alta cocina, autodidacta, obstinado y con mucho, mucho talento.


A Contracorriente. INSENSIBLES, el primer largometraje del cortometrajista franco-español Juan Carlos Medina, con guión de Luiso Berdejo (“[Rec]”) y del propio Medina, se estrenará el próximo 1 de febrero. La cinta llega a nuestro país después de su presentación en varios certámenes internacionales y del reconocimiento de la prensa especializada. A mí me recordó bastante Pa negre por las circunstancias que evoca, pero el modo de tratarlas (con absoluta seriedad no ausente de romanticismo) es diferente. La premiere mundial de INSENSIBLES tuvo lugar en el Festival de Toronto, y después se presentó en los festivales de Londres, Estocolmo, Sitges y Estrasburgo. En este último, se llevó el Premio Méliès de Plata a la Mejor Película Europea. El reparto de INSENSIBLES está encabezado por Àlex Brendemühl (“Héroes”, En la ciudad, “Las 2 vidas de Andrés Rabadán”), Juan Diego (“Lope”, “Vete de mi”), Tómas Lemarquis (“Noi Albínói”), Derek de Lint (“La insoportable levedad del ser”, “El libro negro”), Ramon Fontserè (“Soldados de Salamina”, “El 7º día”), Silvia Bel (“Año Mariano”, ”Torapia”), Félix Gómez (“Trece Rosas”, “Agnosia”), Bea Segura (“Hierro”, “Salvador Puig Antich”), Lluís Soler (“Cámara oscura”, “Bienvenido a Farewell-Gutmann”) e Irene Montalà (“La mujer del anarquista”, “Las muñecas rusas”). Esta coproducción hispano-franco-portuguesa participada por Roxbury Pictures, A Contracorriente Films, Les Films d’Antoine, Tobina Film, Fado Filmes y Televisió de Catalunya, con la participación de Televisión Española, se rodó durante 7 semanas en localizaciones de Catalunya y Huesca.


Golem, Sherlock, Cines Verdi: CÉSAR DEBE MORIR, de Paolo y Vittorio Taviani, fue la Película de Inauguración del 5º Festival de Cine Italiano de Madrid, del 22 al 29 de noviembre de 2012, Candidata italiana a los Premios Oscar 2013, Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) y nominada a 3 Premios del Cine Europeo (Mejor Película, Mejor Director y Mejor Montaje), entre otros premios internacionales,narra los esfuerzos de un grupo de presos para llevar a cabo en la cárcel una representación de “Julio César”, de William Shakespeare. Sencillamente genial, al mezclar lo que les pasa a ellos en la vida real con su implicación en el personaje y la historia de César. Sus discusiones sobre la tiranía y las consecuencias de los actos de cada cual son antológicas y dan lugar a otro drama nuevo. Luego vi La noche de San Lorenzo, en el IIC, que me dejó tb sin aliento.

Altafilms. La parte de los ángeles (The Angels’ Share) Ken Loach* El amor como motor de regeneración personal. El amor a la familia y que todos tenemos algo bueno dentro que podemos descubrir con algo de ayuda. Un canto a la corrección política que puede convertir las manzanas podridas en sanas. La sociedad, mu mala, algunos individuos son la excepción. En Glasgow, cuando el joven Robbie va a la maternidad a ver a su chica, Leonie, y coge en brazos a su hijo recién nacido, Luke, se siente muy conmovido y jura que su hijo no tendrá que llevar la vida que él ha llevado, llena de dificultades y atrapada por los delitos que cometió en el pasado. En los servicios a la comunidad, Robbie conoce a Rhino, Albert y Mo, para los cuales, al igual que en su caso, el trabajo es poco más que un sueño lejano. Harry, el educador que se les ha asignado, se convierte para todos ellos en su nuevo mentor para iniciarles en secreto... en el arte del whisky. Algo muy transgresosr, sin duda, pero veamos: Robbie descubre que tiene un verdadero talento de degustador, y muy pronto es capaz de identificar las barricas de los destilados más singulares, los más caros. Junto con sus tres compadres, urde un timo, Les sale bien y tienen dinero, pero sólo uno no lo desperdiciará gracias al amor que tira de él como una polea: ¿Robbie se va a contentar con convertir ese
don en un timo, en una etapa más de su vida de pequeños delitos y de violencia, o decidirá transformarlo en un nuevo porvenir, lleno de promesas? Solo los ángeles lo saben. La parte de los ángeles es la que se esfuma en el proceso de destil del whisky, metáfora impagable del que ellos "esfuman" de la subasta. "El que nos han esfumao a todos", decía una víctima de las preferentes.





Vértigo. No limpieis esta sangre alude a un ataque policial contra un colegio ocupado por inconformistas: estudiantes, abogados, periodistas... Todo empezó como una protesta pacífica y acabó como una brutal represión política y policial Conferencia del G8, Génova, año 2001. Un grupo de activistas, la mayoría estudiantes, se encerraron en la escuela Díaz (vaya nombre que me sugirió México y no Génova) y fueron desalojados brutalmente por la policía. Según denunció Amnistía Internacional, durante esos días aconteció en la ciudad la suspensión más grave de derechos humanos en un país occidental desde la II Guerra Mundial. las imágenes de las torturas en el más abyecto aislamiento de incomunicación y falta de derechos, son espeluznantes. Los policías, unos gañanes impresentables. Zafios y bestiales. Hay una botella que cae y cae y cae otra vez, que fue el leit motiv que propició el ataque, cae sobre un jeep policial conducido por una mujer... Que da asco. Esa fue la brutal agresión que justificó el ataque autorizado y justificado desde las más altas estancias corruptas del Ministerio del Inetrior. Todo absolutamente tercermundista, o así al menos el cine nos lo enseña.


Vértigo, De óxido y hueso, buenísima, seleccionada, junto con Cosmópolis, para competir en la Sección Oficial del Festival de Cannes: DE OXIDO Y HUESO (De rouille et d'os) de Jacques Audiard, ganador del Gran Premio del Jurado de Cannes por UN PROFETA, con la ganadora del Oscar por LA VIDA EN ROSA Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts (él está buenísimo frente a la escualidez de ella), es una descarnada y emotiva historia de amor y superación. Presenta al hombre oso, bruto y tierno a la vez, capaz de reaccionar eficazmente ante la desgracia ajena e incapaz de ver, por ejemplo, las desgracias que se le vienen encima en su propia casa motivadas en parte por su conducta irresponsable. Un inconsciente que, debidamente vapuleado, es un caballero andante. Por suerte, no hay nada, ninguno de los platos rotos, que no se pueda arreglar. Sólo le hace falta que se le dé una oportunidad para mostrar tb su fragilidad, que es mucha. Todo va paso a paso y así resulta un film encantador sobre las dificultades, las desgracias y la manera de sobreponerse, y hasta hay tiempo de enamorarse por el camino. También es cuestión de suerte.

Emon, EL CAPITAL. Buenísima y divertida, muestra como en un juego bufo los entramados de la corrupción. Los grandes inversores son viejos chochos en manos de putas que, mientras se dejan robar la cartera, exigen mayores rendimientos a sus banqueros. Éstos, por su parte, están en las mismas manos, y hasta atrapados en las mismas putas sin que haya forma de parar esta locura. Todo sería de reír si la bufonada no acarreara tanto sufrimiento. De esto trata la nueva película del multipremiado director francés de origen griego Costa-Gavras, ganador de 2 Premios Oscar de 5 Nominaciones por Z (además de obtener el Premio del Jurado en el Festival de Cannes), ganador de un Oscar por Desaparecido (película que también le valió la Palma de Oro de Cannes), La caja de música (Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín), Amen (César al Mejor Guión) o Estado de sitio (nominación al Globo de Oro). Con EL CAPITAL, Costa-Gavras vuelve a hacer patente su compromiso político y social, a través de este thriller basado en la novela homónima escrita por Stéphane Osmont. La historia fue publicada en 2004 y ya ponía de relieve las deficiencias del sistema financiero capitalista que han desembocado en la actual crisis económica mundial. Esta alegoría de la situación económica narra la historia del imparable ascenso de Marc Tourneuil (Gad Elmaleh), un prescindible sicario del Capital que se convierte en su indiscutible amo y señor. En palabras del director, “todos somos rehenes de esta desgracia global”. Costa-Gavras denuncia que aunque quienes se alimentan de esta situación no sienten miedo ni ansiedad, no pueden controlarla, ya que los mercados funcionan al ritmo de la vanidad, la inutilidad y la avaricia.
Junto al actor francés de moda Gad Elmaleh (La felicidad nunca viene sola, Un engaño de lujo, Midnight in Paris), protagonizan la película Gabriel Byrne (Sospechosos habituales, Asalto al distrito 13), Hippolyte Girardot (nominado al César en 3 ocasiones),la modelo y actriz Liya Kebede (La flor del desierto, El buen pastor) y las actrices francesas Natacha Régnier y Céline Sallette.

Cine con Jerónimo en Caballero de Gracia

Ordet (La palabra), de Dreyer. Lugar: Oratorio de Caballero de Gracia

Yo pienso (y creo) que tuvo que haber un tiempo en que la palabra tuviera esta fuerza creadora capaz de hacer milagros. De poiesis, he ahí el significado, una fuerza capaz de cambiar la realidad y alterar el curso de las cosas tanto como para hacer volver a la vida lo que estaba muerto. En tiempos de los griegos debía ocurrir algo parecido con el Teatro, puesto que aunque la vieran todos los años, la catharsis estaba garantizada. A eso iban, a por la catharsis.
Hoy tenemos miedo a este poder y no lo ejercitamos pese a tenerlo ahí, pienso, por falta de fe. El fallo está en nosotros, que no nos creemos capaces de pedir con verdadera ansia, necesidad absoluta de qu ealgo ocurra. Sólo una persona ajena al mundo, alguien tipo Licenciado Vidriera con necesidad absoluta de decir la verdad, a costa de la porpia estima o incluso de la propia vida, podría hacer el milagro. Yo rezo por que mi madre recupere algo de vista, pero no me creo con ese poder, no me atrevo a pedirlo con esa convicción. Es conformismo, es falta de amor, es qué es, no me atrevo. Pero un verdadero poeta, un creador en el más puro sentido de la palabra, debería lograrlo, yo no me atrevo ni a intentarlo. Y cuando decimos: Señor, no soy digno de que entres en mi casa más di una sola palabra y mi alma será sana y salva, ni lo pensamos. Creo que fue Freud el pirmero en admitir que enfermamos por la palabra, y una palabra debería curarnos, ¿pero cuál, dicha por quién, de qué modo?

Ordet (La palabra)
***** (9,5)
Director: Carl Theodor Dreyer. Intérpretes: Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Cay Kristiansen, Preben Leerdorff-Rye, Birgitte Federspiel, Ejner Federspiel, Ann Elisabeth Rud, Henry Skjaer. Argumento: Kaj Munk (Obra de teatro). Guión: Carl Theodor Dreyer. Música: Poul Schierbeck. Fotografía: Henning Bendtsen. Género: Drama Año de producción: 1955. País: Dinamarca. Duración: 120 min.

1930, en una comunidad de Jutlandia, Dinamarca. El anciano Morten Borgen, padre de 3 hijos, trata de sacar adelante su granja. Uno de sus vástagos, Ander, está enamorado de una muchacha de una familia rival. Otro, Mikkel, espera que su mujer, Inger, dé a luz a su tercer hijo. El último, Johannes, es un estudiante de teología que de tanto estudiar e identificarse con la figura de Jesucristo es considerado un loco por sus vecinos. El parto de Inger se complica, y el doctor se muestra muy pesimista.

En La palabra (Ordet), el magistral cineasta danés Carl Theodor Dreyer (La pasión de Juana de Arco, Dies Irae, Gertrud) muestra su exquisito sentido de la puesta en escena y su afán por profundizar en la condición humana desde una perspectiva realista y abierta a la trascendencia. Se trata de una magistral adaptación de la obra teatral de Kaj Munk. A través de un complejo entramado de relaciones, Dreyer exalta la santidad cotidiana, critica el formalismo moralista de las iglesias oficiales luteranas —según él, alejado de la caridad y a menudo hipócrita— y propugna una fe inocente y sencilla, capaz de obligar a Dios a obrar verdaderos milagros. Un guión impresionante, de altísima altura dramática, moral y hasta teológica, facilita el lucimiento de los actores y del propio Dreyer, cuya cámara consigue numerosos momentos de una densidad visual apabullante. La película ganó el León de Oro en el Festival de Venecia 1955 y el Globo de Oro 1956 a la mejor película en lengua no inglesa. J. J. M.